Die Live-Aufnahme im Studio mit den herausragenden Musikern Dirk Schaadt und Mickey Neher-Warkocz besticht nicht nur durch die mitreißende Spielfreude und den dichten, dreidimensionalen Klang, sondern auch durch das authentische, kraftvolle Blues-Feeling. Das Projekt besteht aus Jens Filser (Gesang/Gitarre), Dirk Schaadt (Hammond B3-Orgel) und Mickey Neher-Warkocz (Gesang/Schlagzeug). Das Vorgängeralbum „Picks & Licks“ aus dem Jahr 2008 wurde mit dem Vierteljahrespreis der Deutschen Schallplattenkritik (Division Blues) ausgezeichnet. Neben einem Auftritt beim Montreux Jazz Festival ist Jens Filser seither als Sideman, Co-Produzent und Live-Musiker für Anne Haigis und Tommy Schneller gefragt , deren neueste CD-Produktion kürzlich ebenfalls den Vierteljahrespreis der Deutschen Schallplattenkritik erhielt.

LIVE von rohbau meets Sgt. Heckers‘ Liquor Store LIVE Seid dabei, wenn von rohbau (Bandcamp) und Sgt. Heckers‘ Liquor Store (Bandcamp) am Samstag, 14. Februar 2026 die Buhne des legendaren Clubs „Music Star“ in Norderstedt / Harksheide in ein musikalisches Architektur-Meisterwerk verwandeln. Zwei Bands, die unterschiedlicher kaum sein konnen, laden EUCH alle ein am Valentinstag 2026 zu einem unvergesslichen Konzertabend. Die Hamburger Band „Sgt. Heckers‘ Liquor Store“ (Youtube) macht auch ohne Alkohol glücklich. Die fünf Jungs spielen den groovigsten West Coast Rock zwischen Altona und L.A. Bühne frei fur den musikalischen Roadtrip, wenn Neil Young auf Rude Boy Soul trifft. Ein Roadtrip, der die Seele streichelt und das Herz zum Hüpfen bringt. Ein kraftvoller Ritt zwischen Himmel und Hölle, aber immer der Sonne entgegen. Schutzfaktor sinnlos, Widerstand zwecklos! Sperrig aber nicht umsonst kommen „von rohbau“ mit ihrer #KrautWave Show endlich nach Norderstedt. Das Quintett blickt auf ein tolles Konzert Jahr 2025 zuruck, ausverkaufte Laden viele glückliche Gesichter! Ob Hafenklang, Gängeviertel Stellwerk oder Molotow Club uberall haben sie auf den Buhnen ihren Fußabdruck hinterlassen. New Wave Sounds gepaart mit Krautrock Einflussen. Der Sound ist wieder en vogue. Die 80er Musik kehrt zuruck. „von rohbau“ sind beileibe nicht Retro, spielen am Puls im hier und Jetzt. Man fangt an zu kochen und will mit nach vorne, stets den Ohren nach. Wann? Samstag 14.02.2026 Wo? Music Star, Marktplatz 11, 22844 Norderstedt Wie? Irre! Warum? Weil es sein muss! Ist besser so, versprochen

Stone Senate wurde als „eine härtere Version von Lynyrd Skynyrd, gekreuzt mit der Allman Brothers Band“ bezeichnet. Obwohl es schmeichelhaft ist, in solch einer illustren Gesellschaft erwähnt zu werden, ist es wichtig zu betonen, dass Stone Senate definitiv keine Retro-Band ist. Sie entwickeln das, was aus ihren gemeinsamen Einflüssen entstanden ist, weiter und machen sich in der Welt des modernen Country-Rock einen Namen. Angeführt wird die Band von Sänger und Gitarrist Clint Woolsey mit seinem glühenden, gefühlvollen Gesang und seiner unverwechselbaren Bühnenpräsenz. Währenddessen brennen die beiden Leadgitarren/Gesangssolisten James Beau Edwards und Brother Ted Hennington auf der linken und rechten Bühne. Hinzu kommt die eingespielte Rhythmusgruppe mit Kieran Cronley am Bass und David „DZ“ Zettler an Schlagzeug und Gesang – und schon hat man einen Blitz in der Flasche eingefangen. Mit über 600 Konzerten in den USA in den letzten Jahren hat sich Stone Senate dank seiner Tourneestärke eine solide Fangemeinde aus Country und Rock’n’Roll-Fans erspielt.

STONE WATER spielen Soul getränkten Rock´n´Roll und verweben Southern und Americana Einflüsse mit dem Sound des Swinging London. Ihre Musik ist geprägt von jeder Menge „Mississippi-Mud“ alter Bluesgrößen, gepaart mit der Energie und dem Spirit traditioneller 60er Jahre Bands. Das von Martin Meinschäfer gemasterte Debütalbum „Make Me Try“ wurde für den "Preis der deutschen Schallplattenkritik“ nominiert und hat zahlreiche Reviews in Fachzeitschriften und Online Portalen, u.a. aus den USA, England, Frankreich, Spanien und Holland erhalten. "Sie klingen wie die Black Crowes, manchmal wie die Stones oder Americana Bands. Wirklich ein klasse Album in dem Stil. […] Ich hoffe, ich kann bald noch mehr Auftritte dieser großartigen Band ansagen." Peter Urban, NDR Für die Aufnahmen zu „Make Me Try“ quartierte sich die Band im Hamburger Schalltona Studio ein und machte sich mit viel Leidenschaft an die Arbeit. Herausgekommen ist ein Album mit einem erfrischend unverbrauchten und zeitgemäßen Sound, dessen deutliche Vintage-Vibes einer Liebeserklärung an die späten Sechziger Jahre gleichkommen. "This album takes me back to the late sixties when Classic Rock was at its prime. It has a vintage vibe but in doing so it is also has a contemporary feel to it, as the band draw from American Roots music, made famous by bands like Tom Petty, Lynyrd Skynyrd and more recently the Black Crowes.“ Blues Matters (UK) Die ersten Tourneen waren ein voller Erfolg und ließen die Musiker weiter zusammenwachsen. Den letzten Sommer über hat die Band auf einigen Festivals und Open Air Veranstaltungen gespielt und konnte sich einem größeren Publikum präsentieren. Mit den Songs des Debütalbums im Gepäck, mit ihren eingängigen Riffs und den Jam-Parts, haben sich Stone Water schnell in die Herzen des Publikums gespielt. Stone Water machen kein Geheimnis aus ihren musikalischen Wurzeln. Sie schöpfen aus derselben Quelle amerikanischer Rootsmusik, die schon ihre musikalischen Vorbilder, die Rolling Stones, Neil Young`s Crazy Horse, Tom Petty oder die Black Crowes inspiriert hat und tragen die Tradition in ihrer eigenen Interpretation ins Hier und Jetzt.

ouse On A Hill begeistert! Hamburg liegt am Mississippi Hört man der Hamburger Band „House On A Hill“ einen Abend zu, kommt man zwangsläufig zu der Erkenntnis, dass der gute alte Diercke Weltatlas seit Generationen falsch gedruckt in den Schulregalen lagert, denn Hamburg liegt zweifelsohne am Mississippi! Mit eben diesem Gefühl, geht man nach Hause, wenn man ein Konzert dieser Band besucht hat. Die Hamburger Blueslegende Claus „Dixi“ Diercks, hat seine Frau, die Jazz- und Soulsängerin Barbara Grischek, den Gitarristen Toddi Böckmann, den Bassisten Sören Böhme und den Percussionisten Yogi Jockusch um sich geschart, um ausschließlich das zu tun, was Spaß macht: Lieblingsstücke spielen. Jeder der Sänger und Instrumentalisten wäre solo schon erfüllend. So jedoch, kommt man in den Genuss sehr großer Abwechselung an Mikrofon und Amp. Die Band zeigt eine unbändige, extrem mitreißende Spielfreude und dennoch hat man als Zuschauer die Möglichkeit, die dargebotenen Songs in ihrer ganzen Tiefe zu verstehen, nicht nur weil man die Lieder aus dem Delta und den Hügeln Tennessees in akzentfreiem Amerikanisch dargeboten bekommt, sondern auch, weil „HOUSE ON A HILL“ die Besucher mit Leichtigkeit in die Songgeschichten entführt. Nachdem die Zuhörer in den schweren Raddampfer im Mississippidelta eingestiegen sind, machen sie eine Reise durch die Weite Amerikas: Die Bars von New Orleans liegen direkt neben den nächtlichen Lagerfeuern in den Blue Ridge Mountains, oder am tränenreichen Grenzzaun Mexikos. Es erklingen sehnsuchtsvolle Chöre in den Countrynummern; direkt und dreckig fliegt einem der Blues um die Ohren, Beatlesstücke werden zu amerikanischem Kulturgut, Leonard Cohen, Terry Evans, Bob Dylan, Kenny Rogers, Kris Kristoffersen, John Prine, Ry Cooder, Muddy Waters, Bonnie Riatt und John Hiatt können sich über wirklich schöne Versionen ihrer Songs freuen, aber auch über die eigenen Stücke der vier Hamburger. Wohlige Gänsehaut und Lebensfreude stehen unter Garantie auf der Setlist, so dass jeder mit einem „hachz...“ im Herzen nach Hause gehen kann. Claus „Dixi“ Diercks – Gesang, Harp, Gitarre Barbara Grischek – Gesang, Ukulele Toddi Böckmann - E-Gitarre Sören Böhme - Bass Yogi Jockusch - Percussion

Die alten Freunde Peter Case und Sid Griffin werden im Frühjahr dieses Jahres zum ersten Mal gemeinsam durch England, Frankreich, Holland und Skandinavien touren. Deutschland ist mit einem Konzert im "Music Star" zu Norderstedt vertreten. Jeder wird seine eigenen Lieder präsentieren und die Tournee mit einigen Duetten abschließen. Peter Case ist ein dreifach Grammy-nominierter Solokünstler aus Kalifornien. Er ist Gründungsmitglied des bahnbrechenden Indie-Trios The Nerves, das 1976 die Originalversion von „Hanging On the Telephone“ schrieb und veröffentlichte (die später von Blondie gecovert wurde und einen Welthit landete). Außerdem war er Frontmann der legendären Power-Pop-Band The Plimsouls aus Los Angeles. Case startete seine Solokarriere 1986 und tourte seitdem um die Welt. Er veröffentlichte zunächst drei Soloalben bei Geffen, vier bei Vanguard und zehn weitere bei führenden US-amerikanischen Indie-Labels. 2023 erschien sein Album „Doctor Moan“ sowie der Dokumentarfilm „A Million Miles Away“, der Peters musikalische Reise begleitet. Seitdem hat er ein neues Live-Album aufgenommen, das im neuen Jahr erscheinen wird. Für seine anstehende Europatournee wird Peter Case wieder zur Gitarre greifen und Songs aus seinem umfangreichen Repertoire präsentieren. Sid Griffin ist eine Schlüsselfigur der Americana-Musikszene. Der aus Kentucky stammende Musiker war Mitbegründer der Long Ryders, einer Band, die Americana und Alt-Country spielte, lange bevor diese Genres etabliert wurden. Sie haben sich mehrfach für ausverkaufte Tourneen durch Europa wiedervereint. Griffin spielt außerdem Mandoline und Clawhammer-Banjo und leitete die Bluegrass-Band The Coal Porters siebzehn Jahre lang, mit sechs hochgelobten Alben, zahlreichen Tourneen in Nordamerika und Europa und so manchem Kopfzerbrechen. Er schrieb sowohl in den USA als auch in Europa Chart-Singles, aber leider nie einen Megahit. Sid Griffin ist zudem Musikproduzent, freiberuflicher Autor, hat vier Bücher verfasst und die BBC-Fernsehdokumentation „Gram Parsons: Fallen Angel“ (2005) geschrieben. Für BBC Radio 2 verfasste er außerdem Specials über die Carter Family und Buddy Holly. Sein neuestes Buch, „Million Dollar Bash: Bob Dylan, The Band, & the Basement Tapes“, erscheint demnächst in der dritten Auflage, und er hat über vierzig Wiederveröffentlichungen anderer Künstler kommentiert. In Italien wurde Griffin für sein Lebenswerk mit dem Piero-Ciampi-Preis ausgezeichnet, und 2021 erhielt er in Großbritannien den International Trailblazer Award der Americana Music Association. „The Journey From Grape To Raisin“ ist sein neuestes Soloalbum. Eine digitale EP mit Live-Songs dieses Albums erschien im Juli 2025. Griffin tourt regelmäßig als Singer-Songwriter mit seinem langjährigen Freund und Musikerkollegen Peter Case.

Cactus Lee ist texanische Musik pur, eine Mischung aus Austin-Club-Atmosphäre und energiegeladener Tanzfläche. Angeführt vom produktiven Austin-Songwriter Kevin Dehan, spiegelt Cactus Lee eine tiefe Liebe zu texanischen Country-Songwritern wider, verwoben mit dem unkonventionellen Geist von Outlaws und Außenseitern. Mit einem Sound, der kindlich, verträumt und zugleich scharfsinnig ist – in Anlehnung an Ikonen wie John Prine und Tom T. Hall – hat sich Cactus Lee seit seiner Gründung 2019 eine unverwechselbare Nische in der Musikwelt geschaffen. Über sechs Alben, darunter zwei Veröffentlichungen im Jahr 2023, ein Live-Album und mehrere EPs, bilden Dehans Songwriting und seine selbstaufgenommenen Achtspuraufnahmen das Fundament eines sich stetig weiterentwickelnden Projekts. Auf dem neuen, selbstbetitelten Album „Cactus Lee“ erkunden die Songs Themen wie Liebe, Verlust, Familie und Selbstfindung und bieten flüchtige Momentaufnahmen von Charakteren und Augenblicken, durchdrungen vom einladenden Charme Texas. Der Opener „Rabbit“ gibt mit seiner unwiderstehlich fröhlichen Stimmung und dem groovigen Rhythmus den Ton an. Der Text handelt von einem reisenden Musiker – einer Figur, die genauso gut ein Handelsreisender sein könnte –, der lange Fahrten und flüchtige Begegnungen erlebt. Bukka Allens Akkordeonspiel und Adam Amrams rhythmische Handschrift verleihen dem Song eine dynamische Energie, die das Publikum immer wieder zum Mitsingen bringt. Freuen wir uns auf die Band bei ihrem einzigen Deutschlandkonzert im "Music Star" zu Norderstedt.

Nicht nur Folk-Fans sind hingerissen von der Reinheit seiner Stimme und den wunderbaren Songs und Melodien von IAIN MATTHEWS der selbst nicht mehr sagen kann, ob er jetzt sein 53. oder 54. Album veröffentlicht hat. RockGeschichte schrieb er mehrmals. Mitte der 60er Jahre zog der blutjunge Gitarrist und Sänger nach London – und wurde Gründungsmitglied der wohl wichtigsten Folk-Rock-Band Englands FAIRPORT CONVENTION. Schon damals war seine außergewöhnliche Stimme auffallend. Nach 3 Alben verließ er die Mutterband und gründete MATTHEW SOUTHERN COMFORT, die sofort mit ihrer Version von Joni Mitchells „Woodstock“ einen Nr. 1 Hit in England landen konnten. Nur kurz darauf gründete er u.a. mit Andy Roberts die hervorragende Gruppe PLAINSONG, die auch in den letzten Jahrzehnten immer wieder reaktiviert wurde u.a. mit Julian Dawson. Nach seinem Umzug in die USA gelang IAIN MATTHEWS dort, damals noch IAN MATTHEWS – mit „Shake it“ ein Hit – er landete auf Nr. 13 in den Charts. Von da an ging er unermüdlich mit all diesen Formationen oder oft solo ins Studio und kam somit auf eine Werkschau sondergleichen. 1983 beispielsweise tat er sich mit David Surkamp (Pavlov´s Dog) zu dem Projekt HIFI zusammen. Im selben Jahr trat er mit waviger Band im „Rockpalast“ auf. IAIN MATTHEWS ist zurück weil er nie weg war. Soeben erschien ein neues Solo-Album „How much is enough“. Und wieder zieht der Songpoet los und begeistert seine Fans mit alten und neuen zeitlosen schönen Songs und seiner kristallklaren Stimme. Gefühlt nun schon zum 10. Mal in Norderstedt.

