Musik in Norderstedt

Sängerin Sherri Anne ist immer unterwegs, ob zwischen ihrem Geburtsland Kanada und Kalifornien/USA oder auf ihren ausgiebigen Tourneen durch die
Welt. Sie ist das Herzstück der Formation „Sister Speak".

Auf ihren Konzerten verbinden Sister Speak die verschiedenen musikalischen Genres mit Leichtigkeit. Die Basis ihrer Musik ist der
Blues. Doch Einflüsse aus Rock, Reggae, Indie und Folk finden sich in den abwechslungsreichen Arrangements immer wieder. Starke Melodien, die
lange im Ohr bleiben und Texte, die hoch emotional sind, begeistern jedes Publikum.

Drei Alben und ein Live-Album hat die Formation inzwischen veröffentlicht. Auf Welttournee machten sie Stationen in Kanada, den USA, Deutschland, Frankreich, Ungarn, Belize und Costa Rica. Sister Speak war Headliner und Performer bei verschiedenen Festivals und
legendären Veranstaltungsorten auf der ganzen Welt und teilte sich die Bühne unter anderem mit The Doobie Brothers, Don Carlos, Xavier Rudd und
Air Supply.

Sister Speak wurde bei den San Diego Music Awards als bester Pop Act ausgezeichnet.

Ihre Musik wurde in ganz Kanada, den USA und Europa im Radio gesendet - hauptsächlich bei CBC Canada, BBC Europe und dem kommerziellen Radio in
Kalifornien.

Begleitet wird sie bei dem Konzert von dem US Gitarristen Oscar Bugarin.

Pressestimmen:

„Im Kern der Songs auf dem neuen Album ‚Love For All' der kanadischen
Band Sister Speak liegt das Gesangs- und Songwriting-Talent der
zentralen Figur Sherri Anne. Sie legt ihre Gefühle und Emotionen in die
Texte dieser Songs und bringt sie auf eine schöne und breite Palette von
Musikstilen wie Reggae, Indie-Folk, Pop, Rock, Americana, Blues und
sogar Hip-Hop." - Valére Sampermans / Rootstime - Belgien

„Entweder alleine oder mit einer Band von begleitenden Musikern,
Sherri-Anne von Sister Speak hat eine wundersame Stimme und
Songwriting-Fähigkeiten für Tage ..." - NBC Sound Diego USA

„Dieser melodische Americana-Folk-Rock-Stil ist ebenso gut wie
eindringlich ..." - The Daily Courier, Kelowna, BC, Kanada

www.sisterspeakmusic.com

Das Hamburger Quartett CELLARINE bewegt sich in den Genres Indie- und Retro-Rock und
bringt seine Songs zuverlässig seit 2 Jahrzehnten auf die Bühne und auf Tonträger
(3 EP'S, 1 Album).

Dank angerauter poppiger und gelegentlich psychedelischer Einflüsse, bleibt ihre Musik
abwechslungsreich und mitreißend.
In ihren intensiven Songs erzählen CELLARINE Geschichten, die das Leben nicht romantisch
verbrämen, sondern es mit all seinen Ecken und Kanten, gerne auch mal ironisch oder
sarkastisch, beschreiben.

Die Band ist ständig dabei, ihre musikalischen Horizonte zu erweitern und ihre Kreativität in
neue, aufregende Richtungen zu lenken. Mit ihrem ganz eigenen Stil und ihrer Leidenschaft
für raue Gitarrenmusik sind CELLARINE definitiv eine Band, mit der man mal einen
verschwitzten Abend durchtanzen kann.

CELLARINE sind:
Holly - Vocals / Guitar
Leon - Lead Guitar / Vocals
Püddy - Bass / Vocals
Marc - Drums

www.cellarine.de

Die Folkband An Carra besteht aus einer einzigartigen Kombination von Instrumenten und vermischt Dudelsack mit Klavier und Trompete, als auch andere Instrumente wie Geige, Gesang und Kontrabass. Die Mischung aus Gesang und instrumentalen Stücken gibt einen Einblick in die Folk Traditionen Schottlands und Irlands, aber auch Deutschlands.
Mit zwei erfolgreichen Deutschlandtouren in den letzten Jahren haben die drei Musikerinnen Zuschauer mitreißen können und mit ihrem einzigartigen Programm überzeugt. Dies ist besonders auf Minderheiten Sprachen (Friesisch, Plattdeutsch, Gälisch) fokussiert, sowie Folkmusik der jeweiligen Länder und viele eigene Kompositionen. Mit An Carra erleben Sie ein Konzerterlebnis wie noch nie zuvor gehört oder gesehen!

In den letzten zehn Jahren tourten The Cold Stares unermüdlich als Duo durch die Welt und begeisterten das Publikum in den USA und Europa mit einer furiosen, mitreißenden Live-Show, die über die bloße Besetzung mit Gitarre und Schlagzeug hinwegtäuscht. Nun schlägt die Band eine ganz neue Art von Chemie an, wenn sie ihr nächstes Kapitel aufschlägt, indem sie ein drittes Mitglied hinzufügt und den klassischen Power-Trio-Sound, mit dem sie aufgewachsen ist, mit ihrem explosiven neuen Album “Voices” wieder aufleben lässt.

“Als wir dieses Album aufnahmen, waren die Ketten gelöst”, sagt Gitarrist und Sänger Chris Tapp. “Plötzlich verschwanden alle Parameter, die uns vorschrieben, was wir tun konnten und was nicht, und wir waren frei, den Sound zu kreieren, den wir wollten.”

Dieses Gefühl der totalen künstlerischen Befreiung ist das Herzstück von “Voices”, das die für The Cold Stares typische Mischung aus Blues, Southern und Hard Rock zu neuen Höhen treibt. Das Album wurde fast vollständig innerhalb von nur zwei Tagen mit Produzent/Engineer/Mixer Mark Needham (Taj Mahal, The Killers, Imagine Dragons, Walk the Moon, Fleetwood Mac) aufgenommen und ist die bisher reifste, eklektischste Sammlung der Band, die gleichermaßen kraftvolle Muskeln und zarte Gefühle vereint. Es wäre für Tapp und Schlagzeuger Brian Mullins ein Leichtes gewesen, einfach die Lautstärke zu erhöhen, aber stattdessen nutzen sie die Ankunft von Bassist Bryce Klueh, um nuancierter und abenteuerlicher vorzugehen und einen rohen, ungeschminkten Sound zu schaffen, der sich gleichzeitig altmodisch und modern anfühlt. Alles zusammengenommen ergibt eine mutige, filmische Platte, die ebenso ehrlich wie berauschend ist, eine hochoktanige Dosis unverfälschten Rock’n’Rolls, der sich auf alles von Cream bis Led Zeppelin beruft, während er mit Liebe und Verlust, Sünde und Erlösung, Hoffnung und Reue rechnet.

