Mit Adi Wolf trifft eine international bekannte Größe des Power Soul und Blues auf Becky Hope mit der Reibeisenstimme. Unterstützt von exzellenten Musikern aus der Szene ist ein hoch emotionaler Abend mit bester Unterhaltung garantiert!

Strange Country aus Hamburg spielen Americana-beeinflussten Jam Rock. Mittlerweile zum Septett gewachsen haben sie sich seit ihren Anfangstagen 2009 immer mehr in improvisative Gefilde begeben: Je nach Stimmung lösen sich Strange Country im Konzert aus ihren starken, klaren Songs und stürzen sich rückhaltlos in wilde Jams. Im Stile von Bands wie Grateful Dead, Little Feat oder The Band beziehen sie sich dabei auf den reichen Schatz amerikanischer Musik, ohne je in bloßer Reproduktion zu erstarren: immer alles neu, jeden Abend!
Strange Country sind:
John E. Flamingeaux (voc, git), Gesa Eggers (voc, banjo), Sven Fritz (violin, voc), Ollie Samland (pedal steel, git), Stephan Braun (b, voc), Malte Müller (dr, perc, voc) und Pawel Wieleba (dr, perc)

www.facebook.com/strangecountry.de

Chicago Mike Beck ist seit über fünfzehn Jahren als Musiker und Songwriter aktiv und spielt seine Songs solo, mit dem Akustik-Duo Big Eyed Beans From Venus oder mit Electric Beans, einer umfangreicheren, eklektischer ausgerichteten Combo. Mike wuchs in einem nördlichen Vorort von Chicago auf, wo er neben dem Blues auch mit Gospel, Jazz und R&B und fast allen möglichen Mischungen dieser Genres in Berührung kam.

Nach einigen Jahren in New Orleans zog er zurück nach Illinois in Carbondale, wo er die authentischen Bluegrass-Picker entdeckte, die sein Gitarrenspiel nicht zuletzt beeinflussten. Beck lebte eine Zeit lang in einer unwirtlichen Gegend in Utah und kehrte schließlich in die Windy City zurück. Streifzüge, die seine musikalische Entwicklung prägten, und das Debüt Chicago Mike Beck verdeutlichten seine Vielseitigkeit.

Der Nachfolger wurde größtenteils in den Niederlanden hergestellt, wobei Nico Outhuijse und Co-Produzent Rick Meyer die Aufnahmesitzungen in Leeuwarden unterstützten. Meyers Gitarrenparts sind ein nicht zu unterschätzender Faktor im Ganzen.

„Wie zum Teufel bin ich hier gelandet?“ fragt Mike Beck verzweifelt im harten Eröffnungssong, eine fest verankerte rhythmische Basis unterstützt den rohen Gesang und das ergibt den kraftvollen Blues-Rock des Openers. Der straffe Blues of the World wird durch das charakteristische Mundharmonikaspiel von Sugar Blue aufgepeppt, der einst in „ Miss You“ der Rolling Stones mitwirkte, aber auch mit Zappa und Dylan zusammenarbeitete.

Becks tiefes, knurrendes Timbre wird auch von Gospel-angehauchten Hintergrundgesang von Nora O'Connor flankiert, die bereits auf Becks Debüt mitwirkte, aber auch mit Mavis Staples und Neko Case im Studio gesichtet wurde. Im hektischen, nicht ohne Humor gehaltenen Stück wird „I'll Get There When I Get There“  von aufblitzendem Boogie-Woogie-Klavier vorangetrieben, und wieder taucht die sengende Mundharmonika von Sugar Blue auf.

Vehicle , das Lied von Jim Peterik aus den frühen Siebzigern, stark gefärbt durch eine straffe Bläsergruppe, bekommt hier eine schöne Reprise. Die flotten Bluegrass-Klänge von Porch Swing wurden in Utah mit Co-Autor Franklin aufgenommen. „Finger“ Curtis. Candy Bar Song  scheint aus New Orleans weggelaufen zu sein. Nach dem mit durchdringenden Gitarren durchsetzten Bluesrocker It's Only In It For Love kommen wir zum zweiten Cover Sweet Virginia . Der Stones-Song aus Exile On Mainstreet wird in einer respektvollen, kaum veränderten Version präsentiert. Dann bekommen wir ein leicht bombastisches, langwieriges Epos geboten.