1999 startete Dowd seine erste US- und Europatournee. Im Jahr 2000 wurde eine niederländische Fernsehdokumentation über ihn gedreht, und Anfang 2001 hob die New York Times ihn als einen von vier „ Country-Sängern hervor, die immer noch ein Herz für das Land haben “. Er veröffentlichte weiterhin jährlich ein Album und tourte durch die USA und Europa. Sein Filmdebüt gab er in Jim Whites „ Searching for the Wrong-Eyed Jesus “. Albumtitel wie „The Pawnbroker's Wife“ , „Cemetery Shoes “ oder „A Drunkard's Tale“ schienen die Geschichten auf seinen Alben anzudeuten. Er hat oft Fans unter Punkrockern gefunden, obwohl die Musik, die seine Texte untermalt, von Country über Jazz bis Blues und darüber hinaus reicht. Das macht einen Teil seines Charmes aus: Jeder Song erschafft eine eigene Welt, in deren Zentrum seine gefühlvolle, ironische Stimme steht. Und diese Weltgestaltung ist auf „ Is Heaven Real? (How Would I Know?)“ , seinem 19. Studioalbum, am vollkommensten. Neben seinen langjährigen Bandkollegen, Schlagzeugerin Jif Dowd (seiner Schwester) und Gitarrist Mike Edmondson , rekrutierte Dowd eine Reihe von Memphis-Größen, darunter das talentierte Paar Will Sexton (der das Album mitproduzierte und Gitarre spielte) und Amy LaVere (Bass und Gesang), um nur einige zu nennen. Es war für Johnny eine Möglichkeit, all das zurück in seine Jugend im Süden zu bringen, aber auch zu dem mitreißenden Soul und R&B, der ihn in jenen Jahren so faszinierte. Mit einem von Jon Langford gestalteten Cover ist es sein bisher größtes Werk. Mit „ Is Heaven Real? “ kehrt Johnny Dowd im März für eine Europatournee zurück:

The Imaginaries ist eine Americana-Band, die in den Weiten Oklahomas gegründet wurde. Das Ehepaar Shane Henry (Gitarre, Gesang) und Maggie McClure (Klavier, Gesang) veröffentlichte ihr Debütalbum am 26. März 2021. Es wurde im berühmten Muscle Shoals, Alabama, mit den legendären „Swampers“ aufgenommen und dient sowohl als Vorstellung von The Imaginaries als auch als Beginn ihrer gemeinsamen Karriere, nachdem beide Singer-Songwriter bereits als Solokünstler Erfolge gefeiert hatten. Die Songs zeichnen sich durch mühelose Harmonien, gefühlvolle Texte und Lebensweisheiten aus. Maggies sanft-lieblicher Gesang und ihr klavierbetonter Stil verschmelzen nahtlos mit Shanes bluesrockiger Energie zu einer einzigartigen Mischung aus Americana und Singer-Songwriter-Musik. The Imaginaries wurden als Vorband für das Brian Setzer Orchestra Christmas Rocks! Festival ausgewählt. Tournee 2019. Das Duo trat 2021 auch im Vorprogramm von Judy Collins und John Waite auf. Maggie und Shane haben den Soundtrack für den kommenden Spielfilm „A Cowgirl's Song“ geschrieben und produziert und geben mit diesem Film, der von Timothy Armstrong geschrieben und inszeniert wurde, ihr Debüt als Filmproduzenten. Sie sind Koproduzenten, Musikdirektoren und Musikproduzenten. In den Hauptrollen spielen Cheryl Ladd, Savannah Lee May und Darci Lynne. Maggie und Shane spielen auch in diesem Country-Musik-Familienfilm mit, der von Samuel Goldwyn Films vertrieben wird. Genres: Folk-Rock, Americana, Rock, Roots-Rock. Bandmitglieder: Shane Henry, Maggie McClure. Heimatort: ​​Norman, Oklahoma.

Verwurzelt in der amerikanischen Kultur und durchflutet von der Sonne der Westküste, liefert der aus Los Angeles stammende David Rosales mit seiner Band of Scoundrels eine mitreißende und temperamentvolle Performance ab. Rosales kreiert einen authentischen, ehrlichen und unverwechselbar eigenen Sound , der West Coast Soul, Roots Rock und die Wärme des Laurel Canyon der 70er Jahre vereint. Aktuell arbeitet er im Studio an seinem dritten Album und knüpft damit an den Erfolg von REVIVE (2022) und der dazugehörigen EP TRAILS (2023) an. Rosales, bekannt für seine authentische Stimme und sein ausdrucksstarkes Songwriting, tourte bereits mit Künstlern wie Brandi Carlile, The Wallflowers, Larkin Poe, Lyle Lovett, Ben Harper, Chris Isaak, Counting Crows, The White Buffalo, Macy Gray, Donavon Frankenreiter, Pokey LaFarge, Matt Costa und vielen anderen.

Vorletztes Jahr brachte der Hamburger Musiker Matthias Schwettmann, bekannt als Would, sein zweites Soloalbum „Get Away“ über DevilDuck Records heraus. Nach dem erfolgreichen Debüt vom Frühjahr zeigt Schwettmann, der auch als Frontmann der Band Palila aktiv ist, mit diesem Album eine neue, tiefere Facette seines musikalischen Schaffens. „Get Away“ entstand im Herbst und Winter 2023 und ist geprägt von einer melancholischen Stimmung, die sich wie ein roter Faden durch das Album zieht. Anders als beim Debüt, das eher eine Sammlung verschiedener Einflüsse darstellte, setzt Schwettmann hier auf ein durchgängig stimmiges Album, das die winterliche Melancholie in gefühlvolle Songs umsetzt. „The Beginning“ und „Mysterious Ordinary Man“ sind zwei herausragende Tracks, die im kommenden Jahr auch auf Palilas nächstem Album in einer kraftvolleren Indierock-Version zu hören sein werden. Eine Besonderheit von „Get Away“ ist die intensive Eigenarbeit von Matthias Schwettmann: Er hat nicht nur alle Songs geschrieben und aufgenommen, sondern das Album auch eigenhändig in seinem Homestudio in Hamburg gemischt und gemastert. Dieser persönliche Einsatz verleiht dem Album eine authentische und intime Klangqualität, die den Hörer/die Hörerin direkt anspricht. Inspirationen für „Get Away“ holte sich Schwettmann bei Größen wie Neil Young und Wilco. So wurden die Stücke „The Barn“ und „December“ stark von Wilcos Album „Cruel Country“ beeinflusst, während der Titeltrack „Get Away“ eine Hommage an Neil Young darstellt. Auch der schwedische Singer-Songwriter Kristofer Åström hinterließ mit seiner Musik Spuren auf dem Album, insbesondere beim Track „Radiate“. Schwettmanns Liebe zu harmonischen Arrangements erinnert an die Werke von Elliott Smith und Teenage Fanclub, wobei Schwettmann die theoretischen Finessen bewusst in den Hintergrund stellt und den Fokus auf emotionale Echtheit legt.

Cliff Stevens, der in Montreal lebende Bluesrock-Gitarrist britisch-schottischer Abstammung, führt ein faszinierendes, tief in der Musik verwurzeltes Leben. Schon früh zeigte er ein großes Interesse an Musik, und sein außergewöhnliches Gitarrenspiel brachte ihm schnell die Beliebtheit seiner Schulkameraden ein. Inspiriert von einflussreichen Gitarristen wie Eric Clapton, Stevie Ray Vaughan, Johnny Winter und Rory Gallagher, begab sich Stevens auf die Suche nach seinem einzigartigen Sound und Stil. Stevens erlebte die Höhen und Tiefen, die viele Musiker im Laufe ihrer Karriere durchmachen. Jahrelang spielte er in verschiedenen Bands und gab Konzerte in allen Größen und Umgebungen, von kleinen Auftritten bis hin zu riesigen Konzerten beim renommierten Montreal International Jazz Festival. Doch der anstrengende Tourneealltag, gepaart mit der Versuchung durch Alkohol und Drogen, brachte Stevens schließlich zu einer mutigen Entscheidung. Er beschloss, dem Tourleben den Rücken zu kehren und eine stabilere Karriere als Taxifahrer anzustreben – ein Weg, den er lange Zeit verfolgte. In dieser Zeit der Selbstreflexion und der persönlichen Herausforderungen fand er 1998 die Kraft, von seinen Drogen loszukommen. Nach seiner Genesung und voller Dankbarkeit konzentrierte sich Stevens wieder auf das Songwriting und startete eine Solokarriere. Seitdem hat er auf renommierten Festivals wie dem Tremblant International Blues Festival, dem Eutin Bluesfest und dem Vienna Blues Spring gespielt und das Publikum in Kanada, Europa, Mexiko und Marokko begeistert. 2014 tourte er als Vorband der legendären Rockband Wishbone Ash durch Europa und festigte damit seinen Ruf als herausragender Musiker. Im Laufe seiner Karriere veröffentlichte Stevens mehrere bemerkenswerte Alben, darunter „Feeling The Blues“ (2014), „Grass Won't Grow“ (2016), „Live in Germany“ (2017) und das von Kritikern gefeierte „Nobody But You“ (2019). Letzteres hielt sich beeindruckende 58 Wochen in Folge in den Roots Music Report (RMR) Charts und erreichte bemerkenswerte 20 Wochen in den Top 10 der Blues-Rock- und der kanadischen Top-50-Albumcharts. Mit seinem fünften Soloalbum „Better Days“ beschreitet Cliff Stevens neue musikalische Wege und präsentiert zwölf Originalsongs, die ein breites Spektrum an Stilen abdecken – von energiegeladenem Bluesrock bis hin zu gefühlvollem Akustik-Country-Blues. Das Album spiegelt eine persönlichere und introspektivere Phase seines Lebens wider, ohne dabei den typischen Bluesrock-Sound zu verlieren, den seine Fans so lieben. „Better Days“ stürmte an die Spitze der RMR Canada Top 50 Albumcharts, wobei drei verschiedene Songs drei Wochen in Folge Platz eins belegten. Neben seinen musikalischen Erfolgen hat Cliff Stevens sein Wissen durch ein Masterstudium in Musik und Pädagogik an der Concordia University in Montreal vertieft. Wie guter Wein mit dem Alter reift, so haben sich auch Stevens' Gitarrenspiel, sein Gesang und sein Songwriting über die Jahre weiterentwickelt und sind gewachsen. Mit seiner neuesten Veröffentlichung verspricht er, dass sowohl ihm als auch seinen Zuhörern noch bessere Zeiten bevorstehen.

„Bluegrass wie kein anderer! Diese unglaublich schwer fassbare Mischung aus traditioneller apalachischer Virtuosität und treibendem Rhythmus, gepaart mit modernem Feingefühl, geschmackvollen Eigenkompositionen, dreistimmigen Harmonien und atemberaubender technischer Brillanz.“ Kürzlich waren sie bei BBC 6 Music und in den British Bluegrass News zu sehen und haben eine Reihe ausverkaufter Konzerte in Veranstaltungsorten in Großbritannien, Irland und Kontinentaleuropa absolviert. Sie spielten auf Hauptbühnen in Glastonbury, Boomtown, Shambala, Latitude und darüber hinaus in Westport Bluegrass (Irland), Willisau (Schweiz), Nääsville (Schweden), Pflasterspektakel (Österreich) und Jai Thep (Thailand).

„Der Kanadier Dave Goodman ist ein musikalisches Chamäleon. Aufgewachsen in einer Großfamilie in British Columbia, in der fast täglich Musik gesungen und gespielt wurde, begann er mit 12 Jahren Gitarre zu spielen, vor allem Blues- und Rockmusik. Eines seiner großen Vorbilder war der Bluesgitarrist Dave Vidal. Als Jugendlicher begann Dave sich immer mehr für den Jazz zu interessieren. Mit 17 Jahren wurde er zum »Top Highschool Jazz Guitarist« gewählt und eingeladen, zu Ehren der kanadischen Jazz-Legende Phil Nimmons zu spielen. Danach studierte er Musik im Vancouver College. Nach vielen Jahren in Kanada und USA landete Dave Goodman Ende der neunziger Jahre in Bremen, wo er seitdem lebt. Er schrieb seine ersten Songs und entwickelte sich immer mehr zum Singer/Songwriter. Gleichzeitig begann er, seine phänomenale Fingerfertigkeit auf die akustische Gitarre anzuwenden. In seiner facettenreichen Musik sind die frühen musikalischen Einflüsse ebenso hörbar wie die Farbpalette der anglo-amerikanischen und der irisch-keltischen Musik, die er über die Gene seiner Mutter geerbt hat. Diese Bandbreite verbietet es, ihn als Singer/Songwriter irgendeinem Genre unterzuordnen. Goodmans beindruckende Gesangsstimme variiert von einfühlsamem Timbre bei balladesken Stücken bis hin zu Glissando artigem Blues. Seine Songs sind meist sehr persönlich und spiegeln die Bilder seines Lebens und seiner Reisen. Dave Goodman tourt mittlerweile in ganz Europa und Nordamerika. Er singt und spielt meist Solo – unter anderem auch als Support für Peter Maffey und Joan Armatrading – und außerdem mit seinem eigenen Trio oder als kongenialer Gitarrist für andere Musiker. Er wird sehr oft zu Gitarren-Festivals in Europa und Asien eingeladen und gibt als Lehrer regelmäßige Workshops in Italien, Frankreich und Deutschland. Auf der Bühne ist Dave Goodman Musiker, Storyteller und Entertainer in einem. Sein seltenes Talent, virtuose Gitarrentechnik auf Weltklasse-Niveau mit eindrucksvollem Gesang, Geschichten und Humor zu verbinden, machen seine Konzerte zu einem einzigartigen Erlebnis.

Jason McNiff ist ein englischer Sänger, Songwriter und Gitarrist. Geboren in Bradford, zog er in den 90er-Jahren nach London, wo er in der Folk- und Americana-Szene aktiv wurde. Als regelmäßiger Gast im 12 Bar Club in der Denmark Street trat er mehrfach im Vorprogramm von Bert Jansch auf und unterschrieb im Jahr 2000 einen Vertrag bei Snowstorm Records. Sein Debütalbum „Off the Rails“ wurde von Kritikern hochgelobt, insbesondere im Time Out, Londons wichtigstem Magazin. Zusammen mit Andy Allan von Hank Dogs leitete er den Easycome Acoustic Club und war Stammgast bei „Come Down and Meet the Folks“, Alan Tylers legendärer Sonntagnachmittagsveranstaltung. Sein zweites Album „Nobody’s Son“ wurde 2003 zum britischen Americana-Album des Jahres gekürt, während sein viertes Album „April Cruel“ bei den Independent Music Awards in Amerika als bestes Alternative-Country-Album nominiert war. Er bildete Duos mit Emily Barker und Emma Tricca und gründete 2014 die Folk-Gruppe Lone Malones. 2019 zog Jason nach Hastings, wo er den „Sundowner“ gründete, seine regelmäßige Freitagnachmittags-Session im Jenny Lind mit Gästen aus aller Welt. Er spielt jeden Samstag mit seiner Band im Café Hanushka und arbeitet derzeit an seinem zehnten

Heigh Chiefs Ziel war es schon immer, ihren eigenen Sound und Ausdruck zu kreieren. Die Musik ist nach wie vor vom Blues beeinflusst, klingt auf diesem Album aber rauer und vielseitiger. Jedes Bandmitglied von Heigh Chief hat unterschiedliche musikalische Einflüsse, die sie in ihren Ausdruck einfließen lassen. Die Songs bewegen sich zwischen verschiedenen Genres, doch allen gemeinsam ist die Faszination und Inspiration der Band für Rock, Blues, Jazz und Americana, insbesondere für Künstler wie Paul Simon, Blake Mills und Robben Ford. Vor den Aufnahmen zu diesem Album widmeten sich Heigh Chief intensiver dem Songwriting und den Arrangements als zuvor, und die Musik ist diesmal stärker von jedem einzelnen Bandmitglied geprägt. Die Band hat sich in letzter Zeit auf dem norwegischen und deutschen Musikmarkt als herausragende Live-Band mit eigenen, originellen Songs und einer einzigartigen Musikalität einen Namen gemacht. Der Festivalerfolg der Heigh Chiefs in Deutschland führte 2015 zu einem von Deutschlands Radiosender DeutchLandFunk übertragenen Konzert. Dies öffnete der Band die Türen zum deutschen Markt, und sie tourt seither regelmäßig in Deutschland. Auf ihren Tourneen wird die Band gelegentlich von Lars Christian Narum (Hellbillies) an der Orgel begleitet. Die Heigh Chiefs sind: Bjørn Blix (Gesang und Gitarre), Marcus Løvdal (Gitarre und Gesang), Lasse Kulsrud Nordby (Bass) und Jonathan Eikum (Schlagzeug).