The Cold Stares haben eine Reihe von hochgelobten Alben veröffentlicht, die sie unter anderem mit Joe Bonamassa, Larkin Poe, Rival Sons, Reignwolf, Spoon, Grand Funk Railroad und Thievery Corp auf Tour brachten. American Songwriter lobte das “hart erkämpfte Engagement, die Ehrlichkeit und die Intensität” der Gruppe, während No Depression ihren Sound als “Roots-Rocking-Feuerwerk” bezeichnete, und Songs ihrer Alben tauchten überall auf, von ESPN, Dodge, Chevy und TNT bis hin zum erfolgreichen Videospiel Cyberpunk 2077.

en.wikipedia.org/wiki/The_Cold_Stares www.thecoldstares.com

Der aus Milwaukee stammende Greg Koch hat eine erfolgreiche Karriere als „Gitarrist der Gitarristen“ aufgebaut. Er ist nicht nur ein überaus kreativer Spieler mit einer ganzen Trickkiste an beeindruckenden Techniken, die von Albert-Lee’s - Chickenpicking über Albert-King-Saitenbanding bis hin zu völliger Hingabe im Hendrix-Stil reichen, er ist auch ein Repräsentant für Fishman Pic Ups und deren Techniken.
Die beliebten „Outtakes“-Videos (bisher 4.000) für Wildwood Guitars aus Louisville, Colorado, haben 50 Millionen Aufrufe generiert. 2019 wurde Gregs „Signatur-Axt“, Gitarre von Reverend Guitars herausgebracht die den Namen „Signatur Gristlemaster“ trägt. Den Gitarrenfarben wurden etwas humorvolle Namen gegeben wie: Kochwork Orange und Blucifer.
Außerdem ist er Bestsellerautor und Videodozent für den Musikverlag Hal Leonard sowie Kolumnist für verschiedene Gitarrenmagazine, darunter „Guitar Player“.
Der großartige Gitarrist Steve Vai, der 2001 Kochs Album „The Grip“ auf seinem Label „Favoured Nations“ veröffentlichte, lobte seinen Gitarristenkollegen: „Greg Koch ist einer dieser seltenen Gitarristen, die verschiedene Stile mit einer unbeschwerten Herangehensweise und einer enormen Menge Technik, verbinden können. Ihn spielen zu hören, ist für einen Gitarristen eine Inspiration, zu versuchen, auf dem Instrument Großes zu erreichen.“
Dylan Koch begeisterte sich schon früh für das Schlagzeug und nutzte Küchenutensilien, um zur Musik zu spielen, sobald er laufen konnte. Nachdem er eine frühe Diät von Ginger Baker, Keith Moon, Mitch Mitchell und John Bonham verdaut hatte, wurde Dylan vom legendären Tom Brechtlein (Chick Corea /Robben Ford) betreut. In der High School nahm Dylan am Jazz Institute Wisconsin Conservatory of Music teil und vertiefte sein Studium an der McNally Smith School of Music in Twin Cities. Noch als Teenager spielte er mit den jungen Gitarristen Tallan Noble Latz und Jared James Nichols und trat zusammen mit seinem Vater mit Künstlern wie Robben Ford, Paul Barrere von Little Feat, Jon Cleary, David Grissom, Roscoe Beck und Malford Milligan auf. Dylan wurde kürzlich von den Wisconsin Area Music Awards (WAMI) als Schlagzeuger des Jahres nominiert. Stolz sagt Papa Koch: „Dies ist die dritte offizielle Aufnahme mit dem Kind“.

Toby Lee Marshall stammt aus der Gegend von Twin Cities und kommt aus einer musikalischen Familie. Er spielte früh Klavier, bis er im Alter von sieben Jahren bei einem Baseballspiel in den Bann der Orgelklänge geriet. Seine Faszination für die Hammond B3 erwachte, als sein Vater ihn zu einem Konzert von Steve Cherewan mit Dr. Mambo’s Combo im legendären Bunker’s in Minneapolis mitnahm.
Steve unterrichtete Toby in den B3-Methoden und so landete er schon als Teenager einen Auftritt beim Bluesmusiker Lonnie Brooks. Anschließend reiste er als Mitglied der Band von Bernard Allison um die Welt. Nach einer längeren Pause ist Toby mit dem pulsierenden Koch Marshall Trio mit voller Kraft in die Musikszene zurückgekehrt.
„Es ist die perfekte Kombination aus dieser Art von Kirchen-, Blues-, Funk-, Jazz-, Rock- und Hühnerpickerei-Stilen, und ich passe genau da hinein.“

Während „Toby Arrives“ 2017 die Coming-Out-Party des in Minneapolis lebenden Hammond-B-3-Fans Toby Lee Marshall darstellte, geht das Koch Marshall Trio mit seinem genreübergreifenden Nachfolger „From The Up’Nuh“ noch einen Schritt weiter. Das zweite Orgeltrio-Album des Gitarrenfans Greg Koch setzt alle Hebel in Bewegung.
Ihre erste Veröffentlichung bei Koch Marshall Productions präsentiert nicht nur Marshalls mitreißendes Orgelspiel neben der teuflischen Griffbrettarbeit von Greg und dem Power-Pocket-Spiel seines Sohns Dylan, sondern spiegelt auch die bemerkenswerte Chemie wieder, die sie auf Tour aufgebaut haben.
„Wir haben bis zum Lock down viel gespielt“, sagte Koch, der vom Gitarren-Phänomen Joe Bonamassa als „furchteinflößend gut“ beschrieben wurde „Top Ten der unbesungenen Gitarristen“ von Fender Guitars. „Wir haben ziemlich oft Shows an der Westküste und in Texas gespielt und sind in Europa getourt. Die Leute kamen zu unseren Auftritten und die Resonanz war wirklich gut. Dann kam Covid.“ Während die Hälfte von From The Up’Nuh bereits in Arbeit war, wurde der Rest während des Lockdowns im Makin’ Sausage Music Studio des Ingenieurs Steve Hamilton in Milwaukee erstellt. Dieser von Blues durchdrungene Ausflug reicht von rockigen Workouts wie „Luna Girl“ und „The Tussle“ bis zum „Funky Klaus“ im Booker T & The MGs-Stil, dem jazzigen Uptempo-Swinger „Brushes“, einem R&B/Gospel gewürzter „Soul Stroll“ und der Zappa-artige „Nubby the Hoarder Man“.
„Die Band hat sich wirklich bewährt“, sagte Koch, der als Leader bei mehreren Plattenfirmen mehr als 20 Veröffentlichungen vorweisen konnte, die alle seine einzigartige Interpretation verschiedener US Gitarrenstile zum Ausdruck bringen.
Weltweit vertreten kehrt die Band im September 2024 wieder in die EU zurück. Mit zwei Neuen Alben in der Tasche und einem Abwechslungsreichen Programm. Gitarrenfans können von Meister Koch eine Flut von raffinierten Spielweisen inklusive neuer Sounds erwarten.

www.gregkoch.com

Beeinflusst von der improvisationsfreudigen Blues- und Rockmusik der 60er und 70er

Jahre spielt dieses Duo sowohl bekannte Stücke vergangener Jahrzehnte als auch eigene Titel.