Paul Fogarty ist ein australischer Songwriter in der Tradition von Bob Dylan, Leonard Cohen und Townes Van Zandt, der auch schon als der "neue Neil Young" betitelt wurde. Seine Ursprünge liegen in den Stilrichtungen Roots, Blues, Alt-Country, Folk, Americana, Jazz, R&B und Poesie. Seine Lieder erzählen vom Leben, den damit verbundenen Höhen und Tiefen und sind durchdrungen von seinem Lebensmotto "Dream and let dream". Der Singer-Songwriter und Multi-Instrumentalist begann schon als 15-jähriger, seine ersten Songs zu schreiben. Inzwischen hat er mehrere hundert Lieder vertont und drei Alben veröffentlicht. Er spielt Akustik Gitarre, Weissenbourne lap slide Gitarre, 6-seitige Ukulele, Stompbox, Blues Harp, Piano, Keyboard und Fuß-Percussion - Das wird ein heißer Abend!  

The Last Call, eine Rockband aus Hamburg. Seit über zehn Jahren spielen
die Typen in der selben Besetzung, (Gitarre, Gitarre, Bass & Schlagzeug)
ausschließlich eigenes Zeug. Der Sound ist schon härter, dafür aber
tanzbar! Das Publikum wird nicht mit langatmigen Soli gelangweilt, sondern
sie erzeugen ordentlich Druck, zaubern eingängigen Melos und präzise
Breaks für den richtigen Spannungsbogen der Songs. Lyrics spiegeln die
Entwicklung unserer Gesellschaft, wie auch das Schicksal der
Bandmitglieder wider. Inhaltlich geht’s mal um Romantik, mal um Politik,
mal um Zombies und mal um die Schattenseiten von Beziehungen. Mit
zwei EP’s (No Regrets & Atomic Lady) sowie diversen Auftritten in
Hamburger Clubs, haben sich „The Last Call” eine kleine Fangemeinde
erspielt ,die sie bei den Gigs begleitet.
Moderner Rocksound ohne viel Schnörkel und Staub

www.thelastcall.de

Mehr als 10 Jahre pendelte Carus Thompson regelmäßig zwischen seiner australischen Heimat und dem europäischen Kontinent. Neben seinem Heimatland erspielte er sich in Deutschland und England mit energiegeladenen Shows eine große und sehr treue Fangemeinde. In manchen Jahren hat er mehr Zeit in Europa als in Down Under verbracht. Ein Leben immer on the road.

Dann wurde alles anders. Mit Ehefrau und zwei kleinen Kindern zog Carus zurück in seine westaustralische Heimat Fremantle. Er arbeitete mit jungen Menschen in schwierigen Lebenssituationen, unterrichtete Musik in Aboriginal-Siedlungen und engagierte sich für Menschen in Rand- und Problembezirken. Tourte  gelegentlich über den roten Kontinent und kam für sehr kurze Besuche nach Europa.

8 Jahre nach dem sehr erfolgreichen Album “Caravan” erschien 2020 sein siebtes Studio-Album “Shakespeare Avenue”. Produziert von Sean Lakeman und unter Mitwirkung von Kathryn Roberts und Seth Lakeman wurde das Album in England eingespielt. Die Pandemie kam und das Tourleben zum Stillstand. 2022 erschien „Neon Folk“ und somit kommt Carus Thompson gleich mit 2 aktuellen Alben im Gepäck Anfang 2024 nach Europa.

Die, was sein Songwriting und seine Live-Shows  angeht,  bekannten Springsteen und Mellencamp Vergleiche mögen zwar inzwischen etwas wiederholt anmuten, bestätigen aber die extrem hohen Performer-Qualitäten des Australiers. Der Mann spielt nicht nur tolle Gigs, er hat auch was zu sagen.

Glitterhouse-Records:

….die Vitalität ist beeindruckend, ob in der Euphorie oder in der Nachdenklichkeit. Ein Geschichtenerzähler, der erdverbunden und sympathisch ist, ganz ohne Neurosen und Weltuntergangsphantasien…..