Mit einer Stimme, die als samtig-weich und rauchig beschrieben wurde, hat Kirsty McGee in den letzten zwanzig Jahren und acht Alben die Schnittstelle zwischen Folk, Jazz, Gospel und Blues ausgelotet. Ihr Schaffen – das sich über verschiedene Genres und Kollaborationsprojekte erstreckt – stillt ihre unstillbare musikalische Neugier, die sie von Odessa in der Ukraine bis ins Bluebird Cafe in Nashville und in die Mojave-Wüste geführt hat. Obwohl sie in ihrer Heimat Großbritannien noch immer ein Geheimtipp ist, tourte sie in den letzten 20 Jahren durch elf Länder und erlangte nationale Bekanntheit durch Radioeinsätze, Playlist-Platzierungen und Sessions. Ihre stetig wachsende Fangemeinde umfasst über 43.000 monatliche Hörer auf Spotify. Zu den Fans zählen Emma Watson und Danny Boyle , für dessen Thriller Trance aus dem Jahr 2014 der Song Sandman eine zentrale Rolle spielte, sowohl in der Originalversion als auch in der Coverversion von Hauptdarstellerin Rosario Dawson . Kirsty McGee, einst Anhalterin und Aktivistin, definiert Hobopop – ein Begriff, den sie seit der Gründung ihres eigenen Labels 2007 für ihre Musik verwendet – als „Musik ohne festen Wohnsitz“. Ihre flexible und sich ständig verändernde Band The Hobopop Collective formierte sich im selben Jahr und vereint Musiker beiderseits des Atlantiks, die McGees Leidenschaft für musikalische Vagabundage teilen. Zu den Gästen und festen Mitgliedern zählten unter anderem Marc Ribot ( Tom Waits ), Rob Turner und Nick Blacka ( GoGo Penguin ) sowie Clive Mellor ( Richard Hawley Band ). Nach drei frühen, folk-beeinflussten Alben und der Erkundung von New-Orleans-Rhythmen in „The Kansas Sessions “ (2008) gewann McGees erstes Bandalbum „No. 5 “ (2009) den Preis für das beste Live-Album bei den Independent Music Awards 2010 (Vox Pop). „ Contraband“ (2012) präsentierte eine Sammlung von Liebesliedern, so zart, dass man befürchtete, sie durch zu sanftes Hören zu beschädigen. Im Gegensatz dazu knallt „Those Old Demons “ (2014) mitreißend in die Ohren – ein fröhliches und respektloses Potpourri aus Teufelsliedern, dessen Genuss man sich unmöglich entgehen lassen kann. Dreckiger Blues, kubistischer Shuffle, Neo-Jazz und ironischer Noir. McGees achtes Album „ The Deafening Sound of Stars “ (2019) wurde von Kickstarter und dem Arts Council England kofinanziert und von FolkRadioUK als „ein uneingeschränktes himmlisches Meisterwerk und das unbeschreiblich romantischste Album des Jahres, in das man sich verlieben muss…“ beschrieben. Seit der Veröffentlichung von „Stars“ hat McGee weiterhin bahnbrechende Werke geschaffen. In ihrem Projekt „Horned Larks“ experimentierte sie mit elektronischen Beats, während sie mit dem vom American Songbook inspirierten „Pathless Flute Choir“ zu ihren klassischen Wurzeln zurückkehrte. Im Dezember 2023 veröffentlichte sie zusammen mit Gitika Partington unter dem Namen All the Bees ein Album mit neun Titeln pastoralem Folk Noir („ein höchst unerwarteter und inspirierender Segen… außergewöhnlich“, Folking). Nachdem weitere Termine in Großbritannien und den Niederlanden in ihren Kalender aufgenommen wurden, kehrt McGee noch in diesem Jahr mit Spannung erwartet auf die Bühne zurück.

„ Musikalisch ist Staggering Leech kein klassischer Deutschrock. Die Band setzt auf deutschsprachigen Hard Rock, der kantig, druckvoll und mitten ins Gesicht ist – aber immer mit einem großen Wiedererkennungswert. Ihre musikalische Laufbahn begann 2001, damals noch mit englischen Texten. 2024 haben sie dann den großen Schritt gewagt und sind auf das deutschsprachige Album „Das wahre Leben“ umgestiegen mit 15 kraftvollen Songs, die unterschiedlicher nicht sein könnten. Was die Band besonders macht, ist nicht nur ihr Sound, sondern auch die Besetzung: Zwei der Mitglieder sind Brüder, und alle kennen sich seit Jugendtagen. Das spürt man auf der Bühne – diese Jungs sind einfach ein eingespieltes Team mit einem gemeinsamen Feeling. Sie kommen aus der Nähe von Hamburg und haben sich mit energiegeladenen Liveshows einen Namen gemacht. Sie waren u.a. bereits auf den Bühnen vom Logo, Prinzenbar, Meisefrei und zuletzt auf der Festivalbühne von „Jamel rockt den Förster“ unterwegs. Und wo geht’s hin? Staggering Leech wollen sich mit ihrem deutschsprachigen Hard Rock weiter etablieren und neue Fans gewinnen, die auf genau diese Musik schon lange gewartet haben. Sie sind auf dem besten Weg dorthin. ”

Mariel Buckley ist eine authentische und ehrliche Songwriterin, die sich in der Country- und Folkmusik einen Namen macht. Seit ihrem Debütalbum „Driving In The Dark“ im Jahr 2018 begeistert Buckley das Publikum in ganz Nordamerika mit ihren mitreißenden Live-Auftritten. Ihr neuestes Album „Everywhere I Used To Be“ (2022), produziert von Marcus Paquin und mit eindringlichem Pedal-Steel-Gitarrenspiel, verbindet Alternative Folk mit modernem Pop. Die Sammlung präsentiert Buckleys Talent für gefühlvolles Storytelling und ergreifende Melodien, unterstützt von Kanadas besten Studiomusikern. Buckleys Musik, die sich der Vieldeutigkeit und dem Überschreiten von Genregrenzen widmet, erkundet Themen wie Identität und Selbstreflexion. Mit einem bewussten Ansatz, jedes Lied zu dekonstruieren und neu zu gestalten, strebt sie nach Authentizität und emotionaler Tiefe. Ihre Entwicklung als wegweisende Künstlerin ist in jedem Song spürbar, in dem sie die Komplexität von Leben und Liebe mit Ehrlichkeit und musikalischem Können meistert. Während Buckley ihren kreativen Weg weitergeht, begleitet sie ihr Publikum begeistert auf einer fesselnden Reise durch die Landschaften ihrer gefühlvollen Klangwelten.

Rod MacDonald schreibt und singt besser denn je, wie sein zwölftes und neuestes Album „Beginning Again“ beweist. WMNF-DJ und Hauskonzertveranstalter Craig Huegel schrieb: „Wahnsinn! Ich muss die CD nie wieder aus dem Player nehmen. Ein wirklich wundervolles Album … so viele großartige Songs!“ Zwei der Lieder sind auf dieser Website zu finden. MacDonald, einer der führenden Singer-Songwriter der Greenwich-Village-Szene der 80er und 90er Jahre und Mitbegründer des GV Folk Festivals, nahm 21 Songs für Fast Folk auf, die sich heute in der Smithsonian Folkways Collection befinden. Seit 1983 hat er zwölf CDs veröffentlicht, und einige seiner Lieder wurden unter anderem von Shawn Colvin, Garnet Rogers, Dave Van Ronk, den Four Bitchin’ Babes, Jonathan Edwards und Joe Jencks gecovert. Seit seinem Umzug nach Florida im Jahr 1995 wurde er von der New Times zum „Besten lokalen Akustikkünstler“ und zu einem der „Zehn größten Folksänger Südfloridas aller Zeiten“ gekürt. Die Palm Beach Post zählte ihn zu den „Zehn herausragenden Musikern von Palm Beach County“. Sein 2014 erschienenes Album „Later That Night“ erreichte die Top Ten der nationalen Roots-Folk-Charts. Rod ist ein exzellenter Gitarrist und Sänger, der auch in verschiedenen Bands in Südflorida spielt. Seine Lieder zeichnen sich durch Humor, Romantik, die Auseinandersetzung mit aktuellen Themen und authentisches Storytelling aus, wobei er mitunter auf sein historisches Wissen zurückgreift. Er ist Dozent für „Americana-Musik“ im Weiterbildungsprogramm der Florida Atlantic University (2012 wurde er zum Distinguished Faculty Member ernannt) und gibt Konzerte zu Themen wie „Die Lieder von Greenwich Village“, „Das Great American Songbook“ und anderen. Außerdem tritt er regelmäßig bei den beliebten Bob-Dylan-Festivals auf. In einem Interview mit Palm Beach Arts sagte Rod: „Ich finde, Hauskonzerte gehören zu den besten Auftritten im Land. Ich gebe sie mittlerweile ständig, sowohl in Amerika als auch im Ausland. Oft spiele ich in sehr kleinen Städten, die sich keinen Club leisten können. Hauskonzerte ermöglichen es diesen Menschen, Live-Musik zu genießen, ohne eine Stunde fahren zu müssen, und stärken ihr Gemeinschaftsgefühl.“ Er ist außerdem mehrfach Headliner beim Falcon Ridge und dem South Florida Folk Festival und spielt jährlich in Konzerthäusern wie dem People’s Voice in New York City und dem Labyrinth Cafe in Fort Lauderdale. Letzteres hob sein „persönliches Engagement für die Vermittlung von Ereignissen hervor, die die Gesellschaften unserer Welt beeinflusst und geprägt haben … Rods Lieder werden noch lange nach dem Verklingen der Musik im Herzen und im Kopf bleiben.“ In den nordöstlichen USA und in Europa wird Rod üblicherweise vom Bassisten Mark Dann begleitet

„Eine Mischung aus Klängen der Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft“ – American Songwriter Der Singer-Songwriter Bob Sumner verweist auf die musikalisch progressiven Ansichten seiner Helden, wenn er über den Geist seines neuen Albums „ Some Place to Rest Easy “ spricht , das ab sofort über Fluff & Gravy (weltweit) und North Country Collective (Kanada) erhältlich ist. „Sie haben immer etwas Neues, etwas Anderes geschaffen“, sagt er über Idole wie George Jones, Willie Nelson und Waylon Jennings. Mit dieser Ideologie im Hinterkopf machte sich Sumner daran, ein Album zu kreieren, das sich gleichermaßen von der Audioproduktion von Randy Travis wie vom lyrischen Soul von Adrianne Lenker (Big Thief) inspirieren lässt – eine Verschmelzung von Epochen, Klängen, Konzepten und Stilen, die von der Vergangenheit geprägt, aber niemals an sie gebunden ist. Mit „Some Place to Rest Easy“ legt Sumner im Vergleich zu seinen vorherigen Veröffentlichungen ein höheres Tempo vor und verbindet die bewegende lyrische Tiefe, die seine Fans von ihm erwarten, mit einer beschwingteren, lebendigeren Atmosphäre. „Es fühlte sich richtig an, der Musik selbst etwas Freude zu verleihen“, sagt der Künstler, der seine Karriere darauf aufgebaut hat, schwierige, reale Themen auf eine nachvollziehbare und zugängliche Weise anzusprechen. Letztendlich war das schon immer das Wesen von Sumners Musik – mehr als nur ein einzelner Klang, ein Einfluss, ein Instrument oder eine clevere Zeile. „Ich möchte immer, dass die Leute etwas fühlen“, erklärt Sumner. „Wenn ich höre, dass dieses Album jemandem geholfen hat, der sich niedergeschlagen fühlte, und sei es nur, indem es ihm für einen Moment ein anderes Gefühl vermittelt hat, dann ist das für mich das Wichtigste.“ „Hochwertige, ländlich angehauchte Americana.“ – Americana UK „Authentisches und tiefgründiges Songwriting“ – Americana Highways

Das Wort ROCK möchte er dabei besonders betont haben, denn er wird sich, zusätzlich zum langjährigen Begleiter an der Leadgitarre, Thomas Juliano, ebenfalls eine E-Gitarre umhängen. Sean Staples wie gewohnt an der Mandoline, dazu noch Bass und Schlagzeug, und fertig ist die Rock-Maschine, auf die seine Fans nun schon seit 2013 sehnsüchtig warten. Rechtzeitig zur Tour wird Thibaud ein neues Studioalbum im Gepäck haben, das erste dann seit seinem letzten Album „Hill West“ sieben Jahre zuvor – und gar 13 Jahre seit dem letzten Rockalbum „Waterfall“. Seine große Fangemeinde wird den Konzerten entgegenfiebern wie schon lange nicht mehr. Thibaud begann seine Karriere Anfang der 1990er Jahre mit den Courage Brothers. Bereits damals bestach er mit ohrwurmigen, melodiereichen Harmoniesongs und einem erlesenen Popgitarrensound. Mit dem 1997er Solodebüt „Favorite Waste Of Time“ setzte sich der Mann aus der Nähe von Boston, Massachusetts, ein erstes Denkmal am Songschreiber/Pop-Firmament. Es folgten die klassischen Studiowerke „Little Mystery“, „Squash“, „Northern Skies“, „Broken“, “Waterfall“ und letztlich „Hill West“. Die vielen Live-Alben wollen wir gar nicht erst alle aufzählen. Sein einfühlsamer, attraktiver Gesang, diese zwingenden Harmonien, süffigen Gitarrenläufe Marke Westcoast, clever verteilte Acoustic/Electric Parts, dazu der Punch von Heartland & Prairie Rock haben ihn zu einem absoluten Meister vertrauter, fast traditioneller Singer/Songwriter-Musik mit Rock & Pop-Charakter reifen lassen, die auf ewig Bestand haben wird.

Als die Estin Rahel Aasrand und der Amerikaner Mike Beck sich im Frühjahr 2016 unerwartet unweit des Etschufers in Verona begegneten, erscheint diese Begegnung heute wie ein schicksalhafter Moment. Rahel lebte in Verona, nachdem sie vor Kurzem ihr Masterstudium im Fach Violine am Conservatorio di Musica di Verona abgeschlossen hatte . Nach einem Nachmittag als Straßenmusikerin ging sie mit einer Freundin in eine Osteria . Wie es der Zufall wollte, sollte Mike dort genau an diesem Abend auftreten. Er lud Rahel ein, ihn zu begleiten – und Jahre später erkennen wir diesen Abend als den Beginn von etwas Außergewöhnlichem. Rahel und Mike traten gemeinsam auf und nannten ihr Duo schließlich Rahel n Beck . Ihre musikalische Reise ist eine ständige Suche nach Balance, Harmonie, Rhythmus, Zuhören, Gehörtwerden und vor allem – geprägt von den unterschiedlichen Einflüssen ihrer jeweiligen Hintergründe – nach der Erforschung der Schnittmenge ihrer musikalischen Identitäten. Die Kombination aus Violine, Akustikgitarre und harmonisch verwobenem Gesang verleiht dem Duo einen folkloristischen Klang, doch ihr Repertoire ist grenzenlos. Ihre Eigenkompositionen vereinen klassische Elemente mit traditioneller irischer Musik, Folk, Country, Blues und Rock. Ihre vielfältigen Einflüsse offenbaren sich in einer abwechslungsreichen Darbietung von Liedern anderer Künstler. Man hört uralte Epen und moderne Hits, unbekannte Songwriter und universelle Hymnen. Jeder Auftritt von Rahel n Beck ist ein einzigartiges Erlebnis, ein wechselseitiger Energieaustausch aller Beteiligten. Von intimen Hauskonzerten in Estland bis hin zu stürmischen Songwriting-Sessions an der italienischen Adriaküste, von üppig grünen Tälern in Luxemburgs Eislick bis hin zu mitreißenden Auftritten vor der majestätischen Kulisse des Matterhorns in der Schweiz – die Musik hat sie an farbenfrohe und faszinierende Orte in einem Dutzend verschiedener Länder geführt. Rahel n Beck haben kürzlich mit den Arbeiten an ihrem ersten Studioalbum begonnen. Es wird einige Kompositionen von Rahel, ein paar von Mike geschriebene Lieder (eines davon schrieb er als Duett im Geburtsjahr von Rahel!) sowie neue Kompositionszusammenstellungen von Mike und Rahel und einige ausgewählte Coverversionen enthalten, denen Rahel n Beck ihre Stimmen und ihre einzigartige Interpretation verleihen. Rahel n Beck streben gemeinsam danach , sich als Musikerinnen und Menschen weiterzuentwickeln, Neues zu entdecken und zu wachsen. Sie sind stets bestrebt, die Grenzen des für sie Möglichen zu erweitern. Ihre Mission ist es, ihr Publikum und die Welt mit Positivität und Optimismus zu bereichern und ihre Liebe zur Musik und ihrer Schönheit zu teilen. Ihr Ziel ist es, Menschen in Harmonie und Gesang zusammenzubringen und uns allen bewusst zu machen, dass das, was uns verbindet, viel stärker ist als die Unterschiede, die zwischen uns bestehen mögen.