Der Kieler Sänger und Gitarrist Kalle Reuter hat mit Martin Röttger einen Schlagzeuger und

Percussionisten an seiner Seite, der Drive und „musikalischen Platz“ wunderbar vereint und

dabei den Gesang trägt und die Gitarre immer wieder herausfordert.

www.kallereuter.de

www.martinroettger.de

Die Einflüsse der Ramblin´Preachers sind fest im Southern-Rock-Vibe verankert und darin liegt eindeutig die Leidenschaft der Band. Der Versuch, etwas Vertrautes zu machen, aber mit einer Wendung, die das Publikum fesselt und interessiert, während man sich gleichzeitig auf das konzentriert, was dem Song dient. Gitarrist James Ives und Leadsänger/Gitarrist Ross Connor sind eindeutig Tonjäger und das wird in „Separate Ways“ sehr deutlich, wo das rhythmische und klangliche Element so wichtig ist. Die vorherigen Singles der Band „Mind Your Own Business“, „Better Than Me“ und „Jester“ zeigen alle die sehr „wurzeligen“ Grundlagen dessen, worum es bei „Ramblin‘ Preachers“ geht. Die Band gewann außerdem die Introducing Stage beim Great British Rock & Blues Festival 2022, was der Band dabei half, eine der angesagtesten Live-Bands überhaupt zu werden. Mit Arena-ähnlicher Power, einfühlsamem Songwriting und einer atemberaubenden Live-Show wollen sie ihren Erfolg mit ihrem Debütalbum „Sins & Virtues“ fortsetzen. Da die hervorragenden Köpfe der Produzenten Wayne Proctor und Oli Brown nun in die Produktionen und Kompositionen der Band eingebunden sind, ist es ein guter Zeitpunkt, hinter ihnen zu stehen und sich der Reise anzuschließen. Für Fans von: Rival Sons, Blackberry Smoke, Black Stone Cherry, Chris Stapleton, Robert Jon & The Wreck, The Commoners.

Ross Connor – Gesang & Gitarre

James Ives – Leadgitarre

Craig Howe – Bassgitarre

Rich Baker – Schlagzeug

Zitate über die Band: „Solche Gitarrenklänge erweckten den Eindruck, dass es noch einen weiteren Sänger in der Band gibt.“ Trevor Locke, Musik in Leicester

„Ich denke, ihre Art von rauhen Riffs und Rhythmen traf die Rocker im Publikum genau richtig.“ Sally Newhouse, Metal Talk

Ramblin Preachers

Caitlin Krisko and The Broadcast ist eine Powerhouse-Soul-Rock-Band aus Asheville, North Carolina, die für ihre mitreißenden Gesangsauftritte bekannt ist.

Gegründet im Jahr 2021, führten Kriskos elektrisierende und unvergessliche Auftritte dazu, dass sie mit Mitgliedern der Tedeschi Trucks Band und David Bowies Blackstar Band an deren neuestem Studioalbum Lost My Sight arbeitete.

Krisko zieht ihr Publikum in ihren Bann und bringt die perfekte Mischung aus Kraft und Verletzlichkeit in ihre Shows. Mit ihrer Mischung aus Soul-Rock-Arrangements mit einem Hauch von Blues und Pop hat Caitlin Krisko and The Broadcast die Bühne unter anderem mit Mavis Staples, dem verstorbenen Charles Bradley, St. Paul and the Broken Bones, Marcus King, The String Cheese Incident, Bettye Layette und Gregg Allman´s Buffalo Mountain Jam geteilt.

The Broadcast sind:
Caitlin Krisko (Gesang)
Aaron Austin (Gitarre)
William Seymour (Bass)
Michael W. Davis (Schlagzeug)
Tyler Housholder (Schlagzeug)

www.caitlinkriskoandthebroadcast.com

OPERATOR STEAMROLLER

Seit über 20 Jahren hat sich Erik Harstad einen Namen als einer der führenden Bluesgitarristen Norwegens gemacht. Sowohl als Solokünstler als auch mit Bands wie Buzz Brothers, Male Bluesband und Larsen's Last Chance.

Er hat viele Bluesclubs und Festivals des Landes besucht und dem Publikum stets das volle Preis-Leistungs-Verhältnis geboten.

Erik spielt mit enormer Intensität und steckt seine Seele in jede einzelne Note, die er der Gitarre entlockt. Das Songmaterial ist eine gute Mischung aus selbstkomponierter Musik und Liedern von Künstlern wie Freddie King und Ronnie Earl.

Im Jahr 2017 erhielt Erik die Auszeichnung „Musiksender des Jahres“ in der Gemeinde Ringsaker.

Im Herbst 2010 startete er sein neuestes Bandprojekt, So What, bei dem er den Nickels & Dimes-Bassisten Arild Steinsrud und den Schlagzeuger Nils Harald Mæhlum dabei hat.

Dieses Kit ist weit verbreitet und sie standen mit berühmten Namen wie Reeves Gabrels, David Olney, Jorn und Colleen McFarland auf der Bühne.

Das neueste Mitglied von So What ist Kristian Wentzel. Kristian ist ein sehr gefragter Session-Musiker und spielt bei der aktuellen Ausgabe von Funhouse mit, außerdem arbeitet er mit Staffan William-Olsson, Erik Smith und Tom Erik Antonsen zusammen, um nur einige zu nennen.

Bei einem Konzert mit Erik Harstad & So What wird es nie langweilig und es geht nur um den Spaß!

Erik Harstad Gitarre/Gesang

Erik hat sich über viele Jahre hinweg einen Namen als einer der größten Bluesgitarristen Norwegens gemacht. Mit Bands wie Buzz Brothers, Male Bluesband, Larsens Last Chance und als Solokünstler war er Gastgeber vieler Bluesclubs und Festivals in den Ländern und bot dem Publikum stets die Unterhaltung, die es zu bieten hatte. Wer Harstad zum ersten Mal hört, ist von seinem Auftreten, seinen Emotionen und seiner Technik begeistert. Er nimmt jeden gespielten Akkord ernst und übt großen Respekt vor dem Fachgebiet und der Musik aus, die ihresgleichen sucht.

Arild Steinsrud Bass.

Er begann seine Karriere mit Elvis Presley als seinem großen Idol und bekam 1978 seine erste Bassgitarre. Später tourte er mit der Band Nickels & Dimes durch ganz Norwegen. Arild ist auch für sein eigenes Soloprojekt The Secondhand Smokers verantwortlich. Arild hat auch mit anderen zusammengearbeitet, wie Ronni Le Tekrø, The John Doe Index, Jørn Lande, Dag Stokke und Reeves Gabrels.

Nils H. Mæhlum Schlagzeug.

Nils Harald Mæhlum ist für norwegische Musiker seit mehr als 30 Jahren sowohl als Schlagzeuger als auch als Tontechniker eine herausragende Persönlichkeit. Nils Harald ist Inhaber von MLP, einem Unternehmen mit Schwerpunkt auf Konzertaudio und Tonstudios. Als Schlagzeuger ist er vor allem als Mann hinter dem Schlagzeug der Band Nickels & Dimes bekannt, aber als Musiker und Tontechniker beschäftigt er sich mit den meisten Musikgenres und wird häufig als Studiomusiker eingesetzt. Nils Harald hat in den letzten Jahren mit Künstlern wie Narum, Tina Lie, Martine Lund Hoel, Colleen McFarland, Peter Nova und David Olney gespielt.