Die fünf Mitglieder der Hamburger Bluesrockband Thirsty Mamas spielen einen explosiven und wilden Bluesrock, der den Spagat zwischen traditionellem Blues und modernen Rocksounds mit sehr viel Spielfreude und Können meistert. Dafür sorgen eine charismatische Stimme (Stefan Schneider – Gesang und Gitarre), kraftvolle Bluesrock-, Slide- und Lapsteel-Gitarrensounds (Hans Torlée – div. Gitarren), fette Blues-Harps (Mike Jaedke – Harps), und ein massiv drückendes Fundament (Vicente Hernando – Bass und Sam Rusty – Schlagzeug). Alle Bandmitglieder sind erfahrene Praktiker mit langjähriger Bühnenerfahrung. Die Band tritt auf Festivals und in Clubs im Inland und in Finnland auf und hat bisher 2 CDs veröffentlicht (siehe auch Youtube und Spotify).
Die Thirsty Mamas haben Titel in ihrem Repertoire, die Blues- und Rockkennern durchaus bekannt erscheinen, aber die Mamas sind keine Coverband. Neben eigenen Stücken zitieren, paraphrasieren und interpretieren sie wie ihre Vorbilder, als da wären Red Devils oder Clutch, Gary Clark Jr., Jim Suhler oder Buddy Guy u.v.a. Sie vertiefen sich beispielsweise in die Bluesrecordings aus dem Anfang des 20sten Jahrhunderts, erspüren den musikalischen Gehalt dieser Songs und machen daraus Bluesrock. Sie sind einfach schon länger in diesem Metier als die meisten anderen Bluesrocker hierzulande und kennen entsprechend viel Material.
Die Schönheit und die Kraft der Musik liegt darin, dass sie nie standardisiert werden kann. Sie muss ein Austausch unter Menschen sein, weitergegeben von Ohr zu Ohr. Sie ist zugleich alt und unendlich neu, weil es immer Nachahmer gibt, die Stücke hören, die früher entstanden sind, die inspiriert werden und etwas Eigenes erschaffen aus dem, was sie in sich aufgenommen haben. Stets die musikalische Tradition im Auge behaltend, ist es legitim, auch Weiterentwicklungen alter Bluessongs erneut aufzugreifen und mit heutigen Perspektiven zu versehen. Als uns die ersten Scheiben der Rolling Stones aufhorchen ließen, wie viele Titel waren da von ihnen und wie viele von Willie Dixon? Oder von Chuck Berry? Alles klar?!?

Eine Mischung Soul und Funk, gewürzt  mit einer Prise Blues und Jazz...
das ist " Eat More Fish ! " (und die gibt´s seit 20 Jahren !)

Funkensprühende Groovy Music...
das Rhodes-Piano perlt, die Stimme klingt soulig und der Groove wirkt wohldosiert funky.
In ihrer „Soulkitchen“ heckt die Band nicht einfach irgendeine neue Mischung aus, sondern die Einflüsse der einzelnen Musiker haben sich in längerer Zusammenarbeit zu dem speziellen Sound gefügt.
Aber was heißt überhaupt funky? Man weiß es, kann es aber nicht genau beschreiben,
bis man EAT MORE FISH das erste Mal hört.
Ihr Programm besteht aus bekannten wie auch weniger bekannten Coverversionen von Songs der Hochphase des Soul & Funk.
Die Band liefert einen treibenden Groove und soulige Vocals gepaart mit präzisen Bläserattacken öffnen den Himmel nach oben.
EAT MORE FISH ist zu sehen auf nord-deutschen Bühnen - Open Air, in Clubs und bei privaten Events.
Wer nach Soulfood hungert, liegt bei EAT MORE FISH sicherlich richtig.
Seit 2004 existiert dieses Hamburger Band-Projekt.

eatmorefish-music.de

Walter Salas-Humara scheint richtig Gefallen an seiner erst vor wenigen Jahren reaktivierten Solokarriere zu finden! Wie versprochen gibt es tatsächlich nur zwei Monate nach Work: Part One schon wieder etwas Neues vom Mastermind der legendären Alt.Country Rock-Pioniere The Silos! Anders als jenes Album mit von Grund auf überarbeiteten Versionen alter Kultsongs aus der Silos-Frühphase handelt es sich bei Explodes And Disappears um völlig neues Material - 10 brillante Stücke, die den charismatischen Singer/Songwriter als hervorragenden Autoren wahrhaftiger Short Stories, talentierten Komponisten besonderer Indie Pop-Melodien und team-engagierten Leader unterschiedlich zusammengesetzter Studiobands präsentieren. Und: Explodes And Disappears rockt an den richtigen Stellen!