The Gratefully Acoustic Band Zum XXI. PLAYING IN THE BAND im Mai 2025 wurde während einer spontanen Akustik-Session am Nachmittag eine Idee geboren. Wir starten eine neue Band, die ausschließlich akustische Instrumente und mehrstimmigen Satzgesang einsetzt. Der Fokus liegt auf den harmonischen Klängen, die durch die Kombination dieser Instrumente entstehen, sowie auf den mehrstimmigen Gesangspassagen, die den Liedern eine besondere Tiefe und Klangfülle verleihen. Die Songs sind Interpretationen von Grateful Dead, der Folk- und Singer-Songwriter Szene. Lasst euch verzaubern wenn Jay Ottaway (Akustikgitarre, Gesang), Clayton Halsey (Akustikgitarre, Gesang), Stephan Braun (Akustikbass, Gesang) und Matthias Peter (Percussion) einen Abend voller Musik zelebrieren.

Der kanadische Singer-Songwriter Jerry Leger veröffentlichte sein neuestes Album „ Lucky Streak “, ein Live-im-Studio-Album, produziert von Michael Timmins (Cowboy Junkies). Es enthält akustische Solo-Neuaufnahmen von Songs aus Legers gesamtem Schaffen, präsentiert in ihrer ursprünglichen Form oder in ihrer Weiterentwicklung. „Lucky Streak“ folgt auf Legers Album „Donlands“ , das von Mark Howard (Lucinda Williams, Bob Dylan, Tom Waits, Willie Nelson) produziert wurde . „Donlands“ , erschienen auf dem Cowboy-Junkies-Label Latent Recordings, erhielt begeisterte Kritiken vom britischen Uncut Magazine und dem Rolling Stone Germany . Jerry tourte im Rahmen der Promotion von „Donlands“ durch diese Regionen der Welt und gab ausgewählte Konzerte in Kanada. Zu diesen Auftritten zählten sein Debüt auf der historischen Bühne der Massey Hall in Toronto und Shows als Vorband des legendären Steve Earle. Ron Sexsmith, einer der angesehensten Singer-Songwriter überhaupt, sagt: „Leger hat diesen Funken in sich, den alle großen Songwriter haben. Er ist ein echtes Talent.“ „Jerry Leger hat dieses gewisse Etwas, das alle großen Songwriter auszeichnet. Er ist ein Ausnahmetalent.“ – Ron Sexsmith „Der leicht sarkastische, spitzfindige Wortwitz und der Country-Rock-Einschlag erinnern an Nick Lowe.“ UNCUT

Meghan Parnell (Gesang) und Dave Barnes (Gitarre) sind die Gründungsmitglieder von Bywater Call, einer energiegeladenen siebenköpfigen Southern-Soul- und Roots-Rock-Band aus Toronto, Kanada. Bywater Call wurde mehrfach für die Independent Blues Awards und die Maple Blues Awards nominiert, darunter in den Kategorien Entertainer des Jahres, Electric Act und Beste weibliche Gesangsstimme für die Awards-Saison 2024. Die Band tourte ausgiebig durch Europa, wo ihre Konzerte von der niederländischen, deutschen und britischen Presse hochgelobt wurden – insbesondere Meghan Parnell wird als eine der besten weiblichen Stimmen im heutigen Blues- und Rootsmusik-Genre bezeichnet. Im August 2023 nahm die Band an Joe Bonamassas dritter Keeping the Blues Alive at Sea Mediterranean Cruise teil, zusammen mit Headlinern wie Blackberry Smoke und Christone “Kingfish” Ingram. Dabei wurden sie eingeladen, beim großen All-Star-Jam auf der Hauptbühne gemeinsam mit Bonamassa aufzutreten. Gitarrist Dave Barnes stand außerdem mit dem legendären Blues-Musiker Jimmy Vivino (Conan O’Brien’s Basic Cable Band) auf der Bühne. Bywater Call hat Festivalbühnen in Kanada und weltweit erobert – häufig als der „Geheimtipp des Festivals“ gefeiert. Im Mai 2023 eröffneten sie das Smokestack Music Festival in Hamilton (Ontario) und traten dort als Vorband der preisgekrönten kanadischen Band Whitehorse auf. Im Juli wurde Sängerin Meghan Parnell beim Briggs Farm Festival in Nescopeck, Pennsylvania, auf Wunsch des berühmten Pedal-Steel-Gitarristen Robert Randolph eingeladen, mit ihm gemeinsam auf der Bühne zu stehen. Am 24. Oktober 2023 spielte Bywater Call ein Live-Streaming-Konzert für die legendäre deutsche TV-Sendung und Festivalreihe Rockpalast. Allein im Jahr 2023 absolvierte die Band 96 Shows in 10 Ländern, 89 Städten, 19 US-Bundesstaaten und 3 kanadischen Provinzen – zusätzlich zu einer einmonatigen Duo-Tour durch Europa und Großbritannien, bei der Meghan und Dave als Support-Act für die Southern-Rock-Band Robert Jon & The Wreck auftraten, die kürzlich einen Vertrag mit Joe Bonamassas Journeyman Records unterzeichnet hat. Die Musik von Bywater Call ist eine Reise durch die Höhen und Tiefen des Lebens – von intimen Balladen, die menschliche Emotionen entblößen, bis hin zu elektrisierenden Hymnen, die mit voller Lautstärke gehört werden wollen. Ihr Repertoire ist tief geprägt von Einflüssen wie The Band, The Wood Brothers, Tedeschi Trucks Band, Otis Redding, Little Feat und Sly and the Family Stone, um nur einige zu nennen. Komplettiert wird Bywater Call durch Bruce McCarthy am Schlagzeug, Mike Meusel am Bass, John Kervin (neuestes Mitglied) an den Keys, Stephen Dyte an der Trompete und Julian Nalli am Tenorsaxofon.

Hannah Aldridge kommt nun zum 6. Mal nach Norderstedt, diesmal mit ihrer komplette Band und Lachlan Bryan aus Australien als special guest .Hannah Aldridge´s Auftritte sind energiegeladen und mit lebendigen Stimme singt Hannah stimmungsvolle Balladen und Southern Rock. In ihren Zwanzigern begann Aldridge mit Hilfe des Singer-Songwriters Jason Isbell Lieder zu schreiben. Hannahs neuestes Album „Gold Rush“ erreichte die Spitze der prestigeträchtigen Charts der Americana Music Association.Geboren und aufgewachsen in Muscle Shoals, als Tochter des Alabama/Nashville Hall of Fame Mitglied und weltweit bekannten Pedalsteel Player Walt Aldridge , ist Hannah in puncto Talent etwas ganz Besonderes mehr als nur eine elektrisierende Livekünstlerin.Mit einer Stimme, die zu gleichen Teilen düster und melodisch ist, ist sie eine begabte Geschichtenerzählerin, deren Lieder beruhigend wirken wie ein Schlaflied oder knallend wie eine Peitsche, sofort fesselnd, mit einem Hauch von Gefahr, um die Verletzlichkeit zu verbergen. Düster und unwiderstehlich fesselnd erzählt sie ihre Geschichten mit der Überzeugung einer Kirchenglocke, die durch die Straßen einer kleinen Stadt in Alabama läutet.Wie sie in ihrem Lied Aftermath sagt : „Ich wurde im Kreuzfeuer geboren“Hannah macht sich durch ausgedehnte Tourneen in den USA, Europa und Australien immer mehr einen Namen. Ihre Musik umfasst Americana, Dark Country und Rock, was zu einem äußerst individuellen Stil führt.Eine kurze Schottland-Tournee mit ihrer Band, zu der auch ihr langjähriger Stargast Lachlan Bryan (Melbourne) gehört, präsentiert Songs aus ihrem atemberaubenden neuen dritten Album „ Dream of America“ , das weltweit 5-Sterne-Rezensionen erhalten hat.

Musikalisch steht bei der Hörbie Schmidt Band der Blues mit all seinen Facetten und Gesichtern im Mittelpunkt. Die Quelle der heutigen Popmusik trifft in seiner Ausstrahlung seine Babys aus Rock, Funk und Jazz, und das Programm wird traditionell bis modern gespielt. Bandleader Schmidt sieht darin keinen Widerspruch, da seine Jungs zu der Generation 50+ gehören und in Jahrzehnten alle Musikstilistiken der Popmusik auf den Bühnen im In- und Ausland gespielt und gerockt haben (mehr als 10.000 Gigs in 11 Ländern auf 3 Kontinenten). Die Band verbindet Tradition und Moderne – und ist am Puls der Zeit in Sachen Sound, Songwriting, Arrangement & Groove. Zum Repertoire gehören eigene Songs in deutscher Sprache sowie kreative Cover-Interpretationen von Blueslegenden wie B.B. King, Jimi Hendrix, Eric Clapton, Stevie Ray Vaughan, Gary Moore u.a. Die Hörbie Schmidt Band hat einen eigenen Stil, Sound und einen eigenen künstlerischen Ausdruck. Hörbie Schmidt ist ein norddeutsches Original mit Witz, Charme und immer mit einer frischen Brise in seinen Statements über Land, Liebe und Leute. Sein virtuoses, manchmal wildes Gitarrenspiel ist eine Fusion -so sagen Veranstalter Freunde und Kollegen – aus Hendrix, Clapton, Stevie Ray Vaughn und Santana. Gastsängerin Lili Czuya absolvierte als jüngste Teilnehmerin den renommierten Popkurs an der Hochschule für Musik und Theater in Hamburg und arbeitete national und international für hunderte Shows mit verschiedenen Künstlern. Besonders inspirierte sie die Zusammenarbeit mit dem unvergessenen Roger Cicero, der sie auch als Vocal Coach nachhaltig prägte. Aktuell ist Lili Czuya neben der HÖRBIE SCHMIDT BAND auch für die JESSY MARTENS & BAND aktiv und supportet mit ihrer Stimme das Album „Tricky Thing“ sowie die WDR Live Produktion ROCKPALAST. Auszeichnungen: 2019 Deutscher Rock & Pop Preis in 7 Kategorien HÖRBIE SCHMIDT BAND feat. LILI CZUYA DEUTSCHER ROCK & POP PREIS 2020 1. Preis – Bestes Traditionelles Blues Album – Ich liebe den Blues 1. Preis – Bestes Rock – Album – Ich liebe den Blues 1. Preis – Lili Czuya – Deutscher Singer Preis – Beste Solo-Sängerin (Fremdkomposition) 2. Preis – Lili Czuya – Beste Pop Sängerin 2. Preis – Deutscher Rock & Pop Preis – Beste Rock Band 2. Preis – Deutscher Singer – Songwriter – Beste*r Solosänger*in – Eigenkomposition – 3. Preis – Bestes CD Album (deutsch) Ich liebe den Blues 2014 Deutscher Rock & Pop Preis in 8 Kategorien (Bestes Album, Beste Sängerin, Bester Keyboarder, etc.) 2015 Deutscher Rock & Pop Preis in 10 Kategorien (Beste Band, Bestes Album, Bester Sänger, Beste Komposition, etc.)

Hippies And Cowboys sind eine Rock-'n'-Soul-Band aus Nashville, Tennessee. Mit ihrem Sound, der Southern Rock, Blues und Soul wieder aufleben lässt, haben sie die Zeit überdauert. Ihre Inspiration schöpfen sie aus Größen wie Sam & Dave, den Blues Brothers, Booker T. & The MG's, Otis Redding und Marvin Gaye, aber auch aus Aerosmith, Lynyrd Skynyrd, den Eagles, den Beatles, Tom Petty, den Rolling Stones und CCR. Die ersten Aufnahmen entstanden in den legendären Studios von Muscle Shoals, Alabama: Fame, East Avalon und Noise Block. Diese Musik wurde auf dem Album „ Live At Fox & Locke“ festgehalten und im Oktober 2023 auf Vinyl veröffentlicht. Die Band traf sich später im selben Jahr im Purple House Studio in Lieper's Fork, Tennessee. Aus diesen Sessions entstand ihre erste Studioveröffentlichung, eine EP mit sechs Songs namens „ Fork In The Road“ , die Ende 2024 weltweit auf Vinyl, CD und digital erschien. Im Tourkalender sind die Termine für Auftritte in Clubs und auf großen Festivals in den USA und Europa im Laufe des Jahres 2025 vermerkt. Die Hippies & Cowboys sind: Aaron Sparling: Lead Vocals, Rhythmusgitarre Scott Metko: Schlagzeug Kent Taro Yamamuro: Leadgitarre Kevin Riley Corbo: Bassgitarre Connor Lafollotte: Keys