Kristian Wentzel Hammond/Keys.

Kristian wuchs in einer Familie angesehener und talentierter Musiker auf. Schon in jungen Jahren trat er in die Fußstapfen seines Vaters und erlangte schließlich das Keyboard als sein Hauptinstrument. In dieser Besetzung ist er hauptsächlich Klavier- und Orgelspieler, verfügt aber auch über große Fähigkeiten im Umgang mit Synthesizern. Er gilt als einer der besten Keyboarder Norwegens und das hat ihn dazu gebracht, mit anderen großartigen Musikern wie Staffan William-Olsson, Erik Smith und Tom Erik Antonsen zu spielen, um nur einige zu nennen. Kristian ist ein vielbeschäftigter Studio- und Sessionmusiker.

What´s new In Town So What Facebook

Der in Victoria, BC, ansässige Jesse Roper hat allein auf Spotify mehr als 11 Millionen Streams gesammelt, da er eine Vorliebe dafür hat, moderne Indie-Blues-Musik zu schreiben und bombastische Live-Auftritte abzuliefern, die von seinem virtuosen Gitarrenspiel getragen werden.

„Make It All Work Out“ ist der erste von mehreren energiegeladenen, frischen, gefühlvollen und R&B-inspirierten Tracks, die vom berühmten JUNO-nominierten Produzenten Gus van Go produziert wurden. Die kommende LP greift die Stimmen von JJ Cale, Leon Bridges und Alabama Shakes auf und behält gleichzeitig Ropers starken und einzigartigen Ausdruck in diesem Genre bei.

In der DNA der neuen Single geht es darum, wie Roper erkennt, dass die Struktur seines Lebens es jemandem schwer machen kann, sich auf eine Weise an ihn zu binden, die das Gefühl hat, dass auch seine Träume und Ziele erfüllt werden.

jesseroper.ca Wikipeda Cool Whip Make It All Work Out

Nick Dittmeier & the Sawdusters sind eine Blue-Collar-Country-Band aus Indiana in den Vereinigten Staaten. Sie haben drei EPs veröffentlicht: „Extra Better“ im Jahr 2013, „Light of Day“ im Jahr 2014 und „Companion“ im Jahr 2019. Zu den Alben in voller Länge gehören außerdem „Midwest Heart/Southern Blues“ im Jahr 2016 und „All Damn Day“. im Jahr 2018 und „Heavy Denim“ im Jahr 2022.

Nick Dittmeier & the Sawdusters verstehen, dass Country und Americana – wie alle etablierten Musikgenres – von Zeit zu Zeit kurzerhand dem Erdboden gleichgemacht werden müssen, um relevant zu bleiben. Von einer Abrissbirne aus kaltem Stahl getroffen und auf den Trümmern wieder zu neuen Formen zusammengesetzt. Und welchen besseren Zeitpunkt gibt es für eine geplante Zerstörung, als wenn sich der gesamte Planet Erde in einer Warteschleife befindet und die tiefe Kluft zwischen Vergangenheit und Zukunft überspannt. In diese Lücke gelangt Heavy Denim, ein Album, das jedes sklavische, formelhafte Festhalten an Roots-Musiktraditionen kunstvoll umgeht.

„Auf dem Höhepunkt der Pandemie“, sagt Dittmeier, „wurde mir klar, dass nach allem, was wir durchgemacht hatten, auf der anderen Seite ein anderer Geist zum Vorschein kommen würde.“ Als Band haben wir entschieden, dass wir nicht versuchen würden, zu reproduzieren, wer wir waren oder die Realität, in der wir vor der Corona-Krise lebten. Viele Leute waren darauf fixiert, wieder zur Normalität zurückzukehren, aber für mich schien es ziemlich offensichtlich, dass das überhaupt nicht auf dem Tisch lag.“

Dittmeier & the Sawdusters zwangen sich, ihre Komfortzone zu verlassen und begannen, ihr Roots-Rock-Gebrüll zurückzunehmen und Platz für neue Texturen zu schaffen: Drum Machines, Looper, Synthesizer. Bei Heavy Denim erfinden Dittmeier und die Sawdusters ihren Sound furchtlos neu. Das Album steht in der Tradition des spacigen, Synthesizer-verankerten Country-Curveballs „On Every Street“ der frühen 90er der Dire Straits; Die Verwandlung der Alabama Shakes von einer düsteren Southern-Neo-Soul-Revue zu tanzbaren Indie-Rock-Lieblingen auf Sound & Color; und der symphonische R&B- und Art-Folk, den Sturgill Simpson auf dem Astralwebstuhl von A Sailor's Guide to Earth webte. Mit seiner erfrischenden Kreativität und klanglichen Abenteuerlust ist Heavy Denim eine dieser seltenen und wunderbaren Platten, die die Grenzen ihres Genres erweitert.

Die neueste Veröffentlichung „Heavy Denim“ (Sonablast Records) ist eine Erweiterung des Sounds, den die Band verfeinert hat. Diese Sammlung mit 10 Liedern entstand aus der Isolation der Pandemie. "Ich habe die Band in dunkleres und progressiveres Terrain geführt, zusammen mit den Grenzen der Roots-Musik" sagt Nick Dittmeier über das Album.

Unermüdliche Tourneen durch die Vereinigten Staaten und Europa begleiteten diese früheren Veröffentlichungen, und die Band wird im September 2024 für eine Tour nach Europa zurückkehren und erneut im "Music Star" zu Norderstedt auftreten.

Save Me From Myself Love Me Like You Did nickdittmeier.com

Connolly Hayes sind eine "neue" Band, die in der Blues-/Rock-/Soul-Gemeinde und darüber hinaus bereits hohe Erwartungen weckt und für Aufregung sorgt, was vor allem auf den Ruf der Hauptmitglieder zurückzuführen ist.
Die junge Jess Hayes ist eine bluesgetriebene, gefühlvolle Singer/Songwriterin mit einer kraftvollen Stimme. Sie tauchte als Teenager in der Südlondoner Szene auf, nachdem sie von ihren Musiker-Eltern mit den klassischen Klängen von Stevie Nicks, Bad Company, Bonnie Raitt, Little Feat usw. großgezogen wurde, wobei sie jedes Wochenende zu deren Konzerten mitging und sich "anstecken" ließ.
Jess erlangte schnell einen guten Ruf unter Blues- und Soulkennern und wurde zur bevorzugten Sängerin von Rob Davis (ehemaliges Mud-Mitglied und bekannter Songwriter, nicht zuletzt für Kylies Megahit "Can´t Get You Out of My Head"), mit dem sie eine Reihe von Millionenhits verbuchen konnte. Noch wichtiger ist jedoch, dass Jess mit diesem neuen Projekt ihre eigene "Stimme" als Songwriterin finden will, zusammen mit ihrem Freund Frankie Connolly, der sich selbst einen hervorragenden Ruf als großartiger Sänger und erstaunlicher Gitarrist erworben hat, der das Publikum überall dort begeistert hat, wo er aufgetreten ist, einschließlich Ronnie Scotts und einer Reihe von internationalen Festivals.
Connolly Hayes sind jedoch nicht nur ein Duo, sondern eine vollwertige Band mit Richard Clarke, einem weiteren bekannten Sänger/Gitarristen, sowie Beau Barnard am Bass und Andy Wilder am Schlagzeug. Das Ensemble hat vor kurzem seine Debüt-EP aufgenommen, die 2024 veröffentlicht werden soll, und hat allein aufgrund des Rufs und der Herkunft der Bandmitglieder bereits Interesse und Buchungen für Live-Auftritte erhalten.