Die Silos aus New York, mit Walter Salas-Humara im Kreativzentrum als Songwriter, Gitarrist und Leadsänger, gehörten ab 1985 zur besonderen Gruppe all jener Critics' Darlings-Bands, die - ähnlich wie Velvet Underground, die späten Byrds, Television, die Feelies oder Green On Red - einfach zu gut und ihrer Zeit voraus waren, um ihre eminent einflussreiche Musik so verkaufen zu können, wie sie es verdient hätten. Sie standen für sensiblen, klugen, einprägsamen amerikanischen Indie Pop-goes-Alt.Country Rock der Königsklasse, der die Rezensenten begeisterte und sich in den Jahreslisten der einschlägigen Rock-Magazine platzierte. Die 90er Jahre waren geprägt von Salas-Humara's Rastlosigkeit und Experimentierfreude. Häufige Ortswechsel zwischen New York, Los Angeles und der pulsierenden Szene von Austin sorgten für permanente Umbesetzungen und hatten musikalische Brüche und Neuorientierungen zur Folge. Mit dem Boom von Alt.Country, No Depression und Americana waren die Silos jetzt eine Band unter vielen und mussten sich ihren Platz im großen Pool erst wieder zurückerobern. Und das geschah ab dem neuen Millennium bei Blue Rose mit einer beeindruckenden Serie von gleich mehreren starken Alben zwischen 2001 und 2006 bzw. dann wieder in 2011 mit dem famosen Florizona. Im Sommer 2014 hatte das schwäbische Label Curve And Shake veröffentlicht, nach über 18 Jahren mal wieder ein Non-Silos-Soloalbum, mit dem der inzwischen in Flagstaff, Arizona lebende Musiker seinen ungebrochenen Status im Independent-Bereich und als Darling der Alt.Americana/No Depression-Szene kräftig untermauern konnte!

Zu hart für Folk und zu Blues-beeinflusst für Country, kann Lynne Hansons Art von Veranda-Musik von einer Ballade zu einem vollen Gewitter aus düsterem Americana-Sumpf von einem Song zum nächsten verwandeln. Ihre raue Musik hat ihr den Spitznamen „Kanada’s Queen of Americana“ eingebracht. Und während ihr tiefer, bluesiger Gesang Vergleiche mit Lucinda Williams und Gillian Welch gezogen hat, ist es die Poesie ihrer Texte, die sie wirklich auszeichnet.​

Hanson ist bekannt für ihre energiegeladenen, von Roots-Gitarren angetriebenen Live-Auftritte, egal ob sie solo oder mit ihrer Band The Good Intentions spielt. Sie hat eine unheimliche Art, sich mit ihrem Publikum mit einer Authentizität zu verbinden, die ebenso unterhaltsam wie entwaffnend ist. Ihr Sinn für Humor und Spontaneität als Geschichtenerzählerin ist wahrscheinlich durch den jahrelangen Wettbewerb mit acht älteren Geschwistern um die Aufmerksamkeit am Esstisch geschärft worden. Und wo wir gerade von Tischen sprechen, wundern Sie sich nicht, wenn sie bei einem Konzert auf einen steigt, um für ein oder zwei Songs unplugged zu spielen!​

Die produktive Songwriterin hat in ihrer 16-jährigen Solokarriere acht Studioalben zusammen mit zwei Gedichtbänden veröffentlicht. Sie tourte ausgiebig durch Nordamerika, Europa und Großbritannien und trat bei führenden internationalen Festivals auf, darunter Take Root (Niederlande), Glasgow Americana (Schottland), Maverick Festival (Großbritannien), Kerrville Folk Festival (USA) und Winnipeg Folk Festival (Kanada). ). Sie tourte auch als Support für Grammy-nominierte Künstler wie Gretchen Peters, Steve Forbert und Albert Lee.​

Lynne Hanson kommt zu uns in Begleitung des Gitarristen Blair Michael Hogan, ebenfalls aus Kanada.  