Pete Bernhard vom gefeierten Americana-Trio Devil Makes Three spielt ein Konzert im Music Star Die Macht der Worte ist Pete Bernhard, dem Frontmann und Hauptsongwriter des langjährigen Americana-Trios The Devil Makes Three, durchaus bewusst. Obwohl er und seine Bandkollegen Lucia Turino und Cooper McBean tief in der Troubadour-Tradition von wanderndem Folk, Delta-Blues, whiskeygetränktem Ragtime und ungestümem Rock ’n’ Roll verwurzelt sind, verbeugt sich die Band doch auch vor der revolutionären Unruhe des Schriftstellers James Baldwin, der schonungslosen Desillusionierung Ernest Hemingways und der melancholischen Südstaaten-Atmosphäre Flannery O’Connors. „Ich möchte immer, dass sich unsere Songs wie Kurzgeschichten entfalten“, sagt Bernhard. „Man könnte sie sich wie die Kapitel eines Buches vorstellen. Natürlich sind sie kürzer und vielleicht poetischer. Dieses Album ist viel persönlicher und handelt davon, was es bedeutet, Künstler oder Schriftsteller zu sein – egal welcher Art – und was man tun muss, um seinen Traum zu verwirklichen. Es spiegelt wirklich meine damalige Gefühlslage wider. Vielleicht hat es auch mit dem Älterwerden zu tun. Man fängt an, über das Leben und die Menschen um sich herum nachzudenken. Genau das habe ich in diesen Songs getan. Das macht das Album so persönlich. Ich schöpfe aus diesen Erfahrungen. Manche handeln von Drogenabhängigkeit. Manche von den Dingen, die man opfert. Manche von den schädlichen Dingen, die wir für Inspiration tun. Trotzdem erzählen sie alle eine Geschichte.“ Bernhards bisheriger Werdegang könnte glatt einen Roman füllen. Das selbstbetitelte Debütalbum seiner Band aus dem Jahr 2002 brachte die mittlerweile klassischen Hits „Old Number Seven“, „Graveyard“, „The Plank“ und weitere hervor, während sie sich durch unermüdliche Tourneen eine treue Fangemeinde erspielten. 2003 folgte „Longjohns, Boots and a Belt“, 2009 dann „Do Wrong Write“, dazwischen erschienen die beiden Live-Alben „A Little Bit Faster and a Little Bit Worse“ und „Stomp and Smash“. Mit „I’m a Stranger Here“ aus dem Jahr 2014 gelang ihnen der erste Einstieg in die Billboard Top 200. Das 2016 erschienene Album „Redemption & Ruin“, eine Hommage an ihre Helden, markierte ihren zweiten Nummer-eins-Hit in den Billboard Top Bluegrass Albums Charts und den vierten Top-5-Einstieg in Folge. Letzteres Album wurde von renommierten Medien wie Entertainment Weekly, American Songwriter, The Boston Globe und vielen anderen hochgelobt. Über die Jahre hinweg begeisterten sie ihr Publikum auf Festivals wie Lollapalooza, Bonnaroo, Hardly Strictly Bluegrass, Hangout Fest und Shaky Knees. Als die Band mit dem Schreiben von Ideen für das 2018 erschienene Album „Chains Are Broken“ begann, verließen sie den gewohnten kreativen Pfad und zogen sich in die Sonic Ranch Studios in El Paso, Texas, nur einen Steinwurf von der mexikanischen Grenze entfernt, zurück, um dort mit Produzent Ted Hutt (Gaslight Anthem, Dropkick Murphys) aufzunehmen. „Wir haben bei der Produktion dieser Platte viele Regeln gebrochen“, sagt Bernhard. „Wir haben zwar immer schon gemacht, was wir wollten, aber es gab trotzdem ein paar Dinge, die wir uns nicht getraut hätten. Diese Ängste waren wie weggeblasen. Ted hatte einen großen Anteil daran. Er war während des gesamten Prozesses, von der Vorproduktion bis zum letzten Moment der Aufnahmen, an unserer Seite. Er hat uns aus unserer Komfortzone herausgeholt. So etwas hatten wir noch nie erlebt. Wir sind also unter Druck richtig kreativ geworden, was letztendlich wahnsinnig viel Spaß gemacht hat.“ Letztendlich hinterlassen Worte und Musik einen bleibenden Eindruck. „Ich wünsche mir, dass die Menschen sich inspiriert fühlen“, sagt Bernard. „Manche Lieder mögen traurig, melancholisch oder deprimierend sein, aber sie inspirieren mich. Mir tut der Prozess gut. Ich hoffe, euch geht es genauso.“ Nachdem Covid-19 die Tourneen der Band zum Erliegen gebracht hatte, begann Bernhard, Soloprojekte zu verfolgen und veröffentlichte 2020 „Harmony Ascension Division“ bei Kahn Records, dem Label von The Devil Makes Three. Die Band spielt inzwischen wieder live und arbeitet an neuem Material. Zusätzlich tourt Bernhard diesen Sommer als Solokünstler durch Europa.

Nick Dittmeier & the Sawdusters wissen, dass Country und Americana – wie jedes etablierte Musikgenre – von Zeit zu Zeit radikal umgekrempelt werden müssen, um relevant zu bleiben. Zerschmettert von einer kalten Abrissbirne und auf den Trümmern neu zusammengesetzt. Und welcher Zeitpunkt wäre besser für einen solchen Abriss geeignet als jetzt, wo die ganze Welt in der Schwebe ist und zwischen Vergangenheit und Zukunft schwebt? In diese Leere platzt „Heavy Denim“, ein Album, das sich gekonnt jeder sklavischen, formelhaften Anlehnung an die Traditionen der Roots-Musik entzieht. „Auf dem Höhepunkt der Pandemie“, sagt Dittmeier, „wurde mir klar, dass wir nach all dem, was wir durchgemacht hatten, alle anders sein würden. Als Band beschlossen wir, nicht zu versuchen, einfach so weiterzumachen wie vorher oder so, wie wir vor Covid gelebt hatten. Viele waren darauf fixiert, zur sogenannten Normalität zurückzukehren, aber für mich war es ziemlich offensichtlich, dass das gar nicht in Frage kam.“ Dittmeier & the Sawdusters verließen ihre Komfortzone, reduzierten ihren Roots-Rock-Charme und schufen Raum für neue Klangfarben: Drumcomputer, Looper, Synthesizer. Auf „Heavy Denim“ erfinden sie ihren Sound furchtlos neu. Das Album steht in der Tradition von Dire Straits' spacigem, synthie-lastigem Country-Album „On Every Street“ aus den frühen 90ern; Alabama Shakes' Transformation von rauem Southern-Neo-Soul zu tanzbaren Indie-Rock-Lieblingen auf „Sound & Color“; und dem symphonischen R&B und Art-Folk, den Sturgill Simpson auf dem sphärischen Webstuhl von „A Sailor's Guide to Earth“ webte. Mit seiner erfrischenden Kreativität und klanglichen Experimentierfreude ist „Heavy Denim“ eines jener seltenen und wunderbaren Alben, die die Grenzen ihres Genres erweitern.

Nach über 20 Jahren im Bereich Sonderpädagogik und Interessenvertretung schafft Konrad Wert, bekannt als die Band Possessed by Paul James, den Spagat zwischen Familie und Beruf mit einem weiteren Album. Neben seiner Familie in Texas und einer 50-Stunden-Woche im öffentlichen Schulwesen hat Wert bereits fünf Alben veröffentlicht, von denen zwei 2013 und 2020 die Spitze der Bluegrass-Charts von Billboard erreichten. Das sechste Album von Possessed by Paul James, „Fighting For Our Own Survival“, erscheint demnächst und thematisiert die Höhen und Tiefen des Lebens mit Stücken wie „See You On Sunday“, das live mit WAF in Laramie, Wyoming, aufgenommen wurde und von Joe Macheret an der Fiddle begleitet wird.

Ob das Festival am See volljährig wird, ob es nun schon zum 18. Mal durchgeführt wird, entscheidet sich in den nächsten Wochen

FaceTwo ist eine aufstrebende Rock-Band aus Hamburg, das emotionale Geschichten mit kraftvollem, modernen Rocksound verbindet. Gegründet 2020 während der Pandemie von Leon (Gesang, Gitarre) als Soloprojekt, fand die Band 2022 mit dem Einstieg von Matze (Bass, Multiinstrumentalist) ihre endgültige Form – zwei Musiker mit einer gemeinsamen Vision und spürbarer Chemie. Der Sound von FaceTwo ist ehrlich, leidenschaftlich und energiegeladen – eine Mischung aus klassischen Rockeinflüssen, modernen Elementen und intensiver Emotionalität. Songs wie „Play With Fire“, „ChapterTwo“, „The Hunt“ und „B.F.A.M.“ erzählen von Mut, Verlust, Angst, Freundschaft und dem Glauben an sich selbst. Mit über 60.000 Streams, mehr als 1.200 Followern in den sozialen Medien und einem stetigen Wachstum von +123 % Spotify-Hörern sowie +75 % Streaming-Zuwachs im Jahresvergleich, etabliert sich FaceTwo zunehmend als fester Bestandteil der europäischen Rockszene. Ihre Songs erhielten Airplay auf über 40 internationalen Radiosendern (u. a. in den USA, UK, Deutschland, Brasilien, Argentinien, Schweiz) sowie Berichterstattung in Zillions Mag, CheersRollBoom, Afternoiz, crunchynewz und weiteren Magazinen. Produziert von Toma Moon im Mondbasis Studio Hamburg, vereint ihre Musik professionelle Produktion mit authentischer Emotion – getragen von eindringlichem Gesang, kraftvollen Riffs und ehrlichem Songwriting. Mit vier weiteren Singles bis mindestens April 2026 und anstehenden Liveshows in Deutschland blicken FaceTwo voller Energie in die Zukunft. „Jeder Song ist ein neues Kapitel,“ sagt Leon. „Manche laut, manche leise – aber alle echt.“

Die preisgekrönte Singer-Songwriterin Kirsten Adamson (Tochter der Rocklegende Stuart Adamson (Big Country, Skids)) beschwört dieselbe atemberaubende Reinheit wie Sandy Denny herauf, über Emmylou Harris und Kate Bush, mit einer einnehmenden Mischung aus Heartland Americana Folk Rock Nachdem er kürzlich die Aufnahmen zu Dreamviewer (dem Nachfolger des von Kritikern gefeierten Albums Landing Place aus dem Jahr 2023) mit dem preisgekrönten Produzenten und Multiinstrumentalisten Joe Harvey-Whyte abgeschlossen hat und Publikum und Kritiker mit ausverkauften Tourneen, Festivalauftritten (darunter das British Country Music Festival) sowie Tourneen mit Horse und Nazareth beeindruckt hat, dürfte 2025 das Jahr werden, in dem Adamson für Furore sorgt. „Adamson versteht es, ein Publikum in ihren Bann zu ziehen, ihre Stimme ist klar und kraftvoll, ihre Lieder sind stark, sie ist eine rundum großartige Entertainerin.“ (The Writers Room) 'Außergewöhnlich' (Americana-UK.com). 'Ein Talent, das man im Auge behalten sollte' (NoDepression) „Ich könnte Adamsons Stimme den ganzen Tag lang jeden Tag zuhören, sie ist engelsgleich“ – Maverick Magazine „In Erinnerung an die verstorbene Nanci Griffith… mit einer zusätzlichen Schärfe“ – R2 Magazin Nominiert für den britischen Song des Jahres bei den Americana UK Awards 2024 Gewinner des Fife Champions Music Award 2023 Offizieller Celtic Connections Showcase Schottland-Künstler 2023 Offizieller AMA UK Festival Showcase Artist 2023

Man sagt ja schon oft, dass Liebe ein Schlachtfeld ist, und auf seinem neuesten Album „Love Versus“ ist Leeroy Stagger bestens gerüstet. Das elfte Studioalbum des aus British Columbia stammenden Künstlers ist ein Meilenstein, denn es markiert die erste Aufnahme, die in Staggers Heimstudio im Süden Albertas entstand. Doch noch bedeutsamer ist, dass seine sich stetig weiterentwickelnde Fusion aus Roots, Rock und Pop auf „Love Versus“ neue Höhen erreicht und mit zehn Titeln seinen Status als einer der besten zeitgenössischen Singer-Songwriter Kanadas untermauert. Es ist nicht so, als ob Stagger noch viel mehr Bestätigung gebraucht hätte; nachdem er bei seinen beiden vorherigen Alben mit den gefeierten Produzenten Russell Broom (Sam Roberts) und Steve Berlin (Los Lobos) zusammengearbeitet hatte, tat sich Stagger mit Colin Stewart (Dan Mangan, Black Mountain, Yukon Blonde) zusammen, um „Love Versus“ zu produzieren, und stellte für das Projekt eine Traumband zusammen. Das Rückgrat des Projekts bildete Pete Thomas , der langjährige Schlagzeuger von Elvis Costello, der für die Aufnahmen aus Los Angeles anreiste und sich Gitarrist Paul Rigby (Neko Case), Keyboarder Geoff Hilhorst (The Deep Dark Woods) und Staggers langjährigem Bassisten Evan Euschenko anschloss . Innerhalb von drei Wochen weihten sie Staggers neues Studio ein und veränderten dabei seine Sichtweise auf seine Kunst. „Ich habe das Gefühl, dass ich mit den letzten drei Alben meinen Rhythmus gefunden habe, aber dieses hier fühlt sich besonders so an, als hätte ich einen neuen Standard gesetzt, und alles, was ich jetzt mache, muss diesem gerecht werden“, sagt Stagger. „Während der Aufnahmen zu diesem Album, als wir alle bei mir zu Hause waren und völlig in unsere Arbeit vertieft waren, ist etwas passiert. Ich denke, das kann man der Musik wirklich anhören.“ Es ist nicht nur die Musik, die so berührt. Auch textlich schöpft Stagger aus einem tiefen Quell persönlicher, widersprüchlicher Gefühle und bietet so einen hoffnungsvollen Leitfaden für das Überleben in der modernen Welt. All das findet sich in einem der Schlüsselsongs des Albums, „Little Brother“, der nach dem schweren Autounfall von Staggers Bruder entstand. „I Want It All“ hingegen wirft einen umfassenderen Blick auf und mahnt uns, niemals in Selbstzufriedenheit zu verfallen bei der Suche nach Erfüllung, auch wenn diese nie wirklich gefunden werden kann. „Ich wollte das Album ursprünglich ‚Liebe gegen Hass‘ nennen, habe es aber gekürzt, weil ‚versus‘ im Lateinischen ‚gegen‘ bedeutet“, sagt er. „Deshalb erschien es mir sinnvoller, das Thema als Liebe gegen alles zu betrachten. Ich denke, die Lieder drehen sich um die Frage, ob Liebe ausreicht, um den Kampf zu gewinnen. Ich bin nicht besonders religiös, daher habe ich in dieser Hinsicht außer der Liebe selbst nicht viel, worauf ich mich stützen kann.“ Stagger begann den Prozess mit etwa 15 Songs, aus denen Stewart eine Handvoll auswählte, die seiner Meinung nach das größte Potenzial hatten, und ihn gleichzeitig anwies, weiterzuschreiben. Stagger nahm diese Herausforderung gerne an und wusste von diesem Moment an, dass er den richtigen Produzenten gewählt hatte. Daraus entstanden Songs wie „Joe Strummer And Joey Ramone“, eine Hommage an Staggers Anfänge in der Punkrock-Szene von Victoria, British Columbia, und „Crooked Old World“ mit Gastgesang von Joel Plaskett . Das Beeindruckendste an „Love Versus“ ist die Weisheit, die jedem einzelnen Song zugrunde liegt. Und wer Staggers Karriere bis hierhin verfolgt hat, dem dürfte klar sein, dass dies das Album ist, für das er bestimmt war. Aufgewachsen in einer Arbeiterfamilie, ging Stagger seit seinem 18. Lebensjahr seinen eigenen Weg – mit allen Höhen und Tiefen –, wobei jeder Schritt ihn musikalisch inspirierte. Wie sein amerikanisches Pendant Ryan Adams verarbeitet auch Stagger sein Leben in seinen Alben: von einer wilden, ungestümen Jugend bis hin zur Entdeckung seiner einzigartigen Stimme. Seinem Instinkt zu vertrauen, war dabei der Schlüssel, insbesondere da das Leben immer komplizierter wurde. Stagger gibt zu, dass er beim Schreiben der Songs für „Love Versus“ härter gearbeitet hat als je zuvor, doch sein Ehrgeiz wurde von seiner Entschlossenheit übertroffen, sein Studio vor Beginn der Aufnahmen fertigzustellen. Er arbeitete bis zur letzten Minute unermüdlich. „Ich hatte den Raum wie eine Kirche gestaltet und hatte keine Ahnung, wie er klingen würde“, sagt Stagger. „Alle Wände sind aus Douglasie, und ich denke, die Platte klingt am Ende genauso wie der Raum – richtig warm und voluminös. Die Musik hat auch etwas Jugendliches an sich, das ich vielleicht vergessen hatte.“ Er fügt hinzu: „Ein weiterer Grund, warum ich so froh war, diese Crew dabei zu haben, war, dass ich die Songs bis ins kleinste Detail ausgearbeitet hatte. Ich wusste, dass sie das verstehen würden, also musste ich mir nur Sorgen um meine Parts machen.“ Seit seinen ersten Erfolgen in der kanadischen Independent-Musikszene um die Jahrtausendwende tourte Leeroy Stagger weltweit, sowohl solo als auch mit Größen wie Steve Earle , den Pixies , Modest Mouse und Evan Dando . Zu seinen Erfolgen zählen der Gewinn des hochkarätigen Performance-Projekts von 102.7 The Peak im Jahr 2015, die Zusammenarbeit mit dem legendären US-Musikproduzenten Danny Goldberg und die Verwendung seiner Songs in Fernsehserien wie Grey’s Anatomy und Sons of Anarchy . Obwohl Staggers Musik meist dem Americana-Genre zugeordnet wird, war sie in Wirklichkeit schon immer viel breiter gefächert, als diese Beschreibung vermuten lässt. Eine weitere entscheidende Veränderung, die Stagger in den letzten Jahren durchgemacht hat, war, dem Drang zu widerstehen, sich in ein bestimmtes Genre einzuordnen, und das hat sich mit „Love Versus“ auf großartige Weise ausgezahlt. „Ich lasse mich einfach von den Songs leiten“, resümiert er. „Ich habe keine Angst vor kommerziellem Rock oder Pop, aber ich finde, man muss clever sein, um eingängige Musik zu schreiben und gleichzeitig einen Rahmen für intelligente Texte zu schaffen. Allein die Tatsache, dass wir dieses Album so realisieren konnten, wie es ist, und mit dieser unglaublichen Gruppe von Menschen, war extrem befriedigend.“ Nach fast zwei Jahrzehnten kontinuierlicher Veröffentlichungen genießt Stagger zweifellos den Respekt seiner Kollegen und der einflussreichen Persönlichkeiten der kanadischen Musikszene. Mit der Veröffentlichung von „Love Versus“ schlägt er nun ein neues Kapitel in seinem beeindruckenden Werk auf und verspricht, ein viel größeres Publikum zu erreichen.