Facebook Midnight in Harlem

Norman Beaker ist einer der Begründer des britischen Bluesbooms. Er hat mit amerikanischen und britischen Größen wie BB King, Buddy Guy, Jack Bruce, Alexis Korner, Graham Bond, Chuck Berry, Robert Plant, Van Morrison und vielen anderen auf der Bühne gestanden.
Bereits als Teenager hatte er seinen ersten Auftritt in der Show des Skiffle-Königs Lonnie Donegan. 1979 reiste er mit seiner Band „No Mystery“ als erste britische Bluesband in die DDR. 1985 gründete er die Norman Beaker Band. Ab 1994 organisierte er zahlreiche Alexis Korner Gedenkkonzerte und brachte dafür die Led-Zeppelin-Mitglieder Jimmy Page und Robert Plant nach der Trennung zum ersten Mal wieder zusammen. 2006 gab es eine Aufzeichnung der Norman Beaker Band mit Chris Farlowe für den WDR-Rockpalast. 2017 wurde Norman in die Blues Hall of Fame aufgenommen, eine prestigeträchtige Anerkennung, die nur eine Handvoll britischer Künstler für sich beanspruchen können (darunter Eric Clapton und Jack Bruce).

Norman Beaker – guitar, vocal
Ronald Burssens – bass
Chris Holemans – drums

www.normanbeaker.com Wikipeda

Destiny Hotel , das vorletzte Album von Cordovas, ist ein Werk voller wilder Poesie und aufgerissener Hingabe, angesiedelt in einer glorreichen Kollision von Folk und Country und Groove-lastigem Rock'n'Roll. Als großer kreativer Meilenstein für die in Tennessee ansässige Band – Sänger/Multiinstrumentalist Joe Firstman, Keyboarder Sevans Henderson, Gitarristin/Sängerin Lucca Soria und Sänger/Multiinstrumentalist Toby Weaver – nutzt das Album die freizügige Energie ihrer Live-Show besser aus als je zuvor, und das alles, während sie ihr Songwriting auf ein völlig neues Niveau an Raffinesse heben. Das Ergebnis ist eine Reihe von Liedern, die gleichermaßen intensiv grübeln und schwärmen und zu endlosen Feierlichkeiten auf dem Weg zur Transzendenz einladen.

Destiny Hotel wurde in Los Angeles aufgenommen und von Rick Parker (Lord Huron, Beck, Black Rebel Motorcycle Club) produziert und erweitert den harmonischen Roots-Rock von Cordovas‘ ATO Records-Debüt That Santa Fe Channel , einer Veröffentlichung aus dem Jahr 2018, die reichlich Lob erhielt Verkaufsstellen wie Rolling Stone und NPR Music. Bevor sie nach LA reisten, verbrachte Cordovas über drei Monate in ihrer zweiten Heimatstadt Todos Santos (einer Künstlergemeinschaft auf der mexikanischen Halbinsel Baja California) und skizzierte Dutzende Lieder, die teilweise aus ihrer unersättlichen Lektüre von Autoren wie dem Mythologen Joseph Campbell und dem Dichter/Romanautor Rainer Maria entstanden waren Rilke und der spirituelle Lehrer Eckhart Tolle. Und als es Zeit für die Aufnahmesitzungen war – ein hektischer Zeitraum von sieben Tagen, kurz bevor als Reaktion auf die globale Pandemie die Ausgangssperre in Kraft trat – strich die Band systematisch alle Texte, die sie für belanglos hielt.

„Wir wollten den Begriff ‚wollen‘ aus unserer Musik streichen – um all das ‚Baby, Baby, Baby, ich will dies, ich will das‘ loszuwerden und etwas Nützlicheres zu schaffen“, sagt Firstman. „Wir mussten sicherstellen, dass es sich um Lieder handelte, auf die wir für immer stolz sein würden.“

Doch während sich „Destiny Hotel“ in unzähligen Enthüllungen über Angst, Ego und Selbstbefreiung entfaltet, bietet Cordovas diese Einsicht, ohne jemals in Didaktik zu verfallen. Tatsächlich strahlt ein Großteil des Albums völlige Hochstimmung aus, und jeder Moment spiegelt die Verwandtschaft und außergewöhnliche Verbundenheit der Brüder Cordovas wider: Wenn sie nicht gerade auf Welttournee sind, die Bühne bei führenden Festivals wie Stagecoach, Newport Folk und Pickathon betreten oder … Cordovas veranstaltet ihre eigene Tropic of Cancer-Konzertreihe in Todos Santos und übt einen Großteil ihrer Zeit in der Scheune ihres gemeinschaftlichen Bauernhofs etwas außerhalb von Nashville. „Ich kann mir nicht vorstellen, dass viele Bands mehr proben als wir“, sagt Firstman, dessen Frau und kleines Kind ebenfalls auf der Farm leben. „Wir sind alle hier zusammen in diesem wundervollen Raum und wir sind ziemlich gut darin, es nie als selbstverständlich zu betrachten.“

Cordovas I`´ll Be Me / Old Dog Barstool Blues / Carolina

setlist Music Star 2019 setlist Music Star 2018

Es gibt kaum einen Musiker , der mit solch einer Spielfreude, Lust und Mimik auf unserer Bühne stand und so schnell einen Draht zu seinen Fans aufbaute wie Grayson Capps. Dazu kommen seine herzzerreißenden Songs wie „Washboard Lisa“ oder das lustige „Poison“ oder “ a love song for Bobby Long “ auch Titel des gleichnamigen Films mit John Travolta u.a., in dem Grayson am Lagerfeuer seine Songs zum Besten gibt. Das Buch zum Film stammt aus der Feder seines Vaters….

Grayson Capps kommt diesmal mit seiner komplette Band in den Norderstedter "Music Star". Eine Premiere, war er zuletzt immer als Soloact oder im Duo aufgetreten.

In einer gerechten Welt müsste Grayson Capps einer der ganz Großen sein und – in einer Reihe mit Townes Van Zandt, Nick Cave oder Steve Earle genannt werden. Bei uns ist Capps immer noch so eine Art Geheimtipp, obwohl er in der Americana-orientierten Singer / Songwrter-Szene schon seit Jahren seine Duftmarken setzt. Capps zeigt seine Fähigkeiten dabei weniger als Innovator, sondern als empathischer Songwriter, der sich in bestimmte Szenarien dergestalt einzudenken vermag, dass er jeweils wie der Gründervater des jeweils gewählten Stiles klingt.

Auf seinen Werken entdeckt er auf ein Mal die Faszination von Moll-Akkorden und liefert eine beeindruckende Sammlung düsterer Außenseiter-Balladen in der Art der o.a. Kollegen ab – mal akustisch, mal druckvoll, aber immer atmosphärisch ausbalanciert und von epischer Größe, aber ohne opulenten Schnickschnack .