Musik ist nie fertig. Denn auch wenn Songs schon längst fertig aufgenommen und auf Tonträgern veröffentlicht sind, so bleiben sie live doch stets flexible Vehikel für neue Arrangements und sind dadurch immer neu interpretierbar. Warum sollten sie also die immer gleichen, starr umrissene Gerüste bleiben müssen?

Pelagic Zone ist seit Anfang 2009 nach und nach in einer Kneipe in Hamburg-St. Pauli entstanden. Die grundsätzlich fest arrangierten selbst komponierten Songs der Band sollen immer auch Gelegenheiten bieten: Offene Fenster im heimeligen musikalischen Wohnzimmer, aus denen man jederzeit herausklettern und ein bisschen im Garten herumturnen kann, nur um kurz darauf zur Tür wieder hereinzukommen um in der Küche den nächsten leckeren Groove zusammenzubrutzeln.

Stilistisch stehen Pelagic Zone mit vielen Beinen auf noch mehr Böden, was sich auch auf dem im Mai 2013 erschienenen Debütalbum wiederspiegelt. Das selbstbetitelte Werk fußt unverkennbar auf einem soliden Fundament aus Rock. Darauf aufbauend entwickelt die Band Spielereien aus Pop und Prog, klettert auf Konstruktionen aus Funk und Jazz und experimentiert mit Elementen aus Trance und Elektro.

BJ Baartmans ist einer der gefragtesten Gitarristen des niederländischen Rock und Americana. Er hat mit seinen eigenen Bands gearbeitet und Auftritten von Carter Sampson, Jeff Finlin, Oh Susanna, Matthews Southern Comfort und herausragenden niederländischen Acts wie Jack Poels, Hidden Agenda Deluxe oder Frans Pollux wunderschöne Töne und Farben verliehen.
Etwas mehr als 25 Jahre nach der Veröffentlichung seines ersten Soloalbums The Pawnshop Guitar Chase tritt der Songwriter/Gitarrist/Sideman/Produzent BJ Baartmans mit GHOSTWRITER voll ins Rampenlicht: 13 Songs, hinter denen leicht erkennbare, zugängliche, aber gleichzeitig sehr persönliche Geschichten, Ansichten und Überzeugungen stecken. Sie decken eine bereits mehr als 40-jährige musikalische Reise ab, mit 14 Alben unter seinem eigenen Namen, Auftritten bei Hunderten von Albumsessions und etwa 4000 Live-Auftritten, während er eine Familie großzog, mit ernsten, lebensverändernden Ereignissen fertig wurde, lebenslange Freundschaften fand, aber auch verlor, Träume verfolgte und kleine Schätze entdeckte.
„Ein Ghostwriter hat immer jemanden, dem er die Schuld geben kann“, lautet eine Zeile aus einem der Songs des neuen Albums. Die Geschichten präsentieren sich von selbst, müssen dann aber einen Weg finden, eine Verbindung zu den Zuhörern herzustellen. Damit sie sich diese zu eigen machen können. Ein Songwriter kann sich hinter seinen eigenen Charakteren verstecken. Und dann wieder nicht. Sie müssen real sein. Musikalisch ist das Album eine Mischung aus Americana, 70er Pubrock, Reggae und Folk. Aber GHOSTWRITER ist im Kern eine Rock & Roll-Platte, selbst dort, wo es sanfter oder langsamer zugeht.

Der Blues -Gitarren Himmel: Kratziger, ergreifender Gesang und überzeugendes Songwriting á la Eric Clapton und John Mayer.

Cliff Stevens ist ein preisgekrönter Blues-Gitarrist aus Montreal, Kanada. Er ist ein publikumsgefeierter, energiegeladener Gitarrist der im Stil von Eric Clapton, Freddie King und Stevie Ray Vaughan spielt.

Cliff begann vor rund 35 Jahren professionell Gitarre zu spielen. In dieser Zeit spielte er als Sideman in verschiedenen Bands, an vielen Standorten und vor unterschiedlichen Zuschauergruppen. „Clapton jammte nur eine Nacht und ich war hin und weg“, sagt Stevens über ein Cream Konzert, das er im Jahre 1968 in Montreal besuchte. „Dann sah ich Johnny Winter 1970 und verinnerlichte jeden Lick, den ich speichern konnte.“

Er erhielt den Lob der Kritiker für seine beiden Songs auf dem Compilation-Album „Preservation Blues Review“ aus dem Jahr 1997. Sein letztes Album aus dem Jahr 2009 mit dem Namen „Feelin ‚the Blues“ enthält atemberaubende Blues Stücke sowie auch sechs Eigenkomposiitonen. Cliff war mit diesem Album 18 Monate in den Top 100 der „New CD Charts“ und als Album des Jahres von Le Lys Blues nominiert.