Der australische Folk-Musiker Kaurna Cronin veröffentlichte am 20. Oktober 2023 sein neues Album Make Light. Mit den Vorab-Singles „CON ARTIST„, „Hold On You & Me“ und „Eraser“ präsentierte der mehrfach preisgekrönte Singer-Songwriter bereits seine einzigartige und introspektive Komposition und gewährte erste Einblicke in seinen facettenreichen Longplayer Make Light. Make Light beschreibt die Schönheit der alltäglichen Dinge. Ob das Anzünden einer Kerze oder das Öffnen der Fenster. Das „Licht“ als Symbol ist für Kaurna Cronin eng mit Intimität und Neugierde verbunden und so schreckt der Singer-Songwriter thematisch nicht vor den großen Fragen des Lebens zurück. Einige Songs des Albums beschreiben das Gefühl von Liebe – egal ob romantischer, familiärer oder nostalgischer Art. Hingegen ist auch eine gewisse Verspieltheit auf Make Light zu finden, zum Beispiel im Opening Track „CON ARTIST„, auf dem Cronin die Silbe „Con” als ein sich wiederholendes Stilmittel einsetzt: „What if my need for tight control / Leads me to contrived results / What if it’s subconscious? / Am I too self-conscious?” Als Hommage an traditionelle Folk- und Blues-Elemente sind es vor allem Streicher und Mundharmonikas, die in den zärtlichsten Momenten des Albums zu hören sind. Make Light überzeugt mit lyrischer und instrumenteller Vielfältigkeit. Zwischen träumerischen Folk-Songs, die an Angus & Julia Stone erinnern, befinden sich mitreißende Gospel-Rock-Hymnen, welche klanglich The Teskey Brothers ähneln. Über seine Inspiration für Make Light sagt Cronin: „This album is an exploration of many facets of life – relationships, childhood memories, unexpected experiences and personal development – and how all of these intertwine. I wanted to explore how multifaceted our experiences can be through a spectrum of light and shade. We all carry our shadows, our flaws and our vulnerabilities. But for all this darkness, there is an innate desire to create light and connection. This album is a look into that spectrum and our attachment to it.“ Mit jedem neuen Album wächst Kaurna Cronin über sich hinaus – als Musiker, als Geschichtenerzähler und als Produzent. Genau wie auf seinen vorherigen Alben ist auf Make Light seine Authentizität und persönliche Note in jedem Song präsent. Make Light verdeutlicht Cronins beständige Hingabe, Musik mit emotionaler Tiefe zu schreiben. Die eingängigen Melodien bleiben ebenso im Kopf wie die Lyrics. Die LP wurde von Kaurna Cronin selbst produziert und strahlt mit elf Liedern, die er mühelos von der Bühne ins Studio und vom Studio zurück auf die Bühne überträgt. Kaurna Cronins Lieder und Geschichten sind das Ergebnis der vergangenen zehn Jahre, in denen der Singer-Songwriter regelmäßig durch Australien und Europa getourt ist. Die zuletzt veröffentlichten Alben Harsh Beauty (2022) und Aloft in Blue (2020) haben um Kaurna Cronin eine treue Fangemeinde gebildet und ein positives Medienecho erzeugt (u.a. durch Airplay bei DLF Kultur, Bremen Zwei, SWR2, MDR Kultur, NDR Blue, ByteFM). Kaurna Cronin war zweimal für „Artist of the Year“ bei den Australian Folk Music Awards nominiert und gewann den Preis „Artist of the Year“ bei Folk Australia.

The Dirty Denims nennen ihren Sound "Happy Hard Rock". Und diese Eigenbeschreibung fasst alles zusammen, was die Band ausmacht: Gitarrenriffs im Stil von Bands wie AC/DC, Joan Jett oder Rose Tattoo, dazu fröhliche Lyrics und jede Menge Live-Energie. Macht alles zusammen schnell sehr gute Laune. Die Band aus Eindhoven besteht aus der Sängerin, Gitarristin und Organistin Mirjam Sieben, Jeoren Teunis (Gitarre und Gesang), Marc Eijkhout (Bass, Gesang) und Suzanne Driessen (Schlagzeug, Gesang). The Dirty Denims verpassen ihren Hardrock-Riffs eine Prise Punk-Attitüde und nehmen sich selbst nicht allzu ernst, was sie auch in ihren Videos zeigen. Bei ihren Konzerten lassen sie gerne das Publikum mitsingen und beziehen ihre Fans immer wieder mit ein. 2009 erschien ihre erste EP "Going Out", 2014 ihr Debütalbum "High Five". Seitdem bringen sie regelmäßig Studioalben heraus. Auf Festivals wie dem Lowlands, Rockin' Park oder dem Zwarte Cross sowie als Vorband von Slash, Whitesnake, Golden Earring, Steel Panther und anderen Hardrock-Größen haben sich The Dirty Denims einen Namen erspielt. Mit ihrem Song "24-7-365" sorgten sie dafür, dass Hardrock wieder im Mainstream-Radio gespielt wurde

Mit ihrer eigenwilligen Blues Stimme und ihrem virtuosen Gitarrenspiel kreiert Minnie Marks eine musikalische Mischung, die sie selbst als „Dirty Sweet Rock´n´Roll“ bezeichnet und die ihr Vergleiche mit Janis Joplin oder John Butler einbrachten. Auf der Bühne liefert sie eine rotzige und ausdrucksstarke Show ab, ohne dabei auf jegliches Tamtam zurückgreifen zu müssen. Sie schafft es, sich eine stetig wachsende Fangemeinde zu erspielen. Unter den Bewunderern der jungen Sängerin/Komponistin/Gitarristin finden sich so auch zahlreiche Musikerkollegen, die ihr den Spitznamen „fantastic Minnie“ verpassten. Sieht man die Show der 32-Jährigen, so vergisst man schnell, dass es sich um eine junge Frau handelt und nicht um einen „alten Hasen“, so authentisch und ehrlich schafft sie es, ihren Blues zu transportieren. www.minniemarks.com „BADASS“ - Jennifer Batten (Guitarist for Michael Jackson & Jeff Beck) „Minnie Marks is a one - woman - band with so much talent and soul, we sat there mesmerized by her singing and playing and couldn’t wait to meet her. It was one of the most amazing shows of our lives!“ - Carl Verheyen (Supertramp) HUSSY HICKS Die von Kritikern hoch gelobte australische Band Hussy Hicks, geprägt durch Leesa Gentz ‚Powerhouse Soul - Stimme‘ und Julz Parkers Gitarrenspiel auf Weltklasseniveau, kann mittlerweile auf 6 Studioalben, multiple Preise der Musikindustrie und weltweit mehr als 1500 Konzerte zurückblicken. Bereits seit 2006 befinden sich die Musikerinnen auf ihrer eigenen und einzigartigen Reise durch die globale Musikszene. Ein turbulentes Reisetagebuch durch Alternative Folk, Australian Roots Music, Country und Blues steht bei den Hussy Hicks auf dem Programm, die durch ihr unverblümtes Charisma genauso bezirzen wie durch ihren grandiosen Satzgesang. Ob in kleinen Clubs oder auf großen Festivals - diese beiden Frauen rocken jede Bühne. ‚„Probably the best band you’ve never heard of“ - Planet London

Jens Kommnick ist Musiker, Arrangeur, Komponist, Produzent sowie freier Fachautor und spielt seit 45 Jahren akustische Gitarre. Er gilt als führender Vertreter des Celtic Fingerstyle, der es zudem versteht, auch andere Einflüsse aus Klassik, Jazz und Rock in seine filigrane Gitarrenklänge einfließen zu lassen. Sein Debut-Album „Siúnta“ (© 2008) wurde international mit überragenden Kritiken bedacht, und Radiostationen im In- und Ausland spielen seine Musik. Seine Zusammenarbeit mit Reinhard Mey machte ihn zusätzlich populär und sein bei der EMI erschienenes Soloalbum „Kommnick spielt Mey“ (© 2011) erhielt glänzende Rezensionen. 2012 wurde er – als erster und einziger Deutscher in der Geschichte – mit seiner Gitarre „All Ireland Champion“, und dies gleich doppelt: sowohl als Solist als auch als Begleiter. Auch sein drittes Album „redwood“ (© 2015) hat begeisterte Reaktionen im In- und Ausland hervorgerufen, darunter den so begehrten „Preis der deutschen Schallplattenkritik“! 2022 veröffentlichte er auf dem renommierten Stockfisch-Label seine vierte Produktion „Stringed“ und wurde dafür erneut für den Preis der deutschen Schallplattenkritik ausgezeichnet. Seine zudem angenehme Bühnenausstrahlung und humorvolle Präsentation machen seine Konzerte für das lauschende Publikum zu einem besonderen Vergnügen Jens Kommnick arbeitete mit den hochkarätigsten Vertreterinnen und Vertretern seiner Zunft zusammen (Reinhard Mey, Werner Lämmerhirt †, Ian Melrose, Peter Finger, Allan Taylor, Klaus Weiland, Ulli Bögershausen, etc.) und dürfte aufgrund der Mitwirkung an mittlerweile knapp 100 CD-Produktionen unterschiedlichsten akustischen Stils (Irish Traditional & Contemporary, Fingerstyle-Gitarre, Klassik, Singer-Songwriter, Musik für Kinder) landesweit einer der wohl meistgefragtesten Studiomusiker dieser Szene sein. Zudem arbeitet er als Gitarren- , Bouzouki- und Whistle-Dozent auf zahlreichen Workshops in der ganzen Republik und im europäischen Ausland. Meinungen: "Jens Kommnick ist bei all seiner Bescheidenheit einer der interessantesten und kreativsten deutschen Musiker, die sich mit der Kultur der keltischen Länder beschäftigen - wenn nicht gar der interessanteste von allen.“ (FOLKER!) "Jens' Spiel und seine Musik treffen mich mitten ins Herz und mitten in den Verstand." (Reinhard Mey) „Es gibt nur wenige Musiker, deren vielschichtige Musik von so großem Klangreichtum geprägt ist wie die des Akustikgitarristen und Multiinstrumentalisten Jens Kommnick.“ (Siobhán Long, Irish Times) „Jens Kommnick gehört zu der Spitze der internationalen Liga von Celtic Fingerstyle-Gitarristen.“ (Ian Melrose) "Virtuoser Celtic Fingerstyle trifft launigen Barock und flaniert durch genial angelegte Klanggärten." (Akustik Gitarre) „Ich liebe die Alben von Jens – die Barockarrangements sind wirklich hochklassig!“ (Tony McManus)

Ein Dutzend Alben hat er bereits unter eigenem Namen veröffentlicht, stets begleitet von schwärmerischen Kritiken der Fachpresse. Ehrfurchtsvoll raunen Musikerkollegen seinen Namen, loben seine Qualitäten als Songwriter und seine außergewöhnlichen Fähigkeiten an der Gitarre. Ron Spielman bereist seit 20 Jahren die Musikwelt. Als Entdecker entlang der Grenzen von Rock, Pop, Blues, Jazz und Folk bleibt er bei aller Ohrwurm-Melodik kantig, immer auf dem schmalen Grat zwischen Zugänglichkeit und Tiefe wandelnd. Nach seinem hochgelobten Instrumentalalbum „Tip of My Tongue“ (2018) präsentierte der Deutsch-Amerikaner und Wahl-Berliner mit „The Rehearsal Sessions“ (2019) und „In A Nutshell – Live at Studio Wong“ (2022) zwei Live-EPs, die ihn und seine Band in Bestform zeigen und eindrucksvoll belegen, was für eine unglaubliche Energie Spielman entfalten kann. Dazu der Trademark-Sound seines Gitarrenspiels, den seine Fans so lieben! „Wir improvisieren viel. Das macht die Band aus. Manchmal spielen wir uns so in Rage, dass ich mir selbst vorkomme wie ein Zuhörer, der nur noch lauschen will. Für mich gibt es keinen erstrebenswerteren Zustand.“ (Ron Spielman im Interview mit laut.de) „Musik für erwachsene Rock-Gourmets“, schrieb der Focus einmal und trifft es damit auf den Punkt: Konzerte von Ron Spielman sind etwas für Genießer. Ron Spielman spielte bereits mit Tommy Emmanuel, Beth Hart, Bootsy Collins, der Chick Corea Electric Band, der Climax Blues Band sowie Johnny Guitar Watson und war Tour-Gitarrist von Andreas Kümmert, Flo Mega, Ivy Quainoo und vielen mehr.

Der Americana-Singer-Songwriter Jeffrey Halford perfektioniert sein Handwerk seit drei Jahrzehnten und zeigt keinerlei Anzeichen von Müdigkeit. Mit sieben Europatourneen im Gepäck und einer achten, die im Herbst 2025 ansteht, sowie seinem jüngsten Album, das Platz eins der Euro-Americana-Charts erreichte, ist klar, dass Halfords Einfluss weit über seine kalifornische Heimat hinausreicht. Geboren in Dallas, saß der damals vierjährige Halford auf dem Rücksitz des 59er El Dorado seiner Familie auf dem Weg nach Los Angeles. Der Beruf seines Vaters zwang die Familie zu häufigen Umzügen – ein Trend, der sich bis ins Erwachsenenalter fortsetzen sollte. Trotz der vielen Umzüge entlang der Küste fand Halford Trost im Surfen. In einer Welt voller Unsicherheit wurde das Surfen zu einer der wenigen Konstanten in seinem Leben und bot ihm eine Auszeit vom schwankenden Einkommen und der Sucht seiner Eltern. Dank Wolfman Jack und dem AM-Radio entdeckte Halford schon als Teenager seine Leidenschaft für Musik. Von Curtis Mayfield bis Howlin' Wolf tauchte er tief in die Welt des Songwritings ein und legte damit den Grundstein für seinen heutigen Erfolg. Nachdem er zu seinem 14. Geburtstag eine Nylonsaite geschenkt bekommen hatte, war er von da an nicht mehr zu bremsen. Und obwohl sein fehlender Musikunterricht vermuten lässt, dass er Autodidakt ist, würde Halford das sicherlich bestreiten. Nach seinem Umzug nach San Francisco im Jahr 1977 durchstreifte Halford die Straßen auf der Suche nach Livemusik. Dank seiner Beharrlichkeit und seines Gespürs für die Musik ergatterte er einen festen Platz neben Harry Spider und Jimmy Ventilator, zwei der besten Straßenmusiker der Stadt. Diese häufigen Auftritte auf dem Bürgersteig brachten ihm Engagements mit den Oakland-Blueslegenden Sonny Lane, Mississippi Johnny Waters und JJ Malone ein. Seit über 30 Jahren tourt Halford mit seiner Band, den Healers, durchs Land. Sie spielten bereits mit einigen der renommiertesten Künstler und Songwriter der Musikgeschichte – darunter auch Halfords Vorbilder – wie Taj Mahal, Los Lobos, George Thorogood, Gregg Allman, Etta James, John Hammond und den texanischen Größen Augie Meyers, Guy Clark und Robert Earl Keen. Wie seine Vorgänger versucht Halford, Lieder zu schreiben, die die Zeit überdauern.