Im Gepäck hat Grayson Capps die neue CD “ South Fron Street“, eine Compilation seines bisherigen Schaffens.

Washboard Lisa Wikipeda graysoncapps.com

In der Musik von Charlie Parr stecken eine aufrichtige Überzeugung und ein ernsthafter Schaffensdrang. Der in Minnesota geborene Gitarrist, Songwriter und Interpret traditioneller Musik hat in zwei Jahrzehnten 19 Alben veröffentlicht und ist dafür bekannt, bis zu 275 Shows pro Jahr zu geben. Parr ist ein Folk-Troubadour im wahrsten Sinne des Wortes: Er begibt sich zwischen Auftritten auf die Reise, schreibt und schreibt Lieder neu, während er spielt, angetrieben von der Überzeugung, dass Musik ewig ist und nicht behauptet oder angemessen erklärt werden kann. Der Blues-Poet orientiert sich eng an den Sehenswürdigkeiten und Klängen um ihn herum, seine lyrische Kunstfertigkeit basiert auf seinen Einflüssen. Die Klänge aus seiner Kindheit in der Arbeiterklasse – darunter Folkways-Legenden wie Lead Belly und Woody Guthrie – verleihen Parrs Musik stilistische Anklänge an Blues- und Folk-Ikonen vergangener Jahrzehnte. Parr sieht sich lediglich als Fortsetzer einer Volkstradition: „Ich habe das Gefühl, dass ich auf vielen großen Schultern stehe“, sagte er in einem Interview. „Ich hoffe, dass ich ein wenig von mir selbst in die Musik eingebracht habe.“

Mit einer Diskographie, die sowohl transzendentaler Natur ist als auch auf Roots-Musik basiert, ist Charlie Parr der bescheidene Meister der Folk-Tradition des 21. Jahrhunderts . Parr begann 2002 mit der Aufnahme in Duluth, wo er heute lebt. Das Leben in der Hafenstadt am Lake Superior prägt seine Arbeit ebenso wie seine Kindheit in Austin, Minnesota. Parr veröffentlichte sein Debütalbum Criminals and Sinners selbst und tat dasselbe für sein zweites Album 1922 (2002). Angesichts der wachsenden Popularität im Ausland unterschrieb Parr 2015 bei Red House Records, wo er die Breakout-Alben Stumpjumper (2015) und Dog (2017) aufnahm. Parrs Musik hat ein überwältigendes Gefühl von Präsenz und Achtsamkeit und sein Sound ist zeitlos.

Parrs Beherrschung seines Handwerks wird nur noch deutlicher, wenn man es in den Kontext der Geschichte der Volkstraditionen stellt, denen Parr seine Praxis gewidmet hat. Das Land und die Leben in der Umgebung und im Schnittpunkt mit Parr haben ihn schon immer beeinflusst, von den Hügeln und Tälern von Hollandale, Minnesota, bis zur Depression -Ära-Geschichten von seinem Vater. Parr ist bestrebt, sich alles anzuhören: „Ich glaube nicht, dass ich jemals in der Lage wäre, etwas zu schaffen, wenn es diese Inspirationen und Einflüsse, Bücher und Musik sowie das Wetter und die zufälligen Interaktionen mit Fremden und Tieren nicht gäbe. Der Brunnen versiegt also nie, solange meine Augen und Ohren offen sind“, sagte Parr in einem Interview. Noch bevor er 10 Jahre alt war, durchstöberte Parr die Plattensammlung seines Vaters – manchmal zeichnete er Dinosaurier auf die Vinylhüllen – und hörte sich Country-, Folk- und Blues-Legenden an, von denen viele fester Bestandteil des Folkways-Katalogs sind. Wenn Parr singt und seinen Resonator oder seine 12-Saiter spielt, hört man Einflüsse wie Mance Lipscomb, Charley Patton, Spinder John Koerner, Rev. Gary Davis und Dock Boggs. Dies gilt insbesondere für sein Spiel, als Parr sich nach der Diagnose einer fokalen Dystonie an Größen wie Davis, Doc Watson und Booker White wandte, um sich vom Zwei-Finger-Picking inspirieren zu lassen. Parr, der 1965 von seinem Vater eine Gibson B-45 mit 12 Saiten geschenkt bekam, hatte nie eine formelle Unterrichtsstunde und lernte, indem er Platten hörte und Musikern zusah, die er bewunderte.

Parrs erstes Album mit Smithsonian Folkways, Last of Better Days Head (2021), stellte sein lyrisches Können und sein anspruchsvolles Bluesman-Selbstvertrauen in den Vordergrund, während die spärliche Produktion Parrs Meisterschaft auf der Gitarre hervorhob und seine Poesie hervorhob. „Last of Better Days Ahead“ ist ein Porträt davon, wie Parr die Welt in diesem Moment sah, indem er über vergangene Zeiten und Erinnerungen nachdenkt und gleichzeitig den anhaltenden Wunsch hegt, gegenwärtig zu sein. In seiner 2024 erschienenen Veröffentlichung „Little Sun“ verwebt Parr Geschichten, in denen er Musik, Gemeinschaft und die Kommunikation mit der Natur feiert. Ein ehrgeiziges und rohes Album herauszubringen, das das Beste von Parrs Sound verkörpert: eine Mischung aus den Blues- und Folk-Traditionen, die er weiterhin mit sich trägt, und der unerschütterlichen Originalität eines Dichters.

www.charlieparr.com Wikipeda Moonshiner Hobo

Tim Grimm, Sänger, Gitarrist, Schauspieler mit bislang 14 Alben, wurde 2000 von der Chicago Sun Times als „Größte Entdeckung der Roots-Americana-Szene“ gefeiert und die Freeform American Roots DJs kürten ihn 2004 zum „Künstler des Jahres“. Johnny Cash, Springsteen unplugged fallen als populäre Vergleiche ein, auch Richard Shindell. Sideman Sergio Webb unterstützt den Amerikaner auf zweiter Gitarre.

Für sein 2003er Album „Coyote’s Dream“ gab es eine Nominierung als „bestes traditionelles Folk Album“ von der Jury des „Just Plain Folk Music Awards“. 2006 wurde sein Werk „The Back Fields“ in der Folk-Szene als bestes Americana-Album des Jahres gehandelt.
Der Titelsong seines aktuellen 14. Album „Gone“ war der meistgespielte Song auf Folk Radio USA im Jahre 2020 und wurde bei den International Folk Alliance Awards 2021 als „Song Of The Year“ nominiert.