Seit Cliff Stevens Band 2014 in Europa als Support für Wishbone Ash tourte, spielte sie in vielen europäischen Ländern und gewann bis heute viele neue begeisterte Fans. Cliff Stevens – Ein großer Gitarrist, der den Blues mit einer von der Straße gehärteten Stimme der Erfahrung singt. Derzeit arbeitet Cliff an einem neuen Album, welches noch in diesem Jahr erscheinen wird. Die Cliff Stevens Band ist ein absolutes Muss, zumal sie zum ersten Mal in Eppstein aufschlägt ! Begleitet wird er von Gilbert Joanis am Bass und JP Velesque an den Drums.

Song Solinas entstand aus einer lebenslangen Liebe zu Folk, Country und Roots-Rock! 

​Mit einem Fuß in der Feinabstimmung und dem anderen im Rock'n'Roll nähert sich die Band einer musikalischen Tradition grosser Legenden wie Neil Young, The Band und The Grateful Dead, aber auch zeitgenössischeren Referenzen wie Hiss Golden Messenger und Damien Jurado.  

Ein klassischer, aber gleichzeitig forschender Sound innerhalb der Americana Szene.

Ola Persson Solinas – Gesang und Gitarre

Tomas Larsson – Gesang und Bass

Carl Hansson – Pedal Steel Guitar

Jonathan Kabell – Gesang und Percussion 

Sänger und Gitarrist Joost de Lange ist Gründer der Rock-Blues-Experience. Schon vorher waren ihm die Rock- und Blues-Szene nicht fremd. Er spielte in verschiedenen Bands, unter anderem der Rockband Yes You Did aus Zeeland, mit der er fünf Alben veröffentlichte und den Zeeland Pop-Award gewann.

Nachdem er einige Zeit mit der Suche nach dem am besten Passenden verbrachte, wurde Ramses Donvil Schlagzeuger der Gruppe. Joost und Ramses kannten sich schon vom Studium am Jazz Studio in Antwerpen und hatten bereits an verschiedenen Rock- und Blues-Projekten in der Flämischen Musik-Szene gearbeitet. 2015 komplettierte Mitchell Goor das Line-up mit seinen präzisen und groovigen Basslicks.

Das Blues-Rock Power-Trio ist gern gesehener Gast in der Niederländischen, Belgischen und Deutschen Szene. Sie wissen, immer wieder das Herz jedes Gitarrenliebhabers zu stehlen. Nach vielen Auftritten in kleinen und großen Venues hat die Band die Erfahrung, eine solide Show abzuliefern. Bei ihren Live-Auftritten spielen sie eine beeindruckende Mischung aus eigenen Stücken und Liedern von Jimi Hendrix, Rory Gallagher, Stevie Ray Vaughan und Anderen. Jetzt solltest du einen Eindruck von dem haben, was Du von der Band erwarten kannst.

2010 - Outlaw
2011 - Change It
2013 - Crazy Times
2014 - Magic Crow
2017 - Live in Antwerp
2019 - Lonesome wolf
2022 - Hypnotized