Tim Grimm ist ein wahres Multitalent in der Welt der darstellenden Künste. Seine vielseitige Karriere vereint seine Leidenschaft für das Songschreiben, das Reisen und die Schauspielerei in Theater, Film und Fernsehen. Seit fast 25 Jahren schreibt er als Geschichtenerzähler in der Tradition von John Prine, Woody Guthrie und Bob Dylan vorwiegend über Themen wie Gemeinschaft, Geschichte, Familie und soziale Fragen – oft geprägt von seiner tiefen Verbundenheit zu seiner Heimat und den vielen Jahren, die er auf dem elterlichen Bauernhof im ländlichen Indiana verbracht hat. Seine Lieder sind erfüllt von ländlichen Charakteren und Landschaften und werden mit lebendiger Wärme und Intimität geschrieben und gesungen. Tims neues Album „THE LITTLE IN-BETWEEN“ (März 2023) ist eine eindrucksvolle Weiterentwicklung seiner vorherigen Alben und sein bisher persönlichstes. Es entstand in drei intensiven Monaten im Winter 2021/22. Das Album zeichnet seine Reise zwischen den Hügeln Südindianas und der Prärie Oklahomas nach – und seine innere Reise von einer reichen Vergangenheit in eine unerwartete Zukunft. In jedem Song verwendet er die Ich-Perspektive, um eine tiefe innere Welt zu erhellen, die in seinem Werk bisher eher verborgen blieb. In diesem kreativen Jahr unternahm Tim auch Ausflüge in die bildende Kunst. Mit Pastellkreide und Kohle schuf er eindrucksvolle Triptychen im Stil der Volkskunst, von denen einige nun das Cover und das Booklet des neuen Albums zieren. Tims zweitneuestes Album GONE war 2021 das meistgespielte Album im Folk-Radio, und der Titelsong wurde im Oktober 2020 als Single veröffentlicht und wurde zum meistgespielten Song im Folk-Radio des Jahres. Zu Tims früheren, preisgekrönten Alben (viele davon im Online-Shop erhältlich) gehören: HEART LAND AGAIN (2019) ist eine Neuauflage einer bekannten Sammlung von Liedern aus der Zeit vor 20 Jahren. A STRANGER IN THIS TIME (2017); der Song GONNA BE GREAT war der Nummer-1-Song im Folk-Radio des Jahres. DER WENDEPUNKT (2013) Dieses Album brachte 2014 den Nummer-1-Hit im Folk-Radio hervor: KING OF THE FOLKSINGERS. Dies war eine besonders erfreuliche Ehre, da das Lied eine Hommage an Tims Freund und Musikidol Ramblin' Jack Elliott ist. Tims langjährige Freundschaft mit Ramblin' Jack reicht 30 Jahre zurück – sie begann mit einer spontanen Fahrradtour, die zum Newport Folk Festival und vielen weiteren gemeinsamen Abenteuern führte. HEART LAND (1999) Dieses Album brachte Tim den Titel „BESTE ENTDECKUNG des Jahres 2000 im Bereich Roots/Americana-Musik“ der Chicago Sun-Times ein. Zu seinen weiteren gefeierten Alben zählen: THANK YOU TOM PAXTON (vergriffen, 2010); FARMSONGS (2009); WILDERNESS SONGS AND BAD MAN BALLADS (2009); HOLDING UP THE WORLD (2008); THE BACK FIELDS (2005), das von den Just Plain Folks Music Awards – den weltweit größten unabhängigen Musikpreisen – zum Americana-Album des Jahres gekürt wurde; NAMES (vergriffen, 2004); COYOTE'S DREAM (2003). Tim hat außerdem zwei Kollaborationen veröffentlicht: AMBER WAVES (mit Jason Wilber) und WILDERNESS PLOTS. Ausbildung & Karrierebeginn : Nach einem Politikwissenschaftsstudium am Earlham College erwarb Tim einen Master of Fine Arts (MFA) in Theaterwissenschaften an der University of Michigan und begann seine Karriere im professionellen Regionaltheater in Chicago. Dort studierte er neben seiner Theaterarbeit (unter anderem bei renommierten Ensembles wie Steppenwolf und The Goodman) kurzzeitig an der Old Town School of Folk Music und begann, eigene Songs zu schreiben und aufzuführen. Er gründete die Band Tim Grimm and The True Hearts und veröffentlichte zwei frühe CDs: „TRUE HEART, KIND MIND“ und „BROKEN DOWN PALACE“. Dann rief Hollywood, und Tim legte Gitarre und Stift beiseite und griff fast zehn Jahre lang nicht mehr dazu. Nach einigen Jahren als Schauspieler in Los Angeles in den 1990er-Jahren, wo er zwei Staffeln lang in der NBC-Dramaserie „Reasonable Doubts“ mitwirkte, an dem Film „A Clear and Present Danger“ mit Harrison Ford arbeitete und in zahlreichen weiteren Film- und Fernsehprojekten zu sehen war, kehrte Tim in seine Heimat Indiana zurück. Er wuchs in den Wäldern und Kleinstädten Südindianas auf, als Sohn von Lehrern und Enkel von Landwirten, und seine Rückkehr in die Heimat war eine bewusste Entscheidung, ein sinnvolles Leben zu führen, anstatt eines des „Erfolgs“. Theatermusik: 2001 komponierte Tim die Musik für das Theaterstück „Amber Waves“ am Indiana Repertory Theatre zusammen mit Jason Wilber von der John Prine Band. 2005 wurde er gebeten, die Musik für eine Produktion von „Früchte des Zorns“ am Indiana Repertory Theatre und am Syracuse Stage in New York zu komponieren und darin mitzuwirken. 2007 stellte Tim mit einigen der besten Songwriter des Mittleren Westens – Krista Detor, Carrie Newcomer, Tom Roznowski und Michael White – ein Konzeptalbum zusammen. Die Aufnahme „Wilderness Plots“ (basierend auf den Kurzgeschichten des bekannten Autors Scott Russell Sanders) thematisiert die Besiedlung der amerikanischen Wildnis im Ohio River Valley zwischen dem Unabhängigkeitskrieg und dem Bürgerkrieg. Zwei PBS-Sendungen widmeten sich später „Wilderness Plots“: eine Dokumentation über die Geschichte und das Lied sowie das Konzert „Wilderness Plots – In Concert“ (2012). Beide Produktionen, die von WTIU in Bloomington, Indiana, produziert wurden, wurden für einen Emmy nominiert. Tim schrieb weiterhin Lieder, die auf Sanders Werken basierten, und veröffentlichte 2011 das Album „Wilderness Songs and Bad Man Ballads“. Reisen: Neben seinen jährlichen Musik-Tourneen in den Niederlanden, Deutschland und Italien arbeitet Tim seit vielen Jahren mit dem irischen Reiseveranstalter Inishfree Tours zusammen und bringt Amerikaner (sowie Niederländer und Deutsche!) für neun Tage und Nächte auf die Grüne Insel. Dort erwarten ihn Musik und Tagesausflüge in drei ausgewählte Grafschaften. Gäste, die mit Tim gereist sind, ermutigten ihn, auch in anderen Ländern Gruppen zu begleiten. Dies führte zur Gründung seines Unternehmens Scotland Folk Tours (scotlandfolktours.com). In Zusammenarbeit mit hervorragenden schottischen Guides vermittelt Scotland Folk Tours namhafte amerikanische Folkmusiker, die auf ihren Touren durch Schottland köstliche lokale Gerichte, Kultur, wunderschöne Landschaften und Abende mit traditioneller Live-Musik bieten. Tim verbringt seine Zeit derzeit abwechselnd in einem 100 Jahre alten Cottage in Oklahoma (wo er und seine Partnerin Alissa eine neue Hauskonzertreihe namens Red Dirt Folk Salon veranstalten) und auf einem 50 Hektar großen, unberührten Waldgrundstück in Südindiana, das sein Vater 1971 erworben hat.

Was haben Tony K, Michael Manring und Jarrod Kaplan gemeinsam? Abgesehen davon, dass sie deutlich weniger attraktiv sind als Shakira, zeichnen sie sich alle als außergewöhnliche Innovatoren ihres Fachs aus – in einer Zeit, in der so vieles in Formelhaftigkeit und Belanglosigkeit verschwimmt. Seit einem Jahrzehnt arbeiten sie gemeinsam auf der Bühne und im Studio und erschaffen weiterhin atemberaubende Instrumentalmusik, die Körper, Geist und Seele gleichermaßen berührt. Die Band lässt sich am besten als akustisch beeinflusstes, mitreißendes Power-Trio des 21. Jahrhunderts beschreiben . Ihre neue CD „ The Thread of Joy“ ist ab sofort erhältlich und erhält hervorragende Kritiken. Michael Manring, von vielen als weltweit führender Solo- Bassist gefeiert , erweitert seit über vier Jahrzehnten die Grenzen des Möglichen am Bass. Er hat sein Können auf Hunderten von Studioaufnahmen und Tausenden von Konzerten weltweit verfeinert. Stets experimentierfreudig, arbeitete Michael mit einer erstaunlich vielfältigen Gruppe von Musikern zusammen, von der New-Age-Keyboarderin Suzanne Ciani über den Avantgarde-Improvisationsgitarren-Innovator Henry Kaiser und den gefeierten Folk-Troubadour John Gorka bis hin zum Elektropop-Pionier Thomas Dolby. Seine langjährige Zusammenarbeit und enge Freundschaft mit dem verstorbenen Akustikgitarren-Genie Michael Hedges führte zu einer langen Zeit als Hausbassist bei Windham Hill Records , einem Label, für das er auch als Solokünstler tätig war. Er erhielt zwei Goldene Schallplatten , Grammy- und Bammie-Nominierungen , den Distinguished Alumni Award der Berklee School of Music und zahlreiche Leserpreise des Bass Player Magazine, darunter die Auszeichnung zum Bassisten des Jahres 1994. „Man sollte seine erstaunliche Technik, seine Musikalität und seine absolute Beherrschung seiner Instrumente vergessen; ...Die wahre Erleuchtung entsteht vor allem dadurch, dass man die Freude spürt, die Michael beim Spielen empfindet...seine Art transzendentaler Virtuosität und sein musikalisches Verständnis...stehen ganz im Dienste des Endergebnisses, der Freude am Musizieren.“ ( Tom Darter, Keyboard Magazine )

Es war 1995, Krissy war 3 Jahre alt und sein Vater lud ihn auf die Bühne ein, um bei „Pretty Woman“ von Roy Orbison mitzuspielen. Hier begann die Geschichte der britisch-norwegischen Krissy Matthews. Mit seinen 28 Jahren gilt er bereits als einer der außergewöhnlichsten Gitarristen des 21. Jahrhunderts und verfügt über einen reichen Erfahrungsschatz, von dem die meisten Musiker nur träumen können. Im Alter von 12 Jahren wurde Krissy von John Mayall persönlich eingeladen, an zwei aufeinanderfolgenden Abenden beim Notodden Blues Festival in Norwegen zwei Lieder gemeinsam mit ihm aufzuführen. Die Vorgruppe war Peter Green & Friends. Ein paar Jahre später war Krissy die letzte Person, die in Großbritannien gemeinsam mit dem verstorbenen, großartigen Jeff Healey live auf der Bühne stand, kurz nachdem sie vom König des Blues, BB King, Ratschläge für die Musikbranche erhalten hatte. Kein schlechter Anfang für jemanden in so jungen Jahren! Seitdem war er dreimal im norwegischen Frühstücksfernsehen zu sehen, nahm eine Live-Session für die Paul Jones Blues Show auf BBC Radio 2 in den Maida Vale Studios (London) auf und war in Nicky Hornes Friday Night Rock Show auf Vintage TV zu Gast. Er hat mehrere Alben aufgenommen und veröffentlicht und sich seinen Ruf durch unermüdliche Auftritte und Tourneen in Clubs, auf Festivals, in Schulen und Seniorenheimen weltweit hart erarbeitet. 2015 wurde Krissy festes Mitglied der legendären Hamburg Blues Band, wo er bis heute jeden Abend legendäre Künstler wie Chris Farlowe, Arthur Brown und Maggie Bell begleitet. Zuvor ersetzte er die Gitarristen Clem Clempson (Humble Pie/Colosseum) und Miller Anderson (Keef Hartley/Spencer Davis). Er hat über 1000 Konzerte in Großbritannien, China, Russland und Europa gegeben. Legendäre Veranstaltungsorte wie der Museumsplatz (Bonn, DE), der Tanzbrunnen (Köln, DE), das Freak Valley (Siegen, DE), Ronnie Scotts (London, UK), The Cavern (Liverpool, UK), das Loreley Amthitheater (Loreley, DE), das Zwarte Cross (Lichtenvoorde, NL), die Festa Avante (Lissabon, PO) und der Auftritt als Headliner bei einem der bekanntesten Festivals Deutschlands, Burg Herzberg, im Jahr 2018 vor 20.000 Menschen zusammen mit den Herzburg Blues All Stars sind nur einige der Höhepunkte. Im März 2019 wurde er eingeladen, mit seinem Trio beim bekannten „Rockpalast Festival“ des WDR aufzutreten. Eine Auszeichnung und ein Traum für jeden Musiker! Die Veröffentlichung als Live-CD/DVD-Paket ist für Frühjahr 2023 über MIG Music geplant. Die Verzögerung ist auf die Auswirkungen der Covid-19-Pandemie zurückzuführen. Krissy und seine Band teilten sich zuvor die Bühne mit Größen wie Toto, Gregg Allman, der Tedeschi Trucks Band, Joe Bonamassa, Joe Satriani, Beth Hart, Jimmie Vaughan, Steven Seagal, Clawfinger und Los Lobos. Im März 2019 veröffentlichte Krissy sein letztes Studioalbum „Monster in Me“ über MIG Music. Produziert wurde das Stück von Baard Torstensen von Clawfinger und gemeinsam mit Baard und Pete Brown geschrieben. Der Mann, der einst als „inoffizielles viertes Mitglied von Cream“ bekannt war. Pete ist der Dichter hinter zeitlosen Liedern wie Sunshine of Your Love, White Room & Politician. ​ Während der Pandemie im Oktober 2020 wurde ein brandneues Studioalbum von Krissy Matthews fertiggestellt, und Krissy unterzeichnete einen großartigen neuen Vertrag mit dem legendären deutschen Label Ruf Records. Dazu gehören neun Lieder, die alle während des weltweiten Lockdowns und über dessen Auswirkungen auf ihn persönlich geschrieben wurden. Dieses Album wurde am 27. August 2021 veröffentlicht und trägt den Namen „Pizza Man Blues“. ​ Am 10. Mai 2024 erschien das brandneue Album „Krissy Matthews & Friends“, das nach „Pizza Man Blues“ sein zweites Album bei Ruf Records ist. Es ist ein Monsteralbum, das die Crème de la Crème der modernen Blues- und Rockszene vereint und dessen Produktion Krissy ein Jahr gekostet hat! Zu den Freunden auf dem Album gehören die Rap-Metal-Giganten Clawfinger, der Höllenfeuergott Arthur Brown, die Stimme Chris Farlowe, Deutschlands Soul-Queen Inga Rumpf, der legendäre Singer-Songwriter Stoppok, die ikonische Hamburg Blues Band, die Elite-Schlagzeuger Dennis Chambers & Curt Cress, der dynamische Blues-Sänger Big Daddy Wilson und viele mehr. Das Album umfasst 24 Songs und hat eine Spielzeit von fast drei Stunden. Es bietet eine Mischung aus Krissys eigenen Stücken und seinen Lieblings-Coverversionen. „Es hat lange gedauert, aber ich habe es geschafft. Die Vorproduktion begann im November 2022, und im Januar 2023 ging es dann ins Studio, um die eigentliche Arbeit zu beginnen. Ich wollte all meine Lieblingsmusiker, die ich im Laufe meiner Karriere auf Tour kennengelernt habe, zusammenbringen. Sie sind längst nicht alle dabei, aber eine ganze Reihe! Ich wollte kein Album in eine Schublade stecken, deshalb findet man viele verschiedene Genres, von Metal über Blues und Jazz bis hin zu Rock ’n’ Roll. Aber letztendlich ist es ein Krissy-Matthews-Album.“ ​ Krissy tourt weiterhin unermüdlich mit der Hamburg Blues Band und verfolgt seine eigene Solokarriere, zu der die Krissy Matthews Band und die britisch-norwegische traditionelle Bluesband Krissy and the Vikings gehören. Die Krissy Matthews Band besteht aus Slawek Semeniuk (Bass), Gerry Reynders (Schlagzeug) und Stephy Doherty (Saxophon). Die Vikings bestehen aus Trond Hansen (Bass) und Kare Amundsen (Schlagzeug).