Pressestimmen:
„If Woody Guthrie were alive today he would be wanting to hear Tim Grimm live.“ (Bob Brown, Traverse City, Michigan)

“Tim Grimm should be considered an Indiana treasure.“ (Acoustic Planet)

“THE TURNING POINT- one of this year’s best (cds)… a taste for melody and keen insight that few of his colleagues can boast. Along with greats like Greg Brown and John Gorka, Tim Grimm is in my opinion among the best singer-songwriters in the US.“ (The Long Journey – Roots & Country Music)

“Einen Song-Poeten dieser Klasse müsste Deutschland erst noch hervorbringen“ (Akustik Gitarre)

„Tim Grimm – eine Stimme, die du nicht mehr so schnell vergisst.“ (Cooltourist.de)

AKTUELLES ALBUM KRITIK:

Tim Grimm – The Little In-Between: Das 2023er Album

Im Laufe des Jahres 2021 vollzog sich im Leben von Tim Grimm ein großer Einschnitt. Nach gut 30 Jahren endete seine Ehe. Viele Jahre lebte er mit seiner Familie auf seiner geliebten Farm in Indiana. Nun verbrachte er viel Zeit mit der neuen Partnerin in Oklahoma. Pendelte zwischen altem und neuem Heim. In Oklahoma entstanden dann auch die Songs des neuen Albums, die über die Trennung, das Verlassen, den Verlust der alten Liebe und dem Gewinn der neuen Liebe erzählen.

„Dieses Album kam ziemlich schnell. Es fiel einfach aus mir heraus und es war meine Aufgabe, einfach zu versuchen, die Worte und Bilder einzufangen“, erzählt Tim zum Entstehen des neuen Longplayers. So sehr bewegte ihn die Situation. Und so sind feine, sehr persönliche Folksongs entstanden. „The Leaving“ und „Lonesome All The Time“ beziehen sich direkt auf die Trennung von seiner Familie. In „The Leaving“ geht es um das Land und seine Söhne, die er verlässt. So wie er in jungen Jahren seinen Vater auf diesem Land alleine gelassen hat. „Lonesome All The Time“ hat eine beschwingte Countrymusik-Melodie, ist aber eine selbstquälerische Auseinandersetzung mit der sich verflüchtigenden Liebe zu seiner Frau, mit all den Versuchen der beiden, ihre Beziehung zu retten. Tim schont sich nicht, er jammert aber auch nicht. Er steht zur Entscheidung, auch wenn er weiß, dass das allen Seiten weh tut.

„I Don’t Know“ ist das Zeugnis der großen Erschütterung. Der Sänger scheint gar nichts mehr zu wissen, zu verstehen. Weder von den Leuten und dem Land, die er schon jahrelang kannte, noch vor dem Weg, der vor ihm liegt. Alles war klar ist, ist, das Herzen gebrochen wurden und dass er sich auf den Weg machen muss. „The Breath Of Burning“ ist weiteres Klagelied über das Land, das er hinter sich lassen muss und das Herz, das er gebrochen hat. Was für ein trauriges Lied. Der Titelsong „The Little In-Between“ besingt die Zwischenzeit. Die Spanne zwischen dem Verlassen und dem Ankommen. Zwischen der Trauer über den Verlust und der Freude am Gewinn. Ein Song, der Unsicherheit und Vorfreude mischt.

„Twenty Years Of Shadows“ ist dann quasi die Story der neuen Liebe und Partnerschaft. Da kennen sich die Zwei schon viele Jahre, nur um sich dann doch noch zu verlieben. Es ist der Song, der die neue Liebe, die neue Partnerin, annimmt, sie voller Liebe besingt. Er hat sich entschieden, er will mit ihr zusammenleben. Der Abschlusssong „Bigger Than The Sky“ feiert dann zu guter Letzt das Mysterium „Liebe“. Liebe fliegt einen an, ergreift einen, man kann sich nicht gegen sie wehren.

Die neun wunderschönen Songs hat Tim Grimm nur mit seiner Gitarre in einem kleinen Studio in Oklahoma eingespielt, ehe er sie später noch teilweise im Zusammenspiel mit der Cellistin Alice Allen und dem Gitarristen Sergio Webb musikalisch erweiterte und so seinen Gefühlen ein adäquates Klangbild gab.

Fazit: Sein bislang persönlichstes Werk, das gleichzeitig voller Trauer, Hoffnung, Unsicherheit und Liebe ist. Ein Album des Übergangs in einen neuen Lebensabschnitt. Ein Album, das einen wirklich rührt. Ein brillantes, nachdenkliches Folk-Album.

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Nach dem grossartigen Steve Wynn Album erscheint in diesem Jahr noch ein Album mit TIM GRIMM with SERGIO WEBB & Paolo Ercoli aus dem Music Star zu Norderstedt. Neben Songs aufgenommen in Holland vertreten wir Germany. Das Album ist auf derTour im Herbst erhältlich, so am 12.10.beim Konzert im "Music Star" zu Norderstedt.

Jay Ottaway and The Lost Boys ist einer deutsch-amerikanischen Band, die im Jahr 2019 gegründet wurde. Angeführt wird die Band von Jay Ottaway, einem in Boston lebenden Singer-Songwriter und Gitarristen, der in den letzten zwei Jahrzehnten in Europa getourt ist und zehn Alben veröffentlicht hat. Sie spielen originale, handgemachte Musik im Stile von Rolling Stones, Bob Dylan and Tom Petty. Blues-getränkter Country-Rock, tief verwurzelt im traditionellen amerikanischen Songwriting. Zum Quartett gehört Guido Lehmann, ein exzellenter Country-Rock-Gitarrist und Lap-Steel-Spieler, der bereits mit den Bands Hillbilly Deluxe und The Swamptones in ganz Europa gespielt hat. Die Rhythmusgruppe besteht aus Schlagzeuger Klaus Marner, der auch durch seine Arbeit mit Hillbilly Deluxe bekannt ist, sowie Henrik Herzmann, der sich als Bassist in Bands wie HB & the Random Players und der Peter Lorenz Band einen Namen gemacht hat.

jayottaway.com/jay-ottaway-and-the-lost-boys

Mit den beiden kanadischen Duos Tragedy Ann und Moonfruits kommt eine doppelte Ladung Harmonien und eingängige, atmosphärische Lieder zu uns in den "Muisc Star" in Norderstedt. Tragedy Ann verbinden ihren Harmoniegesang mit einer Vielzahl von Instrumenten wie Keyboards, Akkordeon, Singender Säge und Gitarre zu einem gefühlvollen Klangteppich. Moonfruits spielen zeitgenössischen Folk und waren mit ihrer Musik 2024 für den Canadian Folk Music Award nominiert. Gemeinsam sind sie nun in Europa auf Tour und legen auch einen Zwischenstopp in Norderstedt ein um uns und Euch zu unterhalten.

tragedyannmusic.com instagram.com/tragedygram| Moonfruits facebook.com/tragedyannmusic

video: both duos together

Die siebenmalige Gewinnerin der renommierten „All Ireland Championships" (Harfe und Banjo!), Lisa Canny, tritt mit fünfköpfiger Band im Music Star auf.