John Blek & The Broken Strings brechen im Frühjahr 2024 zu ihrem Europadebüt auf. Das Trio besteht aus dem irischen Singer/Songwriter John Blek, dem Cellisten und Multiinstrumentalisten Moritz Brümmer aus Dresden und dem Bratschisten Filip Sommer aus Leipzig.
Die zugegebenermaßen interessante geographische Zusammenwürfelung kam durch ein „Artist in Residence“ Programm im Jahr 2022 zustanden, im Künstlerkollektiv Schloss Röhrsdorf vor den Toren Dresdens. Im Rahmen der Residency schrieb Blek eine Reihe von Liedern und nahm diese in den Castle Studios auf Schloß Röhrsdorf auf, mit tatkräftiger Unterstützung von Brümmer und Sommer. Das Trio war außerordentlich produktiv und harmonierte fantastisch und so entstand in Windeseile eine EP.
Der Mix aus der klassischen Ausbildung beider sowie ihre grenzenlose Kreativität und improvisatorischen Fähigkeiten habe John vollends überzeugt eine Reihe an Konzerte mit ihnen zu spielen.
Freiheit und Freude und Leichtigkeit zeichnen das Spiel des Trios aus. Das Auf und Ab der Streicher verwebt sich auf ganz wundervolle Weise mit Bleks Fingerpicking-Gitarrenstil und der gefühlvollen tragenden Lyrik seiner Lieder. Zusammen erreichen John Blek & The Broken Strings ungeahnte Höhen und vermögen es auf eine leichte spielerische Art ihr Publikum zu begeistern.
Die Tour von John Blek & The Broken Strings findet im Rahmen des Projekts „Zeitgeist Irland 2024“ statt, einer Intiative von Culture Ireland und der irischen Botschaft in Deutschland.

John Blek      Video       streaming concert "Music Star" 1st set          2nd set

Hannah Whites erschütternd ehrlicher lyrischer Stil und ihr Händchen für klebrige Melodien haben sie im Laufe mehrerer gefeierter Alben immer stärker werden lassen. Die letzten beiden wurden beide von der Americana Music Association UK ausgezeichnet, mit einer Nominierung für ihr Projekt mit den Nordic Connections, gefolgt von einem viel beachteten Sieg für den UK Song of the Year im Januar 2023 mit dem bewegenden, persönlichen Car Crash, aus dem Album About Time. Doch  Sweet Revolution ist alles andere als eine Wiederholung dieser Erfolge. Die Songs, die von Michele Stodart (Magic Numbers) produziert wurden, mit dem sie häufig live und im Studio zusammenarbeitet, führen White in aufregendes Neuland. Sie haben die zusammenhängende, vielschichtige Aufregung eines modernen Fleetwood Mac  angetrieben von eingängigen Melodien und ihrem Markenzeichen, der einfühlsamen, seelenumhüllten Bildsprache.

Flashback sind Fans der Woodstock Ära - ihr Rock ist laut, intensiv und geht ins Blut. Markenzeichen ist der mehrstimmige Gesang, wie ihn schon Crosby Stills & Nash, The Band oder Fleetwood Mac zelebriert haben! Die Eigenkompositionen der Band sind von hoher Intensität und Dynamik und wurzeln im Blues und Rock der 60er und 70er Jahre. Es ist Musik mit Leidenschaft und Seele.

Flashback ist eine Band, die in diesem Sinne ihre Kräfte bündelt. Man sieht und hört den gestandenen Musikern einfach an, dass sie Spaß haben, an dem was sie tun!

Richard Young, der von den legendären Kentucky Headhunters, hat ihre neuste Veröffentlichung, „Memphis to Mexico „, produziert und beschreibt sie als ZZ Top auf Star War-Abwegen!
Nach nunmehr drei Alben und einem Live-Mitschnitt in der Mache, sind The Comancheros bereit für den nächsten Schritt auf der Leiter, dem Sprung über den großen Teich zu uns nach Europa. Die Comancheros sind dafür bekannt, einige der energiegeladensten Leistungen der Branche auf die Bühne zu bringen. Sie sammelten diese Wut, um ihr erstes Album „Heavy & Western“ zu produzieren, gefolgt von „Too Old to Die Young Now“. Seit 2015 spielen sie ununterbrochen und haben die Bühne mit Randy Rogers, The Cadillac Three, Drake White, The Steel Woods, Alabama, Whiskey Myers, Blackberry Smoke und der Nitty Gritty Dirt Band gestürmt.

Diese Erfahrungen haben ihre Sporen geschärft und die Band dazu inspiriert, einen Sound zu kreieren, der beispielhaft dafür steht, was es bedeutet, ein moderner Cowboy zu sein: heavy und westlich.

Jetzt, in die Fußstapfen von Ikonen wie Motörhead und Thin Lizzy tretend, sind The Comancheros entschlossen, ihr eigenes Live-Album zu veröffentlichen. So wird „No Quarter: Live at Duke’s Indy“ auf die Country-Welt losgelassen.