Jay Ottaway ist ein preisgekrönter Singer-Songwriter, der vom deutschen Radiosender Rockradio.de als „einer der innovativsten Künstler unserer Zeit“ bezeichnet wird. Er wurde unter anderem vom American Songwriter Magazine, den USA Songwriting, International Songwriting, UK Songwriting und Peacedriven Songwriting Contests ausgezeichnet und erhielt zudem zahlreiche Preise vom Berklee College of Music, wo er Songwriting studierte. Jahrzehntelang tourte er mit der Jay Ottaway Band (www.jayottawayband.de) durch Europa und seit 2019 mit Jay Ottaway and the Lost Boys (www.jayottawayandthelostboys.com). In den USA gründete er in Boston zusammen mit Dan Bowden, Greg Holt und Ralph Rosen das Akustik-Projekt Jay Ottaway and The Ramble (www.jayottawayandtheramble.com). Seine Konzerte bieten eine Mischung aus seinen eigenen preisgekrönten Songs und Klassikern von Bob Dylan, Neil Young, den Grateful Dead und anderen Blues- und Classic-Rock-Legenden. Jay Ottaways Stil als Songwriter reicht von zeitgenössischem Folk und Blues bis hin zu Rock. Seine Werke wurden bereits im Fernsehen (z. B. WDR) und in Dokumentarfilmen (z. B. „Irene: Ruin to Renewal“) präsentiert. Sein 2014 erschienenes Studioalbum „Carry On“ wurde vom Musikkritiker Steve Braun von Rocktimes.de als heißer Anwärter auf das Album des Jahres bezeichnet, während sein siebtes Studio-Doppelalbum „Winter’s Journey“ (2017) beidseits des Atlantiks ebenfalls begeisterte Kritiken erhielt. Für „Winter’s Journey“ ließ er sich vom deutschen Dichter Wilhelm Müller inspirieren. Die 24 Lieder basieren auf Müllers Gedichten aus der „Winterreise“, auf der auch Franz Schubert seinen berühmten Liederzyklus basierte. Ottaways Interpretationen bewegen sich zwischen kraftvollen Rockballaden und bluesigem Jazz und integrieren dabei Einflüsse aus Country und Folk. 2020 veröffentlichte Ottaway die Single „World on Fire“, produziert von Julian Müller (Blackberries, Suzan Köchers Suprafon), einem aufstrebenden Stern der europäischen Musikszene. Das gleichnamige Album erschien im Dezember 2021 und wurde in der Veröffentlichungswoche von Rockradio.de zur „CD der Woche“ gekürt. Auch Jay Ottaways erste Indie-Veröffentlichung mit The Lost Boys, „Adrenaline Junkie“ (2022), wurde von Rockradio.de ausgezeichnet, ebenso wie die erste Veröffentlichung von The Lost Boys bei Timezone Records, „Next to You“ (2024). Als Festivalveranstalter war er seit 2003 Mitveranstalter des Plymouth Folk and Blues Festival in Plymouth, Vermont (www.plymouthfolk.com) sowie von 2005 bis 2009 des Cologne Blues-Rock Jamfest in Köln, Deutschland.

Dear Robin ist eine fünfköpfige Rockband aus Norddeutschland, die den Sound der 60er und 70er Jahre mit frischem Wind und einer ordentlichen Portion Bluesrock zurückbringt. Verwurzelt im Vintage-Rock, bringt die junge Band den Woodstock-Sound auf die Bühne. Ihre Musik ist eine Melange aus Fleetwood Mac und Deep Purple. Rocknummern mit eingängigen Riffs treffen auf Flower-Power, Blues und Southern Rock. Mit zwei Alben im Gepäck hat sich Dear Robin einen Namen gemacht und bespielte bereits die Festivalbühnen von Jamel rockt den Förster und Wasted in Jarmen. Die Band trat u.a. als Support für Robert Jon and The Wreck und Leap auf. Das aktuelle Album Timebound nahm die Band im Studio der Ostrockband Sillymit dem renommierten Produzenten Leonard Vaessen auf. Ein besonderes Highlight in ihrer bisherigen Laufbahn war die Zusammenarbeit mit der Marke Fender und damit einhergehend eine Jamsession mit dem Bassisten Darryl Jones (Rolling Stones uvm.) Dear Robin steht für handgemachte Rockmusik, mitreißende Live-Shows und authentischen Retro-Sound.

David Newbould ist ein Urgestein der Musik. Seit seinem Karrierestart 2007 mit „Big Red Sun“ hat er sich als Roots-Rocker, Americana-Künstler und Folksänger einen Namen gemacht. Seine Songs erzählen von den Höhen und Tiefen eines Erwachsenenlebens, das er oft auf der Bühne und auf Tournee verbringt. Mit seinem vierten Studioalbum „Power Up!“ schlug er ein neues Kapitel auf. Die Botschaften von Durchhaltevermögen und unerschütterlichem Überleben werden vom rauen, energiegeladenen und gitarrenlastigen Rock ’n’ Roll getragen. „Wir lieben beide Alben aus den 70er-Jahren, als Künstler im Studio völlige Freiheit hatten, Grenzen sprengten, mit Sounds experimentierten und einfach Spaß hatten“, sagt Newbould über sich und seinen Produzenten Scot Sax. „Genau diese Stimmung haben wir auch mit diesem Album erreicht. Es ist ein Rock'n'Roll-Album im Kellerstil. Manche Gitarrensoli haben Fehler, aber sie haben auch ihren Reiz, also haben wir sie behalten. Einige Schlagzeugspuren wurden mit einem iPhone aufgenommen. Wir haben es nicht überbewertet.“ Newbould und Sax arbeiteten als eigenständige Einheit und holten sich nur für Gastauftritte Unterstützung von Freunden wie Newboulds Live-Band und der mit dem Americana Music Award ausgezeichneten Geigerin Kristin Weber (die zum Cover von Crystal Gayles „Ready for the Times to Get Better“ auf dem Album beitrug). Newbould ist es nicht gewohnt, stillzusitzen. Geboren in Toronto, zog er als Teenager nach New York City und sammelte Erfahrungen in Austins pulsierender Musikszene, bevor er sich schließlich in Nashville niederließ. Dort fand er eine Gemeinschaft, die so vielfältig war wie seine eigene Geschichte. Alben wie „Tennessee“ (2013) beleuchteten seine Reisen quer durch die Kontinente und seine innere Entwicklung, während er auf „Sin & Redemption“ (2019) mit einer hochkarätigen Studioband zusammenarbeitete, zu der unter anderem Schlagzeuger Brad Pemberton (Steve Earle, Ryan Adams) und Rocklegende Dan Baird (Georgia Satellites) gehörten. Mit „Power Up!“ reicht Newboulds musikalischer Stil vom Talking Blues in „Home Depot Glasses“ (eine Hommage an den verstorbenen John Prine) über den rauen, riffgeladenen Rock des Titeltracks bis hin zu „Peeler Park“ – einem mitreißenden Groove im Stil von Steve Earle und Nick Caves Grinderman, benannt nach einer Uferpromenade in der Nähe von Newboulds Zuhause. Da ist auch die politisch angehauchte Wut von „Blood On My Hands“, die atmosphärische Klanglandschaft von „The Lawn“ und der optimistische Folk-Rock-Schwung von „Sunrise Surprise“. Das Ergebnis, sagt er, sei ein Album, das „dreckiger klingt als vieles von dem, was ich bisher veröffentlicht habe. Es fühlt sich für mich an wie eine Garage. Es ist ziemlich dunkel.“

Cinema Stereo stammt aus Orlando, Florida und ist eine energiegeladene Melodic-Rock-Band mit einer Vorliebe für das Schreiben eingängiger Musik mit einem originellen Sound. Inspiriert von Hardrock- und Blueslegenden wie Stevie Ray Vaughan, Slash, Joe Perry, Jimmy Page, Neil Peart, Dave Weckl und Freddie Mercury, besteht die Band aus 3 einzigartigen Individuen: Ian Rayha (Gesang/Keyboard/Bass), Sebastian Borysek (Lead-/Rhythmusgitarre) und Luke Pate (Schlagzeug). Als selbstbewusste Visionäre ist Cinema Stereo stark davon geprägt, sich von ihren Vorgängern abzuheben und gleichzeitig durch ihre Musik Leidenschaft in anderen zu entfachen. Cinema Stereo besitzt die angeborene Fähigkeit, Musik in verschiedenen Stilen zu präsentieren und dabei stets einen einheitlichen Markenauftritt zu wahren – Faktoren, die diesen Künstler zu einem vielversprechenden Talent machen. Cinema Stereo entstand während der Pandemie und ist die Idee von Sebastian und Ian, die bereits im Oktober 2019 begannen, Musik für die Band zu schreiben. Nachdem sie über ein Jahr lang nach einem Schlagzeuger gesucht hatten, stieß Luke schließlich zur Band. So wurde die Band gegründet. Mit ihrem Debütalbum hat die energiegeladene Rockband Cinema Stereo bereits zahlreiche Veranstaltungsorte in Florida zum Beben gebracht. Um durch ihre Musik und Live-Auftritte Authentizität zu vermitteln, plant die Band, in naher Zukunft weitere eigene Songs für ihre Fans zu veröffentlichen und neue Hörer zu gewinnen.

Connolly Hayes – die mitreißenden Nominierten der UK Blues Awards 2025 in den Kategorien „UK Band des Jahres“ und „Album des Jahres“ – begeistern international mit ihrer unvergesslichen Fusion aus Blues, Rock und Soul. Diese energiegeladene Gruppe besteht aus den fünf langjährigen Freunden Jess Hayes, Frankie Connolly, Beau Barnard, Joe Mac und Andy Wilder. Ihr Debütalbum „Remember Me“, das im Sommer 2024 erschien, wurde sofort ein Hit und vom Verband unabhängiger Blues-Sender (IBSA) zum Album des Monats gekürt. Nur wenige Monate später folgte die EP „Live at Echo Zoo Studios“, die bereits für Aufsehen sorgt. Doch das Beste kommt erst noch: Die Band arbeitet derzeit intensiv an ihrem mit Spannung erwarteten zweiten Album, das 2026 erscheinen soll. Mit zwei der gefühlvollsten Stimmen der Branche, virtuosen Gitarren- und Keyboard-Klängen und einer Rhythmusgruppe, die mitreißender groovt als alle anderen, erarbeiten sich Connolly Hayes einen Ruf für unvergessliche Live-Auftritte. Zum 2. und 3. Mal im Music Star und nach ihrem Auftritt auf unserem Festival im Stadtpark XVII.

Strange Country aus Hamburg spielen Americana-beeinflussten Jam Rock. Das Quintett hat sich seit seinen Anfangstagen 2009 immer mehr in improvisative Gefilde begeben: Je nach Stimmung lösen sich Strange Country im Konzert aus ihren starken, klaren Songs und stürzen sich rückhaltlos in wilde Jams. Im Stile von Bands wie Grateful Dead, Little Feat oder The Band beziehen sie sich dabei auf den reichen Schatz amerikanischer Musik, ohne je in bloßer Reproduktion zu erstarren: immer alles neu, jeden Abend! Strange Country sind: John E. Flamingeaux (voc, git), Sven Fritz (violin, voc), Ollie Samland (pedal steel, git), Stephan Braun (b, voc), Malte Müller (dr, perc, voc) und/oder Pawel Wieleba (dr, perc).

Mojo Thunder sind eine Rockband aus Lexington, Kentucky, deren Stammbaum seine Früchte auf den Ästen von Kings Of Leon und den Black Crowes trägt, tief verwurzelt in einem unerschütterlichen Respekt für Lynyrd Skynyrd und Led Zeppelin. „Ein Wahnsinn“, schreibt das Classic Rock Magazine, „ein sonnendurchflutetes Potpourri aus allem Guten und Wahren des amerikanischen Rock’n’Roll, von knirschendem Hardrock bis hin zu gefühlvollem Blues, von luftiger, kosmischer Americana bis hin zu atemberaubenden Sommer-Arena-Rock-Hymnen.“ Die Band beschreibt ihre Musik als "Southern-Alternative" und sich als „eine Band von selbständigen, hart arbeitenden Musikern, die Musik für hart arbeitende Menschen macht. Wir haben uns eine treue Fangemeinde aufgebaut indem wir eine durchweg fesselnde Live-Show bieten, die nie zweimal auf die gleiche Weise gespielt wird. Es geht um mehr als Musik. Es ist eine Bewegung.“ Mit dieser selbstbewussten Bodenständigkeit geht das Quartett auch live zu Werke.

Als Pelagial bezeichnet die Wissenschaft die freie Wassersäule in den Weltmeeren. Hier, fernab von jeglichen Ufern, kann das Wasser grenzenlos fließen. Strömungen entstehen um gleich darauf wieder zu verschwinden. Pflanzen, Tiere und Treibgut in allen Formen, Farben und Größen treiben unaufhörlich aneinander vorbei, nähern sich an und entfernen sich wieder voneinander, kollidieren, absorbieren sich gegenseitig. Ständiger Austausch birgt stete Erneuerung, Zyklen bauen sich auf, bleiben bestehen, fallen wieder in sich zusammen oder verschmelzen miteinander. Gleiches gilt für die Improvisationen von Pelagic Zone. Die Band entstand Anfang 2009 aus einem Jam-Projekt, zu dem sich die vier Bandmitglieder regelmäßig an Sonntagnachmittagen in einer Bar im Hamburger Stadtteil St. Pauli zusammenfanden. Von Anfang an ging es dabei um das gemeinsame musikalische Experimentieren: Wie entstehen Melodien, Stimmungen, Grooves und Spannungen aus Improvisationen, die stilistisch in erster Linie aus verschiedenen Subgenres des Rock schöpfen? Das bewusste Hören auf die anderen, so stellte sich bald heraus, war für diesen Ansatz ebenso wesentlich wie das eigene Spiel. Aus manchen Jams entwickelten sich strukturiertere Songs, die wiederum als Startrampen für erneute musikalische Explorationen dienten. Im Mai 2013 wurde ein selbstbetiteltes Debütalbum auf Vinyl und CD veröffentlicht, vier Jahre später folgte ein Live-Album auf Doppelvinyl. Während Schlagzeug und Bass verlässlich für rhythmische Struktur sorgen, erzeugen Keyboards und Gitarren unaufhörlich einprägsame Hooks, elegante Melodien und fragile Harmonien. Regelmäßige Ausflüge in andere Genres wie Reggae, Hip-Hop oder Elektro zeigen, wie sehr die Band Einflüsse immer wieder neu vermischt und vermeintliche Grenzen neu auslotet. Über anderthalb Jahrzehnte und mehr als fünfzig Live-Konzerte nach ihren ersten gemeinsamen Sonntagnachmittagen auf St. Pauli sind die vier Musiker inzwischen so gut aufeinander eingespielt, dass auch spontan Improvisiertes häufig klingt wie vorbereitete Stücke. Besonders zum Tragen kommt dies bei den Live-Shows von Pelagic Zone: Jeder Auftritt ist eine Reise, bei der Band und Publikum in der Energie des Augenblicks zusammenfinden. Keine Setlist ist starr, kein Song ist in Stein gemeißelt – alles ist im Fluss, die Musik kann atmen und sich entwickeln. Die Fähigkeit der Band, sich an die Stimmung des jeweiligen Raumes anzupassen und nuanciert darauf zu reagieren, lässt jedes Konzert wie einzigartig erscheinen. Bei ihrer vielfältigen Fangemeinde aus Rock-Enthusiasten, Jam-Band-Aficionados und Liebhabern genreübergreifender Musik haben sich Pelagic Zone einen Ruf für spannungsgeladene, unvergessliche Auftritte erspielt, die dem Publikum lange in Erinnerung bleiben.