Lisa ist im Nordwesten Irlands, in der Grafschaft Mayo, aufgewachsen und natürlich war ihr erster musikalischer Berührungspunkt die traditionelle Musik des Landes. Später hat sie an der „Irish World Academy of Music and Dance" in Limerick studiert, einer Art „Kaderschmiede" für talentierte junge Musiker*innen. Aber die Irin hat sich musikalisch ständig entwickelt, hat anderen Stilrichtungen Raum gegeben und so ein Gesamtkunstwerk geschaffen, das aus einer Mischung aus irisch traditioneller Musik, Popmusik und Hip Hop besteht. Die Stilverschmelzung hat dazu geführt, dass namhafte Größen des Musikgeschäfts, wie beispielsweise der Musikmanager Miles Copeland von der Band „The Police", Lisa als Irlands nächste große Musikerin auf der internationalen Bühne bezeichnen. Zahlreiche Auszeichnungen und mehrere Millionen Online-Streams unterstreichen diese Auffassung. Und Lisas Bühnenpräsenz ist schlicht eine Wucht – innovativ und fesselnd. Zum 4. Mal im "Muisc Star" zu Norderstedt und sie wird auch diesmal wieder stark zu den Wurzeln ihrer Musik zurückkehren, mit spannenden Interpretationen.

www.lisacanny.com/

Die fünfköpfige Rock-Band „Dear Robin” kommt aus Rostock. Ihre Musik ist eine Mischung aus Fleetwood Mac und Deep Purple.

Die Band spielt mitreißende Gitarrenriffs, eine fette Hammond-Orgel und eine Menge Rock'n'Roll-Stimmung. Die junge Band bringt den Sound der 70er zurück auf die Bühne und auf Platte. Dear Robin ist derzeit mit neuer Musik auf Deutschland-Tour. Woodstock war selten so nah! Ihr Debütalbum „Revelation”, das 2022 erschienen ist, war ein echtes Highlight in ihrer bisherigen Laufbahn.

Mit kraftvollen Gitarren, mitreißenden Melodien und eingängigen Texten nimmt die Band ihr Publikum mit auf eine nostalgische Reise durch die goldenen Zeiten des Rock. Die Songs „Get Enough”, „Thunder” und „Summerwine” beweisen, dass die Band vielseitig ist und immer mehr Fans gewinnt. Nach dem Erfolg ihres ersten Albums sind „Dear Robin” wieder ins Studio zurückgekehrt, um an ihrem zweiten Album zu arbeiten. Ihr nächstes Album wird wohl wieder eine Reise in die Vergangenheit werden und den eigenen Sound weiter prägen. Im August 2024 kommt das neue Album von Dear Robin raus – zusammen mit der „Timebound-Tour“.

www.dearrobin-official.com

Die angloamerikanische Band ist inspiriert von New Orleans und macht Musik für die Seele und die Sinne.

Kräftiger Rock mit Blueselementen aus den Sümpfen Louisianas, frisch serviert mit brodelnder Spielfreude, das sind die Liveshows der kalifornischen Band Beaux Gris Gris & The Apocalypse. Die junge Band um die charismatische Sängerin Greta Valenti und den erfahrenen Gitarristen Robin Davey (Ex The Hoax) gewann die Herzen des Publikums bei ihren energiegeladenen Auftritten in USA und UK, dokumentiert auf dem überraschend erfolgreichen Livealbum aus dem letzten Jahr.

Als Greta Valenti und ihr Ehemann/Komplize Robin Davey – vormals bei den britischen Bluesrockern The Hoax – beschlossen, Beaux Gris Gris & The Apocalypse zu gründen, war das nicht die Tat von Puristen. Im Gegenteil. „Ich denke nicht, dass ich behaupten kann, ich wäre ‚der Blues‘“, sagt Sängerin Valenti. „Aber ich war interessiert daran, etwas abzuliefern, das mir entsprach und das meiner Meinung nach noch nicht ausgeschlachtet wurde.“ Und das waren die Klänge und die Kultur ihrer Heimat Louisiana. Nachdem sie jahrelang in Kalifornien gelebt hatte, vermisste sie all das Material aus den Südstaaten. Also begann sie, sich wieder damit zu befassen, was letztlich zur Gründung von Beaux Gris Gris führte (der Name ist eine Hommage an Dr. Johns Album GRIS GRIS).

„Ich begann, Robin all die Musik vorzuspielen, von der ich umgeben war, als ich in New Orleans aufwuchs, von Louis Armstrong zu Louis Prima, Dr. John zu Hank Williams, Sweet Emma Barrett zu Howlin’ Wolf“, erinnert sie sich. „New Orleans ist eine sexy Stadt, und in den Anfangstagen des Blues und Jazz waren es dieser Swing-Beat, ein Sinn für Humor und die Schlichtheit einer einfachen Melodie, die auf so urtümliche Weise deine Seele erreichen.“ „Greta stammt direkt von dem Architekten ab, der die Infrastruktur von New Orleans entwickelt hatte, ebenso wie von mehreren Generationen emanzipierter Frauen aus dem Süden vor dem Bürgerkrieg“, fügt Davey hinzu. „Man sieht diese intensiv kreative Fusion aus Menschen und Kultur jedes Mal, wenn man die Stadt besucht.“ BBG&TA sind ein sinnlicher, lebendiger Blues-Cocktail, der Welten entfernt ist von der Austauschbarkeit und Verstaubtheit, die man dem Blues (und vor allem dem neuen Blues) manchmal vorwirft, perfekt auf den Punkt gebracht auf dem hervorragenden Album LOVE AND MURDER von 2019.

„Ich finde es schwierig, mich eingehend mit neuen Künstlern zu beschäftigen, die eine farblose Version machen von etwas, das es schon gegeben hat“, so Davey. „Ich verstehe ihre Beliebtheit aufgrund der Vertrautheit, aber wenn ich etwas auflege, entscheide ich mich immer für die Originale.“ „Damit mich Musik berührt, muss ich etwas Authentisches fühlen“, so Valenti. „Neben älterer Musik wie Sweet Emma Barrett oder Lavern Baker habe ich viel Gaby Moreno gehört. Ihre Stimme ist makellos und ich glaube ihr jedes Wort.“ Zukunftspläne? Ein neues Album ist in Arbeit und ein neues Abo-Label, Kind Reserve Records, hat den Betrieb aufgenommen – für 5 Dollar im Monat erhält man Zugang zu den kompletten Archiven, Konzertfilmen, Live-Streams, Dokumentationen etc. der Bands (neben Beaux Gris Gris noch Well Hung Heart).

„Wir haben schon so viel für unsere beiden Bands aufgezeichnet und wollen es mit den Leuten teilen, die uns am meisten unterstützt haben“, sagt Davey. „Wir begrenzen das, was wir über kostenlose Dienste wie Spotify veröffentlichen, und ermutigen die Leute, direkt zu jeder Sammlung von Künstlern zu kommen. Das ist besser für die Fans und besser für die Kreativen. Eine Win-win-SItuation und ein Hoffnungsschimmer für Musiker und Künstler überall.“

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Rockblog: Kritik zum Neuem Album YouTube sounds of south

Aktueller Stand immer hier

Fragen, Anregungen etc. :

Wolfgang Sedlatschek: 0172 45 34 24 - bitte keine Coverbands
musicstar@harksheide.de oder buchung@harksheide.de

des Weiteren steht schon fest: hier nachsehen.

Die angloamerikanische Band ist inspiriert von New Orleans und macht Musik für die Seele und die Sinne.

aktuellste Infos immer auf der Webseite www.harksheide.de